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화제를 모은 걸그룹의 정체는?

Mon, 07 Sep 2026 08:53:59 GMT

지난 8월 초, AWC엔터테인먼트라는 소속사가 인스타그램을 통해 5인조 신인 걸그룹 '에이아이돌(AI-DOL)'의 사진과 영상을 공개해 화제가 되었다. 리더 이연을 비롯해 모아, 성현, 희재, 수아 등 멤버들이 공개되며 각자의 매력을 뽐내며 시선을 사로잡았다. 이어 8월 28일로 데뷔일이 공개되었으며, 팬덤명을 정하기 위한 댓글 이벤트도 진행되었다. 강남역과 광화문, 남대문, 명동 등 서울 주요 지역 디지털 스크린과 소셜미디어를 통해 공개된 이들의 모습은 대중의 궁금증을 자아내기 충분했다.

https://www.lge.co.kr/story/newsroom/236165

이런 가운데 신곡 음원 '아이워시(I WASH)'의 티저 영상이 선공개되었다. 음원은 인스타그램 인기 상승 오디오 1위에 올랐고 안무 영상은 릴스 인기 순위 4위를 기록했다. 특히 안무 영상은 가수 최예나, 안무가 효진초이, 코미디언 이선민 등 유명 인사들이 챌린지에 참여하면서 화제를 모았고, 그룹에 대한 관심 또한 시간이 흐를수록 점차 높아졌다.

그리고 지난 8월 28일, 마침내 이 걸그룹의 진짜 정체가 밝혀졌다. 이들은 실제 연예 기획사가 아닌, LG전자가 자사의 올인원 세탁건조기 신제품의 매력을 젊은 소비자들에게 임팩트 있게 전달하기 위해 기획한 가상의 아이돌 그룹이었다. 세탁·건조의 전 과정을 AI로 최적화하는 'AI 워시콤보(AI Wash Combo)'의 특징에서 착안해 노래와 춤, 비주얼 등 다방면의 역량을 갖춘 완성형 아이돌을 탄생시킨 것이었다. 기획사의 이름인 AWC 또한 AI 워시콤보의 앞 글자를 따서 지은 것이다.

https://www.lge.co.kr/story/newsroom/236165

레트로와 퓨처리즘이 공존하는 에이아이돌의 스타일에는 LG전자의 코어 테크와 AI 기술의 첨단성이 담겨있다. 멤버별 개성과 캐릭터 역시 제품의 주요 특장점과 연결되어 있다. 이연의 여제처럼 당당한 포스의 올라운더 기질은 '올인원 대용량'을, 모아의 신비로운 매력의 완벽주의자 성향은 'AI 타임센싱'을 상징한다. 성현의 타협 없는 퍼포먼스와 걸크러쉬 분위기는 'AI 세탁·건조'를, 희재의 맑고 청량한 이미지의 비주얼은 '미니멀 플랫 디자인'을 나타낸다. 멤버들의 소소한 부분까지 세심하게 챙기는 수아의 다정다감한 성격은 '미니워시'의 특징을 반영했다.

오성택 LG전자 한국마케팅커뮤니케이션담당(상무)은 "세탁기는 모든 세대에게 이미 익숙한 필수 가전이라 최신 제품의 차별성을 인지시키기 위해서는 신선한 충격파가 필요했다"라며 "앞으로도 고객들에게 낯선 재미를 선사할 수 있도록 광고 전략 및 크리에이티브 차원에서 새로운 시도를 이어 나갈 것"이라고 설명했다. 에이아이돌은 오는 9월 말까지 디지털 채널을 통해 활동을 이어갈 계획이다.

https://www.lge.co.kr/story/newsroom/197237

LG전자가 고정관념을 깨뜨리는 마케팅 시도를 한 것은 이번이 처음이 아니다. 가상 인플루언서가 소셜미디어에서 인기를 끌기 시작하던 몇 해 전에는 '래아(Reah)’를 선보인 바 있다. AI 기술을 활용해 구현된 가상 인플루언서인 래아는 CES 2021에서 열린 'LG전자 프레스 콘퍼런스' 연설자로 나서며 대중 앞에 처음 등장했다. 이후 인스타그램을 통해 '싱어송라이터 겸 DJ’라고 본인을 소개한 래아는 뮤지션의 꿈을 키워가는 일상을 가감 없이 공유했고, 점차 두터운 팬층을 확보해 나갔다.

나아가 엔터테인먼트 콘텐츠 기업 미스틱스토리와 뮤지션 데뷔를 위한 업무협약(MOU)를 체결하며 가수 데뷔 준비에 돌입하기도 했다. 래아는 미스틱스토리의 대표 프로듀서 윤종신이 직접 노래와 목소리를 프로듀싱하는 '버추얼 휴먼 뮤지션 프로젝트'에 참여했다. 당시 래아는 "단순히 음악만 전달하는 것이 아니라 비주얼 아트, 패션 등 다양한 요소를 접목해, 모두 함께 소통하고 즐길 수 있는 문화 콘텐츠와 메시지를 전달하는 아티스트가 되고 싶다"라고 소감을 밝히기도 했다. 이처럼 당시 주목받던 트렌드를 마케팅에 적극적으로 접목하는 전략은 소비자가 기업과 브랜드를 보다 친근하게 느끼도록 만드는 방법이다.

https://news.samsung.com/kr/삼성전자가-아트-바젤에서-rm을-만난-이유는

삼성전자 또한 시대의 트렌드와 긴밀한 접점을 만드는 마케팅으로 오랫동안 주목받아왔다. 최근에는 축구선수 손흥민, 방탄소년단(BTS), 블랙핑크 등을 모델로 기용하고 팬심을 겨냥한 한정판 에디션을 선보이며 화제를 모았다. 여기에 BTS 리더 RM을 삼성 아트 TV의 글로벌 홍보대사로 발탁해 삼성 TV와 예술의 조화를 보여주기도 했다. 슈가는 갤럭시의 브랜드 사운드 '오버 더 호라이즌(Over the Horizon)'을 자신만의 해석으로 재구성한 버전을 공개하며 브랜드의 역사와 의미를 음악으로 풀어내기도 했다.

삼성전자의 스타 마케팅의 역사는 깊다. 이효리를 필두로 원더걸스, 2NE1, 애프터스쿨 등 당대 최고의 스타들을 휴대전화 모델로 발탁해 제품의 이미지를 구축해 왔다. 더 나아가 가인, 현아 등 인기 걸그룹 멤버들로 구성한 프로젝트 그룹 '4Tomorrow'를 결성하고, 음원과 뮤직비디오 공개와 더불어 길거리 콘서트를 진행하며 제품 광고를 넘어선 대규모 브랜드 캠페인으로 영역을 확장했다.

https://www.melon.com/album/detail.htm?albumId=614451#

특히 ’애니모션’, ’애니클럽’, ’애니스타’, ’애니밴드'로 이어지는 음악 프로젝트는 현재까지도 회자될 만큼 강한 인상을 남겼다. 이 프로젝트의 여섯 번째 곡인 '아몰레드 송'은 햅틱 아몰레드 폰의 자체발광 기술을 담은 가사가 특징 음원으로 당시 인기 스타였던 손담비와 애프터스쿨이 참여해 큰 관심을 모았다. 중독성 있는 멜로디가 반복되는 후크송의 매력에 제품의 특징을 표현한 '자체발광 댄스'까지 더해지면서, 이 곡은 휴대전화 광고 음악임에도 불구하고 멜론 연간 차트에서 87위를 기록하는 등 대중적인 인기를 얻었다.

이처럼 스타·아이돌을 기용하고, 이들의 춤과 노래, 매력을 브랜드의 홍보 소재로 활용하는 것은 소비자와의 심리적인 거리를 좁힐 수 있는 효과적인 방법 중 하나라고 할 수 있다. 특히 음악은 반복적으로 듣고 따라 부르는 과정에서 브랜드와 제품을 자연스럽게 기억하게 만드는 장치가 된다. 17년이 지난 지금에도 아몰레드송이 회자된다는 점은 이러한 음악 마케팅이 단순히 제품을 알리는 데 그치지 않고, 사람들의 기억 속에 브랜드의 경험을 남기는 역할까지 할 수 있음을 보여준다.

https://www.lge.co.kr/story/newsroom/236165

그런 점에서 LG전자의 에이아이돌 역시 단순히 신제품을 알리기 위한 광고 모델을 넘어서 소비자에게 입체적인 브랜드 경험을 제공하는 콘텐츠이자 캐릭터라고 할 수 있다. 대중에게 익숙한 세탁기라는 제품에 아이돌이라는 낯선 요소를 결합한 시도는 제품의 기능을 설명하는 것을 넘어서 소비자가 자발적으로 브랜드를 이야기하고 공유하게 만드는 새로운 방식의 마케팅으로 이어지고 있다.

한국 전통문화에 쏠리는 관심들

Wed, 02 Sep 2026 09:49:00 GMT

전 세계적으로 한국의 다양한 문화 콘텐츠가 인기를 얻고 있다. K-팝을 비롯하여 K-뷰티, K-푸드, K-드라마·영화 등, 이제 'K'가 붙는 것만으로도 하나의 경쟁력 있는 콘텐츠로 인식될 만큼 한국 문화의 영향력이 높아졌다. 이와 같이 한국이 전 세계적인 콘텐츠 강국으로 주목받는 가운데, 한국 문화의 근간을 이루는 전통문화에 대한 관심도 서서히 높아지고 있다.

이러한 흐름은 지난해 공개된 넷플릭스 영화 '케이팝 데몬 헌터스(KPop Demon Hunters)'의 세계적인 흥행을 통해 두드러지게 나타났다. 영화의 서사는 K-팝을 기반으로 하지만, 그 안에 한국 전통문화의 요소가 자연스럽게 녹아들어 전 세계 시청자들의 호기심을 자극했다. 특히 귀여운 모습과 행동으로 인기를 얻은 캐릭터 '더피(Derpy)'와 '서씨(Sussie)'가 큰 주목을 받았다.

https://www.museumshop.or.kr/kor/exhibition/exhibition_li.do?str_bcode=004000000#;

작호도(鵲虎圖)를 연상하게 하는 이 캐릭터들의 매력은 한국 전통 회화에 대한 관심으로 이어졌고, 나아가 국립중앙박물관의 굿즈 브랜드 '뮷즈(MU:DS)'에 대한 관심을 높이는 계기가 됐다. 이에 대한 영향으로 국립중앙박물관을 직접 찾는 관람객도 크게 늘었다. 영국 미술 전문 매체 아트 뉴스페이퍼가 발표한 '2025년 세계 박물관 관람객 조사'에 따르면, 국립중앙박물관은 전 세계 박물관 가운데 관람객 수 3위를 기록했다.

