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이케아, 예술을 일상으로 끌어들이다 - 한정판 컬렉션 ‘콘스룬다(Konstrunda)’ 런칭

Sun, 23 Aug 2026 20:34:02 GMT

이케아가 예술과 대량 생산의 경계를 허무는 새로운 한정판 컬렉션 ‘콘스룬다(Konstrunda)’를 전격 공개했다. 이번 컬렉션은 예술은 무엇을 할 수 있으며 왜 중요한지에 대한 근본적인 질문에서 출발했다.

이케아의 콘스룬다 컬렉션 (출처: IKEA)

‘예술을 집 안으로 들인다’는 컨셉으로 기획된 콘스룬다는 7명의 아티스트 및 디자이너와 함께 완성한 22개의 장식 오브제, 텍스타일, 가구로 구성됐다. 안두 마세보(Andu Masebo), 리사 힐란드(Lisa Hilland), 이고르 홀테르만(Igor Holtermann), 잉그리드 리안더 베르그(Ingrid Leander Berg), 에마누엘레 스타물리(Emanuele Stamuli), 리사 라이저(Lisa Reiser), 그리고 아칸샤 데오(Akanksha Deo)와 함께했다. 이들은 해방감, 행복, 두려움 없는 태도를 키워드 삼아 마치 갤러리에 전시될 것 같은 독창적인 형태의 오브제와 가구들을 만들었다.

이케아의 크리에이티브 리더 카린 구스타프손(Karin Gustavsson)은 이번 프로젝트에 대해 기능적 필요를 해결하는 데 그치지 않고 순수한 예술 표현에 집중했다고 설명했다. 그는 “우리는 매우 드문 규모로 아트 오브제를 사람들의 집에 들여놓을 수 있다”며, “수집용 디자인(collective design)의 진입 장벽을 낮춰 누구나 자신이 사랑하고 영감을 주는 물건을 소유할 수 있도록 하는 것이 목표”라고 강조했다.

안두 마세보의 작품 (출처: IKEA)

이번 컬렉션은 작가 개개인의 독특한 철학이 고스란히 묻어난다. 최근에 많은 주목을 받고 있는 런던 출신 디자이너 안두 마세보는 튜블러 스틸 사이드 테이블과 원목 스툴, 거울처럼 반짝이는 스테인리스 스틸 도넛 접시 등을 선보였다. 그는 자신의 오브제가 완성된 완제품에 머무는 것이 아니라, 사용자가 배치를 어떻게 하는지에 따라 창의성을 발휘하도록 도움을 줄 수 있기를 기대한다.

아칸샤 데오의 작품 (출처: IKEA)

이케아 소속 디자이너 아칸샤 데오는 현대인의 고독을 위로하는 친근한 형태의 오브제들을