해외에서도 주목받고 있는 한국 전통문화는 이제 특정 세대에 국한된 관심사를 넘어 남녀노소 상관없이 관심을 가지고 즐길 수 있는 문화이자 놀이의 요소로 확장되고 있다. 이런 변화의 중심에는 국립중앙박물관과 한국관광공사의 노력이 있다. 고루하고 어렵게만 여겨진 전통문화를 일상에서 보다 친숙하게 즐길 수 있는 콘텐츠로 만들기 위해 다양한 행사와 프로그램을 선보이며 대중의 호기심과 참여를 이끌어내고 있다.

https://www.museum.go.kr/MUSEUM/contents/M0601000000.do?schM=view&catCustomType=united&arcId=23703

그중에서도 최근 화제를 모은 것이 바로 '국중박 분장놀이'다. 이는 국립중앙박물관의 소장 유물을 모티브로 참가자가 직접 분장하고, 박물관 무대에서 자신만의 해석과 퍼포먼스를 선보이는 관람객 참여형 문화축제다. 지난해부터 소셜미디어를 중심으로 뜨거운 호응을 얻으면서 화제가 되었고, 올해 또한 뜨거운 관심 속에서 대회가 진행되고 있다. 특히 올해는 국립중앙박물관과 13개 소속 박물관이 함께하는 전국 단위 행사로 확대 개편되면서 지역과 세대를 아우르는 전 국민 참여형 문화축제로 자리매김하고 있다.

덕분에 참가 규모 또한 확대되었다. 올해는 총 275팀(643명)이 예선에 지원해 지난해 83팀의 3배 수준을 기록했다. 참가팀들이 선보인 분장 역시 높은 완성도를 자랑하며 본선 진출 여부가 결정되기 전부터 소셜미디어 등에서 화제를 모았다. 본선은 9월 5일 국립춘천박물관을 시작으로, 9월 6일 국립공주박물관, 9월 12일 국립대구박물관, 9월 13일 국립전주박물관에서 차례로 진행된다. 9월 19일에 진행되는 최종 결선에서는 본선을 통과한 25개 팀이 국립중앙박물관에서 무대에 올라 경연을 펼치는 것으로 마무리된다.

https://www.youtube.com/@nationalmuseumofkorea

유리창 너머의 유물을 그저 보는 것에서 벗어나, 스스로 유물이 되어 체험하고 창작하는 방식으로 박물관 경험을 재해석한 국중박 분장놀이는 앞으로도 사람들의 흥미를 지속적으로 자극할 것으로 보인다. 유물을 몸으로 직접 표현하면서 유물의 형태와 역사적 배경을 살펴볼 수 있다는 점에서도 더욱 의미가 크다. 여기에 국립중앙박물관 뿐만 아니라 지역별 문화유산의 다채로운 매력을 함께 조명할 수 있다는 점은 이 행사의 가장 큰 장점이라고 할 수 있다.

관람객이 전시를 수동적으로 감상하는 데 그치지 않고 직접 참여하고 새로운 방식으로 해석한다는 점에서, 전 세계적으로 확산되고 있는 '참여형 박물관(participatory museum)' 트렌드와도 맞닿아 있다. 한국의 전통문화를 보다 친숙하고 재미있는 방식으로 경험하게 하는 이 행사가 향후 해외 큐레이터와 문화정책 관계자들의 관심을 끌 수 있는 새로운 문화 콘텐츠로 발전할 가능성도 기대되고 있다.

https://kto.visitkorea.or.kr/kor/souvenir/contest/contestIntro.kto

국중박 분장놀이에 이어서 사람들의 관심이 집중되는 행사는 바로 '대한민국 관광공모전 (기념품 부문)'이다. 1998년부터 매년 개최되고 있는 이 공모전은 한국의 우수한 관광기념품을 발굴하고, 이를 통해 한국의 매력적인 관광 콘텐츠를 알리는 축제이자 경연의 장이다. 한국과 지역의 역사와 문화, 자연, 관광지, 먹거리 등 다양한 관광 콘텐츠를 소재로 국내외 관광객이 구매하고 싶은 기념품을 선보이는 것을 목표로 한다. 최근 전통문화에 대한 관심이 높아지면서 공모전 역시 자연스럽게 주목받고 있다.

공모전에 선정된 아이디어는 실제 상품으로 개발되어 뮷즈를 통해 판매되며 국내뿐만 아니라 해외에도 주목받고 있다. '한국의 미 단청 키캡 & 키보드', '조선의 멋, 갓잔', '석굴암 조명', '조선왕실 와인마개' 등이 대표적인 수상작들이다. 전통문화의 아름다움을 현대적인 디자인과 실용적인 제품에 담아낸 이들 상품은 전통문화가 더 이상 과거에 머무는 것이 아니라 오늘날의 생활 속에서도 충분히 활용될 수 있음을 보여준다.

https://kto.visitkorea.or.kr/kor/souvenir/award/allAwardInfo.kto

전통문화와 현대적인 감각이 조화를 이룬 제품에 대한 관심은 공모전에 대한 관심으로도 이어지고 있다. 이러한 호응에 힘입어 올해 열린 공모전 역시 역대급 규모를 기록했다. 총 1,358점이 접수됐으며, 이 가운데 25점이 최종 수상작으로 선정됐다. 특히 올해는 일상에서 매일 사용할 수 있는 기념품에 대한 아이디어가 특히 두드러졌다. 대통령상으로 선정된 대상작 '바우덕이의 찬연한 무대, 식탁 위로 펼쳐지다'는 안성의 대표 문화유산인 바우덕이의 부채를 모티브로 한 방짜유기 테이블웨어다. 접시와 유기잔, 젓가락 세트로 구성된 이 작품은 서로 다른 두 전통문화의 요소를 하나의 식탁 위에 조화롭게 풀어냈다는 점에서 높은 평가를 받았다.

https://kto.visitkorea.or.kr/kor/souvenir/award/allAwardInfo.kto

이 밖에도 한국의 단청 문양과 자연의 색을 현대적 패턴 디자인으로 재해석한 전통 부채 '한국의 결', 제주의 동자석에 영감을 받은 '제주도 동자석 도어스토퍼', 조선 왕실과 민간의 안녕을 기원하던 베개 유물에서 착안한 '복을 담은 손목 베개', 반가사유상의 절제된 조형미와 아름다운 선을 담아 제작된 '반가사유 도자기 괄사' 등이 수상의 영광을 얻었다. 이어 오는 11월 20일부터 22일까지 DDP 아트홀 1, 2관에서는 공모전을 통해 선정된 다양한 수상작과 우수한 관광기념품을 한자리에서 만나볼 수 있는 '2026 대한민국 관광기념품 박람회'가 개최된다.

수상작들은 저마다 다른 개성과 매력을 지니고 있지만, 한 가지 공통점이 있다. 모두 전통문화를 매일 쓸 수 있는 물건으로 탈바꿈했다는 점이다. 한국 고유의 전통을 살려 소장 가치를 높이는 동시에 일상에서 스스럼없이 꺼내 쓸 수 있는 기능성을 더했다. 과거의 문화유산을 단순히 재현하는 데 그치지 않고 현대인의 생활 속으로 가져오려는 고민과 노력이 엿보인다. 이는 앞서 소개한 국중박 분장놀이와도 결을 같이 한다. 두 행사는 방식은 다르지만 전통문화가 그저 박물관이나 역사 속에만 존재하는 대상으로 바라보지 않는다. 직접 입고, 몸으로 표현하고, 생활 속에서 사용하는 과정을 통해 전통문화와 현재의 일상을 연결한다. 전통과 함께 살아가는 새로운 방식을 보여주는 이러한 행사들은 우리 문화의 가치를 다시 바라보게 하는 동시에 한국 전통문화가 앞으로 어떤 모습으로 확장될 수 있을지 기대하게 한다.

다시 집으로, 에스 데블린이 만든 연결의 공간

Sun, 30 Aug 2026 11:15:32 GMT

북촌 푸투라서울에서 ‘세 번째 시: 에스 데블린, 다시 집으로(3rd Poem: Es Devlin, Come Home Again)’가 진행되고 있다. 푸투라서울은 하나의 전시를 한 편의 시처럼 바라보며, 메인 전시 공간을 ‘백 개의 시(100 Poems)’라고 이름 붙였다. 서로 다른 전시가 시간의 흐름에 따라 하나씩 쌓여 100편의 시를 완성한다는 의미로, 현재 에스 데블린의 ‘다시 집으로’는 그 여정의 ‘세 번째 시’에 해당한다. 2026년 8월 20일에 개막하여 2027년 1월 17일까지 이어지는 이번 전시는 책과 거울, 빛, 드로잉, 소리와 자연을 통해 ‘나’에서 시작된 시선이 타인과 다른 생명으로 확장되는 과정을 하나의 공간적 여정으로 보여준다. 영국 출신의 에스 데블린(Es Devlin)은 무대 디자이너이자 아티스트, 비주얼 디렉터로 활동해 온 인물이다. 왕립오페라하우스의 오페라와 연극 무대에서 출발해 U2, 비욘세, 아델, 켄드릭 라마, 더 위켄드 등 세계적인 뮤지션의 공연을 설계했고, 2012년 런던 올림픽 폐막식과 2022년 슈퍼볼 하프타임 쇼처럼 전 세계 수많은 사람이 동시에 바라본 장면에도 참여했다. 공연을 위해 빛과 영상, 거울, 거대한 구조물을 다루던 그는 2016년을 전후해 이러한 공간적 언어를 미술관과 공공장소로 확장하기 시작했다.

이미지 출처 : 서민정

전시는 가장 아날로그적인 매체인 책에서 시작한다. 첫번째 공간인 ‘인피니트 라이브러리(Infinite Library)’에는 온라인 서점 알라딘과의 협업을 통해 마련된 약 1만 권의 서적이 거꾸로 꽂혀 거대한 흰색 서가를 이룬다. 그 위로 데블린의 드로잉과 영상이 투사되고 책과 독서에 관한 목소리가 공간을 채운다. 데블린에게 책은 지식을 얻기 위한 도구에 그치지 않고, 자신의 내면을 깊이 들여다보게 하는 동시에 자신과 다른 삶을 살아온 사람의 마음 속으로 들어가 볼 수 있게 하는 매체다. 영상이 끝나면 책으로 가득했던 서가의 중앙이 갈라지며 다음 공간으로 연결된다. 관객은 마치 책 속으로 들어가듯 그 문을 통과해서 다음 작품으로 이동한다.

이미지 출처 : 서민정

이어지는 ‘미러 메이즈(Mirror Maze)’에서는 책을 통해 시작된 타인에 대한 시선이 실제 공간의 경험으로 바뀐다. 천장과 벽을 채운 다면 거울은 관람객의 모습을 여러 방향으로 분할하고 반복한다. 거울에 비친 자신의 모습 사이로 주변의 낯선 사람들이 끊임없이 등장한다. 서로 다른 이미지가 겹치고 섞이면서 ‘나’를 확인하는 도구였던 거울은 오히려 타인의 존재를 발견하게 하는 장치가 된다. 거울을 활용해 공간을 시각적으로 확장해 온 데블린의 무대 디자인 경험이 미술관 안에서 보다 개인적인 감각으로 전환되는 것을 보여준다.

이미지 출처 : 서민정

붉은 조명과 빼곡하게 전시된 드로잉, 도면 이미지들을 따라 어두운 계단을 오르면, 다음 작품인 ‘다시 집으로(Come Home Again)’로 이어진다. 이 작품은 2022년 런던 테이트 모던에서 선보인 작업을 바탕으로 서울에서 새롭게 제작됐다. 데블린은 서울이라는 도시 안에 살아가는 다양한 생물종을 조사하고 직접 드로잉으로 기록했으며, 런던에서 시작한 생물 이미지와 서울의 생명들을 하나의 풍경으로 연결했다. 작품에서는 생물의 소리와 여러 언어로 이루어진 합창이 함께 흘러나온다. 여기서 ‘집’은 한 개인이 소유한 건물이나 인간만을 위한 도시를 의미하지 않는다. 서울에는 인간 이외에도 수천 종의 생물이 함께 살아가고 있으며 인간 역시 그 가운데 한 종일 뿐이다. 데블린은 인간과 동물을 서로 떨어진 존재로 보기보다 형태와 생명의 연속성 속에서 바라본다. 자신의 손등 혈관에서 박쥐 날개의 혈관을 떠올리고, 손가락 관절과 새의 날개뼈에서 유사한 구조를 발견한 경험 역시 이러한 생각과 연결된다. ‘다시 집으로’ 돌아간다는 것은 자연에서 분리된 인간이라는 생각을 내려놓고 우리가 이미 다른 존재들과 하나의 환경을 공유하고 있다는 사실을 다시 인식하는 과정에 가깝다.

이미지 출처 : 서민정

영상이 상영되는 공간인 ‘스크린쉐어(Screenshare)’에서는 데블린이 지난 35년간 기록해 온 수백 권의 스케치북이 펼쳐져 하나의 거대한 스크린을 만든다. 아이디어를 구상한 흔적과 협업자에게 생각을 전달하기 위해 그린 그림, 가족과 도시의 생물을 관찰한 드로잉 등 서로 다른 시간의 기록이 한 벽면에 모인다. 이 작품에는 한솔제지의 재생지가 사용됐다. 종이는 단순히 영상을 투사하는 스크린에 머물지 않는다. 영상이 끝나면 관람객은 벽을 이루고 있는 드로잉 가운데 한 장을 직접 가져갈 수 있다. 작가의 작업실에서 출발한 이미지가 전시장을 벗어나 누군가의 집과 일상으로 이동하면서 작품의 생명도 계속 이어지는 것이다.

이미지 출처 : 서민정

스크린쉐어 입구 앞에 조성된 공간 ‘콜렉티브 포트레이트(Collective Portrait)’에서는 관람객이 작품의 중심이 되어서, 긴 테이블에 앉아 낯선 이의 초상을 그리도록 한다. 그림의 완성도보다 중요한 것은 일정 시간 다른 사람을 집중해서 바라보는 행위라는 것을 강조한다. 상대의 정치적 견해나 종교, 취향과 같은 정보를 알기 전에 눈앞의 한 사람을 먼저 바라보는 경험을 만드는 것이다. ‘스크린쉐어’에서 관람객이 작가의 흔적 한 장을 가져갔다면, 여기서는 반대로 자신의 흔적을 전시장에 남기는 것이다. 전시 기간 동안 수많은 얼굴이 쌓이면서 작품은 계속 변화한다.

이미지 출처 : 서민정

마지막 전시 공간인 ‘라인 오브 라이트(Line of Light)’는 하나의 가느다란 빛을 통해 시간과 공간을 인식하는 인간의 감각에 집중한다. 푸투라서울에서 진행되었던 이전 2개의 전시들이 외부 자연광을 차단한 어두운 공간에서 선보였다면, 이번 전시는 자연광을 적극적으로 받아들인다. 시간에 따라 변하는 햇빛과 건축의 곡면, 인공조명이 서로 겹치면서 푸투라서울이라는 건축 자체도 작품의 일부가 되도록 한다.

이미지 출처 : 서민정

이번 전시는 책을 통해 타인의 생각으로 들어가고, 거울 속에서 다른 사람을 발견하며, 빛의 변화를 통해 지금 이곳의 시간을 느끼게 한다. 관람객은 작가의 드로잉 한 장을 자신의 공간으로 가져가는 동시에 낯선 사람의 얼굴을 그리며 또 다른 흔적을 남긴다. 그리고 전시의 마지막에는 인간을 넘어 우리와 함께 살아가는 수많은 생명으로 시야를 넓히도록 했다. 전시 제목인 ‘다시 집으로’에서 ‘집’은 특정한 장소 하나를 의미하는 것이 아니라, 자신과 타인, 도시와 자연, 인간과 다른 생명이 서로 연결되어 있으며, 우리가 함께 살아가는 이 세계 자체가 하나의 ‘집’이 될 수 있음을 보여준다.

기 간 : 2026년 8월 20일(목) – 2027년 1월 17일(일)

시 간 : 10:00 – 18:00 (화-금, 일), 10:00 – 19:00 (토), 월요일 휴관

장 소 : 푸투라 서울(FUTURA SEOUL)

티 켓 : 성인 22,000원, 대학생 15,000원, 어린이/청소년 12,000원

기억을 입는 옷 : RE;CODE와 서도호 작가 협업 컬렉션 “움직이는 스튜디오(The Moving Studio)”

Fri, 28 Aug 2026 12:41:55 GMT

업사이클링 패션 브랜드 RE;CODE(래코드)는 세계적인 현대 미술가 서도호와 협업한 캡슐 컬렉션 ‘움직이는 스튜디오(The Moving Studio)’를 선보였다. 이번 협업은 8월 27일부터 국립현대미술관(MMCA) 서울에서 열리는 서도호 개인전과 함께 전개되며, 패션과 현대미술을 하나의 주제로 연결한다. 특히 서도호가 오랫동안 작품을 통해 다뤄온 ‘공간’, ‘기억’, ‘이동’이라는 개념을 실제로 입고 사용할 수 있는 옷과 가방으로 확장했다는 점에서 흥미로운 프로젝트이다. 서도호는 자신이 살았던 집이나 건축 공간을 얇고 반투명한 섬유로 재현하는 작업으로 잘 알려져 있다. 서울에서 태어나 미국과 영국 등 여러 장소를 이동하며 생활해 온 작가에게 집은 단순한 건축물이 아니라, 가족과 함께 보낸 시간과 개인의 기억이 쌓이는 공간이다. 이번 협업 역시 “옷은 하나의 이동하는 건축과 같다”는 생각에서 출발했다. 집을 떠나 다른 장소로 이동해도 기억을 가지고 살아가듯, 옷 역시 개인의 기억과 물건을 담아 몸과 함께 이동하는 작은 공간이 될 수 있다는 것이다.

이미지 출처 : https://www.re-code.co.kr/Special/251023

이러한 생각은 RE;CODE(래코드)가 진행해 온 MOL(Memory of Love) 프로젝트와 자연스럽게 연결되었다. MOL은 시간이 지나 더 이상 입지 않는 옷을 버리는 대신 새로운 디자인으로 바꾸어 다시 사용할 수 있도록 하는 RE;CODE(래코드)의 업사이클링 프로젝트이다. 이번 작업에서 서도호는 자신과 가족의 기억이 담긴 옷을 RE;CODE(래코드)에 전달했고, 이를 바탕으로 특별한 자켓이 제작되었다. 작가의 어머니가 사주었지만 아껴두었던 자켓을 중심으로, 안쪽에는 딸들이 어린 시절 입었던 옷을 활용해 여러 개의 포켓을 만들었다. 부모에게 받은 옷 안에 다시 자녀의 옷이 들어가면서 한 벌의 자켓 안에 서로 다른 세대의 시간이 함께 존재하게 된 것이다. 이 자켓에서 안감과 포켓은 단순한 기능적 요소가 아니다. 가족들이 실제로 입었던 옷의 원단과 흔적이 그대로 남아 있기 때문에 각각의 포켓이 하나의 기억을 보관하는 작은 공간이 된다. 겉으로는 쉽게 보이지 않지만 자켓을 열었을 때 가족의 옷과 기억이 드러나는 구조는 서도호가 작품에서 지속적으로 탐구해 온 집의 내부와 개인의 기억이라는 주제와도 연결된다. 이렇게 완성된 자켓은 국립현대미술관에서 열리고 있는 서도호 개인전에서 실제 전시되고 있다.

이미지 출처 : https://www.instagram.com/recode_/

RE;CODE(래코드)는 이 특별한 MOL 쟈켓의 개념을 많은 사람들이 경험할 수 있도록 ‘움직이는 스튜디오(The Moving Studio)’라는 14종의 캡슐 컬렉션으로 확장했다. 워크 웨어 스타일의 쟈켓과 팬츠를 비롯해서 포켓 티셔츠, 셔츠, 숄더백 등 일상에서 입고 사용할 수 있는 제품으로 구성했다. 창작자가 장소를 이동할 때 자신의 도구와 물건을 가지고 다니는 작업복에서 아이디어를 얻어, 옷 자체가 하나의 작은 작업실이 될 수 있도록 다양한 크기와 형태의 포켓을 적극적으로 활용했다.

이미지 출처 : https://www.facebook.com/recodian?locale=ko_KR

제품 제작 방식에서도 두 협업자의 특징이 함께 나타난다. RE;CODE(래코드)는 기존에 보유하고 있던 재고 의류와 원단을 해체하고 다시 조합하며, 여기에 서도호의 작품에 사용되는 섬유 소재와 자수 등을 더했다. 대표 제품인 ‘메모리 포켓 워크 쟈켓’의 안감에는 서도호의 작품 ‘Myselves’ 드로잉을 자수로 표현하고, 내부에는 작가의 실제 작품 원단과 RE;CODE(래코드)의 재고 원단을 이용한 포켓을 배치했다. 포켓 티셔츠 역시 서도호의 ‘Time Pockets’에서 영감을 받아 여러 형태와 색상의 포켓을 디자인 요소로 사용했다. 일부 제품에는 대표작 ‘Nest/s’에 사용된 원단도 활용되어 작가의 작품이 단순히 옷 위에 프린트되는 방식이 아니라 소재와 구조 자체에 들어가도록 했다.

이미지 출처 : https://www.re-code.co.kr/Product/R0JAA26100BUX

https://thecontemporaryaustin.org/event/visiting-lecture-rochelle-steiner-do-ho-suh-drawings/

특히 협업을 위해 제작된 반투명한 자켓과 오간자 셔츠 같은 아이템은 서도호의 작품 세계를 보다 직접적으로 보여준다. 얇고 투명한 섬유를 통해 건축 공간을 표현해 온 작가의 특징을 패션 소재와 실루엣으로 옮긴 제품들이다. 오간자 셔츠는 495만 원의 한정판 에디션으로 출시되어 빠르게 품절되었으며, 시어 쟈켓 역시 한정 수량으로 제작되어 오프라인 공간을 중심으로 선보인다. 반면, 워크웨어 쟈켓과 팬츠, 티셔츠, 가방 등 보다 대중적인 아이템들은 온라인과 매장을 통해 판매하면서 예술 작품에서 시작된 개념을 일상적인 패션으로 확장했다.

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이번 협업을 기념해 9월 3일부터 13일까지 RE;CODE(래코드) 청담 플래그십 스토어에서는 ‘The Moving Studio’ 팝업 전시도 진행된다. 이 공간에서는 제품을 판매하는 것에 그치지 않고, 옷과 공간의 관계를 입체적으로 보여주며, 컬렉션이 만들어진 배경을 함께 경험할 수 있도록 구성했다. 또한 서로 다른 분야에서 활동하는 15명의 아티스트가 컬렉션을 직접 착용하고 자신의 작업 도구와 작업 과정을 보여주는 룩북 캠페인도 제작했다. 이를 통해 ‘움직이는 스튜디오’라는 개념이 서도호 개인의 이야기에서 다양한 창작자의 이야기로 확장된다.

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RE;CODE(래코드)와 서도호의 ‘The Moving Studio’는 작가의 작품 이미지를 패션 상품에 단순히 적용한 협업과는 다른 접근을 보여준다. 서도호가 공간과 섬유를 통해 개인의 기억을 표현한다면, RE;CODE(래코드)는 버려지거나 사용되지 않는 옷과 원단에 새로운 기능과 의미를 부여한다. 두 작업 모두 과거의 흔적을 없애지 않고 새로운 형태 안에 남긴다는 공통점을 가진다. 특히 가족의 옷으로 완성한 쟈켓이 전시 작품이 되고, 그 아이디어가 다시 실제 입을 수 있는 컬렉션으로 이어졌다는 점에서 예술 작품과 패션 제품의 경계를 자연스럽게 연결한다. 이번 협업을 통해 옷은 단순히 몸을 보호하는 기능적인 제품을 넘어, 개인의 시간과 기억을 담고, 이를 몸과 함께 새로운 장소로 이동시키는 하나의 작은 공간으로 확장된다. 더 나아가 창작자의 도구와 기억을 품은 채 어디서든 작업을 이어갈 수 있는 ‘움직이는 스튜디오’라는 새로운 의미를 갖게 되었다.

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참고자료

래코드 : https://www.re-code.co.kr/

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The Contemporary Austin : https://thecontemporaryaustin.org/event/visiting-lecture-rochelle-steiner-do-ho-suh-drawings/

40년간 닫혀 있던 서울의 지하, 문화공간으로 다시 열리다

Thu, 27 Aug 2026 07:36:43 GMT

서울광장 아래, 40여 년간 닫혀 있던 지하공간이 새로운 문화공간으로 문을 열었다. 서울시는 시청역과 을지로입구역 사이 지하 2층의 유휴공간을 ‘K-문화 스테이션’으로 조성해 지난 8월 24일 정식 개장했다.

서울광장 지하 약 13m에 자리한 이 공간은 폭 9.5m, 높이 4.5m, 길이 335m, 총면적 3,261㎡로 약 1,000평에 이른다. 지하상가와 지하철 2호선 선로 사이에 위치하며, 서울시는 1980년대 초 높이가 서로 다른 시청역과 을지로입구역을 연결하는 과정에서 만들어진 것으로 추정하고 있다.

오랜 시간 별도의 용도로 사용되지 않은 덕분에 내부에는 콘크리트 벽과 기둥, 길게 이어지는 터널형 구조가 원형에 가깝게 남아 있다. 도심 한복판에 있으면서도 시간이 멈춘 듯한 분위기와 335m에 이르는 긴 선형 구조가 이곳만의 독특한 공간감을 만든다.

서울시 공식 안내배너 ｜ 출처: https://mediahub.seoul.go.kr/archives/2019161

이 공간이 시민들에게 처음 모습을 드러낸 것은 2023년 9월이다. 서울시는 당시 ‘시민탐험대’를 통해 공간을 한시적으로 공개했다. 환기·소방·피난시설 등이 갖춰지지 않아 탐험 프로그램 형태로만 운영됐지만, 시민들의 높은 관심을 통해 도심 지하공간의 새로운 활용 가능성을 확인했다.

이후 서울시는 서울교통공사와 함께 환기·소방·전기 등 기반시설을 갖추고 상시 이용이 가능한 공간으로 정비했다. 오래된 콘크리트 구조와 터널의 분위기는 그대로 살리면서, 사람들이 안전하게 머물고 콘텐츠를 경험할 수 있는 환경을 더한 것이다.

2023년 9월, 서울광장 13m아래 숨은 공간을 투어하는 시민 탐험대원들의 모습 ｜ 출처: https://mediahub.seoul.go.kr/archives/2009025

‘K-문화 스테이션’이라는 이름에는 매일 오가는 지하철역에서 K-문화를 경험하며 ‘일상에서 문화로 환승한다’는 의미가 담겨 있다.

공간은 공공과 민간이 역할을 나눠 운영한다. 서울시가 오랫동안 사용되지 않았던 공간을 발굴하고 기반시설을 마련했다면, 콘텐츠 기획과 운영에는 민간의 전문성을 활용하는 방식이다. 콘텐츠 전문기업 크리에이티브멋이 운영을 맡고 있으며, ‘두두두 서울(dududo SEOUL)’이라는 이름의 K-컬처 복합문화공간으로 다양한 콘텐츠를 선보이고 있다.

빅뱅 데뷔 20주년 기념 미디어 전시 ‘BIGBANG 20TH ANNIVERSARY MEDIA EXHIBITION' 의 미디어 아트 ｜ 출처: https://mediahub.seoul.go.kr/archives/2019161

K-문화 스테이션의 문을 연 첫 콘텐츠는 빅뱅 데뷔 20주년 기념 미디어 전시 ‘BIGBANG 20TH ANNIVERSARY MEDIA EXHIBITION 「COSMOS」’다.

전시는 빅뱅이 지난 20년 동안 쌓아온 음악과 이야기, 팬덤 V.I.P와 함께 만들어온 기억을 ‘COSMOS’라는 우주적 개념으로 풀어낸다.

무엇보다 눈에 띄는 것은 기존 공간을 활용하는 방식이다. 일반적인 전시장처럼 독립된 전시실을 오가는 대신, 관람객은 335m 길이의 터널을 따라 이동하며 전시를 경험한다. 미디어아트와 프로젝션 맵핑, 홀로그램, VR, AI 영상, 인터랙티브 콘텐츠가 긴 동선을 따라 이어진다.

40년 가까이 남아 있던 콘크리트 벽과 기둥, 터널 구조 역시 전시의 배경이 된다. 새롭게 만들어진 전시장에 콘텐츠를 채우는 것이 아니라, 이미 존재하던 공간의 물리적 조건을 전시 경험의 일부로 끌어들였다는 점이 흥미롭다.

‘COSMOS’는 총 11개의 체험존을 335m의 긴 동선을 따라 배치했다. 각각의 공간에서는 AI 이미지와 영상, VR, 홀로그램, 레이저, 인터랙티브 미디어 등 서로 다른 기술을 활용해 빅뱅의 음악과 지난 20년의 이야기를 다양한 방식으로 경험할 수 있도록 했다.

전시 초반에는 레이저를 활용한 몰입형 공간과 AI 이미지·영상으로 재구성한 빅뱅의 음악을 만날 수 있다. 이어지는 VR 콘텐츠에서는 신곡 ‘BiiiG’의 퍼포먼스를 가까운 거리에서 감상하는 듯한 경험을 제공한다. 홀로그램을 활용해 멤버와 함께 사진을 촬영하거나 신곡을 미디어아트로 감상하는 공간도 마련됐다.

우주적 개념 'COSMOS' 로 재해석한 프로젝트｜ 출처: 크리에이티브멋(MUT)

관람객의 참여 역시 전시를 구성하는 중요한 요소다. 방문객의 사진과 추억이 실시간으로 공간에 등장하고 팬들이 남긴 메시지가 전시 콘텐츠의 일부가 되는 등, 일방적으로 영상을 감상하는 데서 벗어나 관람객의 행동과 기록이 공간에 반영되도록 구성했다.

여기에 빅뱅의 20년을 보여주는 미공개 사진과 팬덤을 상징하는 응원봉 등 아카이브 성격의 콘텐츠를 더했다. 첨단 미디어 기술과 오랜 시간 축적된 기록을 한 공간에 배치하면서, 335m의 긴 터널은 빅뱅의 과거와 현재를 차례로 경험하는 하나의 전시 동선으로 활용된다.

우주적 개념 'COSMOS' 로 재해석한 프로젝트｜ 출처: 크리에이티브멋(MUT)

K-문화 스테이션은 서울시가 추진하고 있는 ‘펀스테이션(Fun Station)’ 사업의 하나다. 지하철 역사 안에서 사용되지 않던 공간을 찾아 교통 기능에 머물렀던 역을 여가·문화·건강 등 다양한 활동이 일어나는 장소로 바꾸는 프로젝트다. 서울시는 2024년 5월 여의나루역 ‘러너 스테이션’을 시작으로 뚝섬역과 먹골역 등에 운동과 생활체육을 위한 공간을 조성했다. 광화문역·회현역·월드컵경기장역에는 탈의실과 보관함 등을 갖춘 러너 지원공간도 운영하고 있다.

이번 사업은 러닝과 운동을 중심으로 전개돼 온 펀스테이션을 K-POP과 미디어아트, 패션, 엔터테크 등 문화 영역으로 확장한 첫 사례다.

또 하나 눈여겨볼 점은 이곳이 ‘COSMOS’를 위한 일회성 전시장이 아니라는 것이다. 하나의 전시가 끝나면 새로운 콘텐츠로 교체되는 상설 문화 플랫폼으로 운영된다. 서울시는 앞으로 글로벌 K-POP 아티스트와의 협업 전시를 비롯해 K-패션 전시와 패션쇼, 엔터테크 체험, 브랜드 쇼케이스와 팝업 등 다양한 프로그램을 이어갈 계획이다.

K-문화 스테이션은 새로운 건물을 짓는 대신 도시에 이미 존재하던 공간에 새로운 숨을 불어넣었다. 40년 동안 쓰임 없이 남아 있던 지하공간에 안전을 위한 최소한의 기반을 더하고, 기존 콘크리트 구조와 긴 터널이라는 장소의 특징을 새로운 콘텐츠를 위한 자원으로 활용했다.

매일 수많은 사람이 스쳐 지나가는 지하철역의 숨은 공간이 일부로 찾아가는 문화공간으로 지속되기를 바란다. 도시의 유휴공간을 없애거나 새것으로 바꾸기보다, 그 공간이 가진 시간과 구조를 새로운 쓰임과 연결했다는 점에서 K-문화 스테이션은 서울의 지하공간을 활용하는 또 하나의 방식을 보여준다.

새활용을 일상의 풍경으로 옮기다

Wed, 12 Aug 2026 06:03:44 GMT

서울새활용플라자 1층 새활용전시장에서《새로 제로 Vol.3 : New Life, ZERO》가 열리고 있다. 전시는 기후변화와 폐기물 문제를 배경으로, 자원순환과 새활용을 생활 속에서 실천할 수 있는 하나의 방식으로 소개한다.

이번 전시의 특징은 새활용 제품을 개별적으로 진열하기보다 실제 생활 공간에 가깝게 구성했다는 점이다. 거실과 주방, 가방을 중심으로 공간을 나누고, 각 제품이 일상에서 어떻게 사용되는지를 자연스럽게 보여준다. 전시장에는 서울새활용플라자 입주 기업과 졸업 기업을 비롯한 21개 브랜드의 34개 작품이 소개된다.

《새로 제로 Vol.3 : New Life, ZERO》전시장 전경 - 거실 ｜ 이미지 출처: https://seouldesign.or.kr/

전시장에 들어서면 가장 먼저 POP-UP ZONE을 만난다. 어린이와 반려견이 함께 생활하는 거실을 모티브로 한 공간으로, 의류와 가방, 가구와 생활용품 등이 배치되어 있다.

전체적인 공간은 흑백의 단순한 드로잉 그래픽을 바탕으로 하여 실제 제품을 곳곳에 배치해 두었다. 배경과 제품 사이에 시각적인 대비를 만들면서 전시된 물건에 자연스럽게 시선이 머물도록 한 구성이다. 단순히 제품을 진열하는 대신 생활의 한 장면 안에 제품을 배치해 새활용을 보다 익숙한 풍경으로 보여준다.

전시장 거실 전경 및 현장 소품 디스플레이｜ 이미지 출처: https://seouldesign.or.kr/

관람 방식도 비교적 자유롭다. 제품을 가까이에서 살펴보고 직접 만질 수 있으며, 의류와 가방은 착용해볼 수도 있다. 전신 거울을 설치해 제품을 실제로 사용했을 때의 모습도 확인할 수 있도록 했다. 제품별로 사용된 소재와 제작 과정에 대한 정보를 함께 제공해 완성된 형태 뿐만 아니라 그것이 어떤 과정을 거쳐 만들어졌는지도 살펴볼 수 있다.

거실에서 주방 공간으로 이동하는 동선은 바닥 그래픽을 통해 이어진다. 단순한 그래픽을 통해 즉각적으로 위치를 파악하고, 전시장을 여러 개의 독립된 구역으로 나누기보다 하나의 집을 이동하듯 공간을 연결한 방식이다.

주방에는 친환경 세제와 식물성 소재를 활용한 생활용품 등 비교적 친숙한 제품들이 놓여 있다. 매일 사용하는 물건을 중심으로 구성한 만큼 새활용이나 친환경 디자인을 거창한 개념으로 설명하기보다 실제 생활에서 선택할 수 있는 제품의 사례로 보여준다.

전시장 안쪽에는 가방을 주제로 한 UP BAG ZONE이 마련되어 있다. ‘가치를 메는 가방’을 주제로 폐자동차 에어백과 안전벨트, 군용 텐트, 커피 자루, 청바지, 사과 가죽 등 서로 다른 용도로 사용됐던 소재가 가방으로 재가공된 사례를 모았다.

이 공간에서 눈에 들어오는 것은 소재 자체다. 기존에 사용됐던 흔적과 표면의 질감, 색상 등은 완전히 지워지지 않고 새로운 제품의 특징으로 남는다. 같은 가방이라는 형태 안에서도 출발점이 된 소재에 따라 전혀 다른 인상과 질감을 갖는다. 직접 만지고 착용할 수 있도록 한 전시 방식은 이러한 재료의 차이를 보다 분명하게 전달한다.

전시는 제품에 대한 관심을 실제 소비로 연결하는 장치도 마련했다. 제품별 QR코드를 스캔하면 소재와 제작 방식 등 상세 정보를 확인할 수 있고, 온라인 구매 페이지로도 연결된다. 전시장에서 제품을 보고 경험한 뒤 필요한 경우 구매까지 이어갈 수 있는 구조다.

새활용 가방을 집중적으로 소개하는 UP BAG ZONE - 폐자동차 에어백, 안전벨트, 군용 텐트, 커피 자루, 청바지, 사과 가죽 등 다양한 소재로 만든 감각적인 가방을 소개한다.

이미지 출처: https://seouldesign.or.kr/

소재 취합, 세척, 디자인, 재봉의 과정을 통해 새로운 생명을 가진 제품이 탄생한다. ｜이미지 출처: https://nukak.kr/brand/about.html

길거리 광고 현수막, 카이트 서핑에서 사용되는 돛, 타이어 내부에 있는 이너 튜브 등을 사용하여 디자인과 재단, 재봉의 과정을 거친 후 고객에게 판매할 준비가 완료된다.

이미지 출처: https://nukak.kr/brand/about.html

《새로 제로 Vol.3 : New Life, ZERO》는 환경 문제를 직접적으로 설명하기보다 우리가 매일 접하는 공간과 물건을 통해 자원 순환을 이야기한다. 거실에서 옷을 입고, 주방에서 생활용품을 사용하고, 외출할 때 가방을 드는 익숙한 행동 속에 새활용 제품을 배치한다.

그 과정에서 새활용은 폐기물을 처리하는 방법이나 특별한 환경 운동이라기보다 하나의 제품을 만들고 선택하는 방식으로 제시된다. 무엇으로 만들어졌는지, 이전에는 어떤 용도로 사용됐는지, 다시 사용할 수 있는 방법은 없는지를 한 번 더 살펴보게 하는 것이다.

전시 공간 역시 이러한 방향에 맞춰 설명보다 경험에 무게를 둔다. 제품을 보고, 만지고, 입어보고, 정보를 확인하는 과정이 하나의 관람 동선 안에서 이어진다. 익숙한 생활 공간을 전시장 안으로 옮겨놓음으로써 새활용과 자원 순환이라는 주제를 일상의 가까운 거리에서 바라보게 한다.

< 참고 사이트 >

- 서울새활용플라자 : https://www.seoulup.or.kr/

- 서울디자인재단 : https://seouldesign.or.kr/

자판기에서 무인매장으로. 오프라인 매장의 전략적 진화

Mon, 10 Aug 2026 21:58:28 GMT

길을 걷다보면 종종 무인매장을 볼 수 있다. 우리가 흔히 접할 수 있었던 24시간 운영하는 무인 아이스크림 가게에서부터 시작해 무인 카페, 무인 꽃집, 무인 편의점, 무인 사진관, 무인 연습실, 무인 라면가게, 그리고 무인 전자담배 가게까지 점점 다양해져가고 있다. 무인 가게는 사실 물리적 크기에 제한이 있는 ‘자판기’와 인력이 상주하는 ‘유인 매장’의 중간 지점에 위치하며, 자판기가 가진 공간적 한계를 극복하면서도 동시에 유인 매장의 운영 비용을 줄이기 위한 고민에서 나온 접점이 아닐까 싶다.

우선 각 무인매장들의 특징을 살펴보자.

무인 아이스크림 가게: 가장 먼저 대중화된 무인 매장이라고도 할 수 있다. 24시간 운영이 가능하고 금액이 크지 않으며, 고객이 선택하는 과정도 비교적 단순하기 때문에 운영자가 없어도 가능한 업종이다.
무인 편의점: 드물기는 했으나 무인 편의점 또한 초기에 등장한 매장이다. 어떤 매장은 운영시간 전체를, 어떤 매장은 낮에는 유인으로, 밤에는 무인으로 운영하는 하이브리드 형식의 매장이 있다. 편의점의 특성상 다양한 제품이 있고, 술과 담배와 같은 연령 제한 상품이 있기에 편의점 출입구에 카드 또는 신분증으로 본인을 인증하는 보안기기가 부착되어 있다.
무인 사진관: 이전의 사진관은 사진기사가 있어서 사진사의 기술에 따라 사진의 품질이나 분위기가 달라질 수 있었으나, 사진기의 퀄리티가 높아지고 사진기의 보편화에 따라 고객이 직접 사진을 찍을 수 있는 시점이 왔다. 눈치보지 않고 자유롭게 포즈를 취하며 사진을 찍을수 있다는 장점이 있는 곳이다. 매장마다 다르나, 찍은 사진을 후에 운영자가 보정을 해주는 서비스를 제공하기도 한다.
무인 반려동물 샤워시설: 무인 공간대여 매장의 한 형태라고 볼 수 있다. 예약 서비스를 통해 사전에 예약을 한 후 반려동물을 샤워할 수 있는 시설이 갖춰진 매장에 방문하여 반려인이 반려동물을 직접 샤워시킬 수 있는 곳이다. 가정에서 직접 샤워하기에는 비품이 없거나, 공간이 협소한 등의 제약사항이 있는 경우 용이하게 활용할 수 있다.
무인 세탁소: 무엇보다 생활 밀착형 서비스라고 할 수 있다. 1인 가구가 많아지면서 세탁기가 없거나, 세탁물이 많지 않은 경우 거주지 인근의 세탁소에 세탁물을 들고 가서 구비된 세탁기와 건조기로 직접 세탁을 할 수 있는 매장이다. 세탁기에는 현금 또는 카드를 통해 결제할 수 있는 시스템이 갖춰져 있어 운영자가 없이도 이용하는데 지장이 없는 형태의 매장이다.
그 밖의 무인 공간대여: 에어비앤비, 무인 연습실, 무인 회의실 등이 모두 무인으로 운영되는 매장의 한 형태가 될 수 있다. 온라인에는 공간 안내, 예약, 결제 시스템을 갖추고, 오프라인에서는 운영자와 대면하지 않고 사용할 수 있는 각각의 목적이 있는 매장을 의미한다.

무인 아이스크림 할인점 (매일경제 https://share.google/EuWRd2SzmubmV8qpC)

무인 편의점 (매일경제 https://share.google/eOoa73OG3uga3bqK9)

셀프 스튜디오 (테넌트뉴스 https://tnnews.co.kr/archives/85719)

무인 애견 목욕탕 (서울신문 https://www.seoul.co.kr/news/society/2023/12/11/20231211500174 )

무인 세탁소 (런드리24 https://laundry24.net)

이러한 무인 매장을 잘 살펴보면 공통점이 있다. 무인 매장의 핵심은 단순히 ‘사람을 없애는 것’이 아니라, 매장 운영자라는 인력을 ‘키오스크/온라인 서비스’와 ‘운영 정책’이라는 시스템으로 치환하는 과정에 있다. 무인 매장의 시작은 표면적으로는 인건비 절감이었을 수 있지만, 이 새로운 형태의 오프라인 매장이 지속 가능한 것은 결국 고객과 운영자 사이의 ‘신뢰’를 뒷받침 해 줄 수 있는 시스템이 가져온 결과일 것이다.

신뢰를 뒷받침 할 수 있는 또하나의 시스템은 기술을 통한 ‘보안’이다. CCTV 를 설치하는 것부터, 상항에 따라 결제자의 출입 기록을 확인하는 인증시스템, 이를 관리하는 매장의 운영 규칙이 있다. 때로는 디자인 자체가 시스템이 되기도 한다. 무인 아이스크림 가게에서 냉동고 문이 열리면 나는 경쾌한 음악 소리가 있다. 유인 매장이라면 직원이 직접 닫을 수 있는 냉동고 문을, 무인 환경에서는 소리를 통해 고객이 스스로 닫을 수 있도록 유도한 것이다. 즉, 여기서 보안이란 단순히 ‘고객이 물건을 훔쳐가거나 시설물을 망가뜨리는 것을 막기 위한 예방책’을 넘어서 매장에서 운영자가 하던 업무를 고객 스스로가 할 수 있도록 유도하는 일종의 ‘넛지’ 역할까지도 포함한다.

그렇다면 이어진 질문이 있을수 있다. “운영자가 없어진 무인 매장에서는 고객에게 운영자의 역할도 하라는 뜻인가?” 라고 반문할 수 있을 것이다. 하지만 매장의 형태가 바뀐 대신, 고객에게 스스로 책임 역할을 수행하는 대신, 상품의 원가가 유인 매장보다 낮다거나, 24시간 이용할 수 있게 되는 효과를 얻기도 한다.

그렇다고 운영자(사람)의 역할이 모두 사라진 것은 아니다. 다음과 같은 면에서 운영자의 역할을 시스템이 대체했다고 할 수 있겠다.

결제 지원: 운영자가 있는 매장에서는 다양한 방법으로 결제를 지원할 수 있다. 그러나 사람이 없는 매장에서는 결제시스템이 이를 보완해야 한다. 카드, 삼성페이, 간편결제, 애플페이, 포인트 적립과 같이 멀티 결제 시스템을 갖추어야 한다.
음성 안내 및 유니버셜 UI: 매장에서 직접 문의와 응답을 할 수 없기 때문에 시니어나 처음 방문하는 고객도 쉽게 사용할 수 있는 가독성 높은 인터페이스가 필요하다.
IoT 환경 제어: 매장의 환경을 원격으로 제어할 수 있는 장치가 필요하다. 예를 들어 스마트폰 앱을 통해 조명, 냉난방, 배경음악을 실시간으로 조절할 수 있다면 원격 운영이 효율적으로 될 수 있다.
원격 도어락 및 전원 제어: 긴급 상황 발생시 원격으로 문을 개폐하거나 키오스크를 재부팅 할 수 있어야 한다. 원격으로 대응하기 때문에 긴급성에서는 취약할 수 있기에 최소한의 장치가 마련되어 있어야 한다.
실시간 재고 트래킹: 판매 데이터와 재고 현황을 실시간으로 트래킹 할 수 있다면, 재고를 채우러 가는 시점을 미리 파악할 수 있다.
유통기한 관리: 신선식품(꽃, 밀키트)의 경우 유통기한 임박 상품에 대한 자동 할인 알림 등의 기능이 있다면 더욱 효율적인 관리 시스템을 갖출 수 있다.

셀프 계산대 (무인샵 https://share.google/Zd0KY9xYedvjB0IR0)

무인매장 안전, 보안 솔루션 (ADT 캡스 https://www.adtcaps.co.kr/caps-story/blog/unmanned-store-management-checklist )

무인매장 보안 솔루션 ‘슈프리마’ 소개 (https://supremainc.com/ko/solutions/unmanned-store-solution.asp)

결국 성공적인 무인 매장을 위해서는 하드웨어와 소프트웨어의 통합이 전제되어야 한다. 가장 먼저, 결제 시스템을 갖춘 키오스크는 매장의 허브 역할을 수행하며, AI 기반의 CCTV와 잠금장치는 24시간 보안을 책임진다. 더불어 실시간으로 매장 환경을 제어하는 원격 관리 솔루션과 데이터 기반의 재고 관리 시스템은 매장에 사람이 없어도 빈틈없는 운영을 가능하게 한다.

무인 매장은 단순히 인력을 줄이는 수단이 아니라, 기술을 통해 공간의 가치를 새롭게 정의하는 하나의 형태가 되었다. 이제는 고도화된 기술과 시행착오가 낳은 시스템의 고도화를 통해 안정적으로 발전할 것으로 기대해 본다. 더 나아가 무인 매장의 트렌드는 i) 개인화된 브랜드 경험, ii) 기술적 안정성이 결합하여 매장과 고객의 신뢰를 바탕으로 한 정착이 이루어지길 바란다.

새를 보며 힐링한다.... 탐조 열풍

Fri, 07 Aug 2026 06:06:26 GMT

빠르게 변화하는 세상 속에서 오히려 2030세대들은 천천히 즐기는 '슬로우 취미(Slow Hobby)'에 빠져 있다. 이는 필름 카메라로 사진을 찍고, LP를 감상하며, 뜨개질을 하거나 산책을 즐기는 등 디지털 세계에서 잠시 벗어나 자신만의 감각과 여유를 만끽하는 모든 것을 통칭한다. 이러한 슬로우 취미 가운데 최근 주목받는 것이 바로 새를 관찰하는 '탐조(探鳥)'다.

탐조에 대한 높은 관심은 검색량에서도 확연하게 드러난다. 네이버 데이터랩에 따르면 2026년 4월 기준 '탐조' 검색량은 5년 전과 비교해 약 4배 증가했다. 인스타그램, 유튜브와 같은 소셜미디어에서도 탐조 열풍은 뚜렷하다. '탐조' 해시태그를 단 게시물은 14만 개를 넘어섰으며, '탐조 기록'과 '탐조 생활' 역시 각각 1만 건 이상 등록되어 있다. 새를 관찰하는 콘텐츠를 제작하는 크리에이터들도 큰 인기를 얻고 있다. 탐조 전문 유튜버 '새덕후'는 구독자 53만 명을 보유하고 있으며, 이러한 인기에 힘입어 국립중앙과학관에서 강연을 진행하기도 했다. 이와 함께 전국의 수목원과 국립공원에서도 탐조를 주제로 한 프로그램이 확대되고 있다.

이전에는 탐조 활동이라고 하면 거대한 망원렌즈가 달린 카메라와 두꺼운 도감이 필요한 전문적인 취미라는 인식이 강했다. 새에 대한 지식이 필수로 있어야만 즐길 수 있는 것처럼 여겨진 활동에 대한 인식이 바뀌기 시작한 계기는 코로나19 팬데믹이었다. 실내보다 자연 속에서 보내는 시간이 늘어나면서 주변에서 쉽게 만날 수 있는 새를 관찰하는 문화가 자연스럽게 확산된 것이다. 바쁜 일상 속에서 자연을 바라보는 탐조는 편안한 휴식을 제공하는 것은 물론이고 기후 위기와 생물다양성 감소 같은 환경 문제에도 관심을 갖게 하는 계기가 되었다.

국내 최초의 탐조 전문 서점인 '탐조책방'을 연 박임자 대표 역시 이러한 흐름을 이끈 인물이다. 코로나19로 사회적인 활동이 제한되었던 시기에 아파트 내에서 새를 관찰하는 '아파트 탐조단' 활동을 시작하며 탐조의 즐거움을 알렸다. 예상보다 훨씬 다양한 새가 우리 주변에서 살아가고 있다는 사실을 발견한 박 대표는 직접 '아파트 새 지도'를 제작해 소셜미디어에 공유했고, 이를 통해 누구나 일상에서 쉽게 탐조를 시작할 수 있다는 사실이 널리 알려졌다.

탐조가 대중적인 취미로 자리 잡으면서 입문자를 위한 관련 상품 판매도 크게 늘고 있다. 쌍안경과 새 도감, 관찰 기록 노트 같은 기본 장비는 물론, 새를 가까이 불러들이기 위한 모이통과 새 먹이도 꾸준한 판매량을 기록하고 있다. 새의 종류를 쉽게 구분할 수 있도록 돕는 도감과 더불어 탐조 기록을 담은 서적 또한 인기를 끌고 있다. 그뿐만 아니라 새에서 영감을 받은 굿즈도 젊은 세대를 중심으로 주목받고 있다. 새의 울음소리에서 이름을 따온 브랜드 '치치-칫(chichi-chit)'은 새에 영감을 받아 제작된 감각적인 디자인의 문구와 생활용품을 선보이고 있다. '버더몰(Birdermall)'은 탐조 장비와 조류충돌방지 제품뿐 아니라 소리 나는 새 인형, 업사이클링 키링, 배지 등과 같은 굿즈를 판매하며 다양한 새의 종류를 소개하는 자리를 마련하고 있다.

그렇다면 사람들은 왜 새를 구경하는 것에 매료되었을까. 탐조를 즐기는 이들은 이 취미의 가장 큰 매력으로 '무해함'을 꼽고 있다. 나와 타인에게 해를 끼치지 않으며, 다른 취미처럼 과도한 소비를 요구하지도 않는다. 그저 자연 속을 천천히 걸으며 우연히 마주한 새를 발견하는 순간 자체가 기쁨이 된다. 내가 아무리 원한다고 해서 반드시 만날 수 있는 것이 아니라 자연이 허락해야만 가능한 경험이라는 점도 탐조만의 묘미라고 할 수 있다.

새를 관찰하고 이를 기록에 남기는 과정은 자연을 배우는 일이기도 하다. 어떤 새를 언제, 어디에서 만났는지 하나씩 기록을 채워가는 재미는 게임 속 도감을 완성하는 즐거움과도 닮아 있다. 관찰을 거듭할수록 자연을 이해하는 폭은 넓어지고, 작은 성취감도 함께 쌓여간다. 자연에 대한 배려를 중요하게 여기는 요즘 세대에게 탐조가 매력적일 수밖에 없는 이유가 여기에 있다.

쉼 없이 변화하는 사회에서 끊임없는 경쟁을 이어가는 현대인에게 탐조는 잠시 속도를 늦출 수 있는 시간이다. 새를 찾아 주변을 천천히 둘러보는 동안 사람들은 자연은 물론 자신의 현재 모습까지 돌아보게 된다. 다른 사람과 비교하거나 성과를 겨룰 필요 없이 오롯이 자연에 집중하는 경험은 심리적인 안정과 여유를 선사한다. 어쩌면 탐조가 사랑받는 이유는 희귀한 새를 발견하는 즐거움보다도, 경쟁 대신 자연과 호흡하는 시간을 선물하기 때문인지도 모른다.

AI 시대, 사람이 중심이 되다

Wed, 05 Aug 2026 05:40:17 GMT

최근 몇 년 사이 생성형 AI가 대중화되면서 우리의 일상은 크게 달라졌다. 이제는 누구나 일정 수준의 이미지와 영상을 손쉽게 제작할 수 있게 되었고, 목적에 맞는 AI 도구를 선택해 활용하는 것도 자연스러워졌다. 소셜미디어에서는 생성형 AI를 보다 효과적으로 활용할 수 있는 정보와 프롬프트가 공유되고 있다. 이처럼 수준 높은 결과물에 대한 접근성이 높아지면서 가짜 뉴스와 허위 광고와 같은 부작용에 대한 우려도 커지게 되었다.

몇 분이면 원하는 고품질의 이미지와 영상을 만들어낼 수 있는 AI 시대지만, 역설적으로 그와 정반대의 결과물이 인기를 끄는 현상도 나타나고 있다. 일부터 엉터리처럼 보이게 그리거나 손으로 대충 만들어 투박해 보이는 결과물이 주목받는 것이다. 그럴듯하지만 어딘가 어색하고 불편함을 주는 AI 결과물에 대한 거부감이 이런 흐름을 이끌고 있는 것으로 보인다.

흥미롭게도 이런 유행 역시 생성형 AI를 통해 만들어졌다는 것이다. 지난 4월에 한 한국인 사용자가 본인의 스레드 계정을 통해 챗 GPT로 만들 수 있는 엉성한 그림을 소개한 것이 계기가 됐다. 사진을 2000년대 컴퓨터 그림판에서 마우스를 이용해 대충 그린 듯한 이미지로 변환하는 프롬프트를 공개한 것이다. 어색한 비율과 저화질 픽셀, 그리고 삐뚤빼뚤한 선을 활용해 최대한 하찮고 엉뚱해 보일 수 있도록 만드는 이른바 '세상에서 제일 하찮은 프롬프트'는 순식간에 입소문을 타며 확산되었다.

https://www.instagram.com/openai/

이 프롬프트는 한국을 넘어 전 세계적인 유행으로 번졌다. 오픈AI의 창립자인 샘 알트먼이 직접 해당 프롬프트의 번역본과 이를 활용해 만든 이미지를 공유하면서 관심은 더욱 커졌다. 이후 프롬프트는 다양한 언어로 번역돼 널리 퍼졌고, 전 세계 사용자들이 해당 프롬프트로 만든 이미지를 공유하며 인기의 정점을 찍었다. 못 그려서 오히려 귀엽고 재밌다는 반응에서, 그만큼 완벽에 가까운 AI 이미지가 너무나도 흔해졌다는 사실을 인지할 수 있다.

'Turn the world into cheese (or anything really) with this camera.'

https://www.youtube.com/@OpenAI

오픈AI는 여기서 한 발자국 더 나아가, 일부러 엉성한 이미지를 만들어주는 AI 카메라를 공개하며 화제를 모았다. '이미지젠캠(ImageGenCam)'이라는 이름의 이 카메라는 초소형 컴퓨터와 3D프린터를 활용해서 직접 만들 수 있는 DIY 프로젝트다. GPT Images 2.0을 기반으로 작동하며, 셔터를 누르기만 하면 현실의 모습을 애니메이션, 판타지, 수채화 등 다양한 이미지로 만들어낼 수 있다. 사진을 다양한 화풍으로 바꾸는 기능 자체는 이미 여러 서비스에서 선보인 바 있지만, 이미지젠캠은 결과물 옵션 가운데 '세상에서 제일 하찮은 프롬프트'를 포함했다는 점에서 눈길을 끈다. AI 기술을 활용하면서도 완벽함보다는 개성과 재미를 추구하는 요즘 AI 트렌드를 완벽하게 반영한 사례라고 할 수 있다.

https://press.polaroid.com/251772-polaroid-s-new-campaign-pushes-back-against-the-reign-of-screens-and-ai-and-celebrates-analog/

광고계에서도 이러한 변화를 확인할 수 있다. 생성형 AI를 활용한 광고가 늘어나긴 했지만, 오히려 이런 광고가 흔해지면서 소비자의 시선을 사로잡기 어려워졌다. 오히려 AI와 대비되는 인간적인 경험과 현실의 가치를 강조하는 광고가 주목받고 있는 중이다. 폴라로이드는 AI가 절대 만들어낼 수 없는 진짜 삶의 순간을 조명하는 캠페인을 통해 브랜드의 존재 이유를 드러냈다. "AI가 발가락 사이 모래를 만들 수 없습니다", "그 누구도 죽기 전에 "그 시간에 폰이나 더 볼걸'이라고 말하지 않을 거예요"와 같은 문구가 담긴 옥외 광고에는 화면보다 현실을 경험하는 일이 더 중요하다는 메시지가 담겼다.

폴라로이드 브랜드 및 크리에이티브 디렉터 패트리샤 바렐라(Patricia Varella)는 캠페인을 소개하며 "우리는 감각을 통해 연결되도록 만들어진 아날로그적인 존재"라며 "폴라로이드 사진에는 마법 같은 무언가가 있습니다. 주름살까지 포함하여 우리 모두의 인간적인 모습을 담아내고, 삶의 가장 소중한 순간들은 현실 세계에서 일어난다는 것을 일깨워 줍니다."라고 설명했다. 완벽하지 않더라도 진짜 삶의 순간을 기록하는 가치에 주목한 이 캠페인은 AI 시대에서 무엇이 중요한지를 다시금 생각하게 만든다.

✈️Trip.은 진짜여야 해, 호텔은 Trip.이어야 해🏨 ｜ Trip.com

https://www.youtube.com/@trip.com_kr

트립닷컴 역시 올해 여름 브랜드 캠페인 '트립(Trip.)은 진짜여야 해, 호텔은 트립(Trip.)이어야 해'를 통해 AI가 대신할 수 없는 여행의 감각을 조명했다. 생성형 AI에 프롬프트만 입력하면 이상적인 여행 이미지를 만들 수 있지만, 낯선 장소를 직접 걷고, 공기를 느끼며, 그 순간을 기억하는 경험까지 대신할 수는 없다는 메시지를 담았다. 캠페인의 메시지를 효과적으로 전달하기 위해 지명에 'AI'가 포함된 지역을 배경으로 한 점도 눈길을 끈다. 제주 올레길(JEJU TR'AI'L), 영국(BRIT'AI'N), 상하이(SHANGH'AI'), 치앙마이(CHIANGM'AI')를 배경으로 한 시리즈를 선보이며, 실제 여행의 즐거움을 재치있게 표현했다.

완성된 상태의 종말 ft. Brent David Freaney (Special Offer) | Config 2026

https://www.youtube.com/@Figma

이러한 흐름은 UI 디자인 툴 피그마(Figma)의 연례 콘퍼런스에서도 확인할 수 있었다. 행사에서는 AI가 접목된 기능이 소개되는 자리였으나, 이어진 강연에서는 기술보다 사람의 역할에 더욱 무게가 실렸다. 강연자인 브렌트 데이비드 프레니(Brent David Freaney)는 찰리 XCX(Charli XCX)의 이름을 세계적으로 알린 앨범 '브랫(Brat)'의 디자인을 맡았던 인물이다. 그는 5개월 동안 피그마로 500개가 넘는 시안을 작업했으며, 단순해 보는 디자인일수록 많은 고민과 선택이 필요하다고 설명했다. 또한 프레니는 AI 시대에 중요한 역량은 뛰어난 결과물을 제작하는 능력보다 수많은 결과물 가운데 가장 좋은 것을 알아보고 선택하는 '안목'이라는 점을 강조했다. 이를 통해 AI가 디자인 제작의 문턱을 낮추고 있지만 어떤 결과물을 완성작으로 선택할지 결정하는 것은 인간의 몫이라는 것을 알 수 있다.

한때 생성형 AI로 직업을 잃게 될까 봐 두려워하며 AI를 거부하는 'AI 비거니즘'이 화제가 되기도 했다. 그러나 시간이 흐르면서 AI는 거부해야 할 존재가 아니라 함께 나아가는 조력자로 인식되고 있다. 이와 같이 AI를 활용하는 것에 거부감이 사라지고 있지만, 창의력이 필요한 분야에서는 여전히 인간의 판단과 감각이 더욱 중요하다는 인식이 확산되고 있다. 일부러 엉성한 이미지를 생성하는 프롬프트가 유행한 것도, AI보다 현실의 감각과 경험을 강조하는 광고가 잇따르는 것도 모두 사람의 선택이 만들어낸 변화다. 이제 AI가 뛰어난 결과물을 만들어내는 능력만으로는 차별화되기 어려운 시대가 다가오고 있다. AI 시대가 발전할수록 오히려 인간의 안목과 감각은 더욱 중요한 경쟁력이 될 것으로 보인다.

브랜드 굿즈의 역전

Sat, 01 Aug 2026 02:12:21 GMT

기업(브랜드) 홍보물은 기업의 브랜드명을 알리기 위한 판촉물 역할을 하지만, 어떤 경우 고객의 니즈와 부합하여 의도와는 다르게 하나의 또다른 브랜드 상품이 되는 경우도 발생한다. 즉, 홍보물·판촉물이 제품·상품, 즉 ‘굿즈’가 되는 것이다. 이는 과거 저렴한 제품에 기업 로고를 붙이는데 그쳤다면, 이제는 자체적으로 상품을 제작해 로고를 붙임으로써 고객(또는 잠재적 고객)의 일상 생활에도 자연스럽게 사용될 수 있도록 한 것이다. 특히 고객의 라이프스타일을 중심으로 한 제품에 가치를 두고, 판매하는 제품보다 고객의 일상 생활에서의 가치에 집중하는 모습이다. 이로써 고객의 생활에 밀접하게 자리잡음으로써 제품 이상의 인지도와 화제성을 확보하기 위함이다. 즉, 브랜드 매장에서의 경험은 매장 방문시에만 가능하다면, 매장을 나가서도 이어지도록 할 수 있는 것이 브랜드의 굿즈라고 할 수 있다.

대표적인 사례가 트레이더조(Trador Joe’s)의 에코백과 미니 토트백이다. 트레이더조는 미국의 마트 브랜드이다. 이 마트에서 트레이더조 로고가 그려진 에코백을 판매하기 시작했는데 제품 자체가 튼튼하고 하얀색 백에 로고만 그려진 간결한 디자인이 인기를 끌기 시작해 에코백을 구매하기 위해 마트를 찾아올 정도로 ‘오픈런’을 해야하는 상황이 발생했다. 이 가방은 SNS를 중심으로 화제를 불러 일으키기도 했다. 신기한 것은 트레이더조 마트는 국내에 없음에도 불구하고 우리나라에서 이 가방을 가지고 다니는 사람이 꽤 많다는 것이다. 마트의 굿즈가 원산지 밖 해외에도 열풍을 이끌었다.

출처: https://share.google/9UUVug3vRWZnyUIfu

이러한 굿즈가 오랫동안 지속적으로 인기를 끌고, 이제는 소비자의 생활에 깊숙히 자리잡은 경우도 있다. 이케아(IKEA)의 KRAKTA 블루백, 코스트코의 코스트코백이다. 이 둘은 모두 이케아 가구, 코스트코 상품을 운반하기 위한 쇼핑백이었다. 그러나 뛰어난 내구성과 대용량 수납 기능으로 여행가방, 빨래가방, 캠핑용품, 장난감 보관함 등 다양한 용도로 활용되며 생활용품으로 자리잡았다. 각각의 가방에는 브랜드 특유의 색상- 이케아는 파란색과 노란색 손잡이, 코스트코는 파란색과 빨간색 손잡이-을 하고 있어 시각적인 아이덴티티 또한 매우 강하다. 간혹 명품 브랜드의 패러디 대상이 될 만큼 아이콘으로 발전하였다.

여기서 더해, 이케아 연필은 무료 제공이라는 낮은 진입장벽을 통해 소비자가 브랜드를 가장 가볍게 경험하도록 했다. 사실 이 연필은 이케아 매장을 둘러보며 구입할 큰 사이즈의 가구를 쇼룸에서 보고 숫자를 적어 기록한 후 구매대에서 구매할 수 있도록 하기 위한 보조수단이었다. 그러나 국내에 이케이가 들어오자, 많은 사람들이 이케아를 찾으며 이케아 연필을 하나씩 가져오기 시작해 주목을 받았다.

최근 브랜드 굿즈는 기능보다 경험을 판매하는 전략으로도 진화하고 있다. 한정판, 시즌성, 협업이라는 테마 하에 소비자의 수집 욕구를 자극하기도 한다.

스타벅스 플래너는 연말 프리퀀시 이벤트를 통해 제공되며, 단순한 다이어리가 아니라 브랜드 경험의 보상으로 자리잡았다. 시즌마다 새로운 디자인과 컬러를 적용하여 매년 시즌이 되면 채워야 하는 수 만큼의 커피를 구매하며 기다리게 되는 컬렉션 활동이 되었다. 스타벅스 리유저블 컵 역시 음료를 담는 용기로 시작했으나, 하나의 아이템으로 자리 잡았다. 이 또한 시즌 한정 컬러와 디자인을 SNS에서 인증하기 시작했고, 그로 인해 일부 제품은 출시 직후 품절과 리셀 현상으로 주목받았다. 소비자는 음료보다 컵을 구매하기 위해 매장을 방문하는 등 반복적인 사용을 통해 브랜드 인지도를 확인할 수 있다.

AI 생성

한국 나이키에서 자체 제작한 것으로, 견고한 내구성과 나이키 특유의 아이덴티티가 담긴 디자인으로 인기를 끌었다. 상품 구매 후 버려지는 일회용품이 아니라 일상생활에서 가방처럼 사용하는 이들이 늘어나면서, 자연스럽게 하나의 ‘굿즈’ 활용되고 있는 셈이다. 이것이 입소문을 타고 외국에도 전해져, 한국을 방문한 외국인들이 이 쇼핑백을 구하기 위해 나이키 매장을 찾아다니기도 한다.

출처: 중앙일보 https://www.joongang.co.kr/article/25159169

조금 더 시간을 거슬러 올라가보면 대표적인 사례가 있다. 이는 굿즈보다는 브랜드 상품의 구매 동기를 위한 마케팅 전략으로써의 제품이다. 바로 맥도날드 해피밀 장난감이다. 인기 캐릭터 IP와의 협업을 통해 출시되는 한정판 장난감은 어린이뿐 아니라 성인 컬렉터들에게도 높은 관심을 받았다. 소비자는 햄버거보다 장난감을 얻기 위해 해피밀을 구매하고, 일부 제품은 중고 거래 시장에서 높은 가치가 형성되었다.

브랜드 굿즈들을 살펴보면 “소유하고 싶은 일상 제품”인 경우가 대부분인 것으로 보인다. 여기에는 몇가지 전략이 있다.

1. 실용성이 브랜드 경험을 지속시킨다. 에코백, 블루백, 리유저블 컵처럼 사용 빈도가 높은 제품일수록 브랜드와의 접점이 자연스럽게 늘어난다. 매장에 찾아가 사용하기도 하지만 매장에서 나와 일상 속에서도 지속 사용하기 때문이다. 이에 따라 광고보다 반복적인 사용 경험의 효과를 가진다.

2. 절제된 디자인이 오히려 강한 브랜드 아이덴티티를 만든다. 과도한 로고 대신 형태, 색상, 소재와 같은 시각적 요소만으로 브랜드를 인식하게 만드는 디자인이 장기적인 경쟁력을 확보할 수 있다. 이케아 블루백의 색상, 트레이더조 토트백의 깔끔한 타이포그래피를 보면 알 수 있다.

3. 브랜드 철학이 제품 경험으로 이어진다. 굿즈는 브랜드의 가치를 가장 작은 제품 안에 보여주는 것이다. 코스트코 백은 누구나 쉽게 사용할 수 있는 디자인을, 스타벅슨느 커뮤니티와 참여 경험을, 트레이더조는 친근하고 소박한 라이프스타일을 제공한다.

4. 희소성과 참여 경험이 열광하게 만든다. 시즌 한정, 이벤트 참여, 제품 구매, 타 IP와의 협업은 소비자의 소장 욕구를 자극하여 SNS에 인증하고 리셀이 탄생하는데 기여한다.

5. 굿즈가 브랜드의 새로운 대표 상품으로 자리잡게 된다. 트레이더조 토트백과 같이 본업인 매장보다 굿즈가 더 큰 화제성과 상징성을 가지게 된것 처럼 브랜드 경쟁력이 본래의 제품이 아닌 생활속에 친숙한 제품으로 이동한 예시를 보여준다.

즉, 브랜드 굿즈는 부가적인 마케팅 수단에서 생활속에 스며든 일상의 독립적인 제품으로 역할이 변화되었다. 이제 소비자는 로고만 기억하는 것이 아니라 매장의 기억, 본래 제품의 사용 경험을 넘어 생활속에서 느껴지는 실용성, 브랜드 철학, 감성적 경험, 희소성, 공유 기능성을 모두 포함하여 기억한다. 달리 말해 브랜드는 더이상 제품을 직접 보거나 매장에 직접 방문하는 과정이 아니라도 우리의 일상에 항상 녹아들어 있다.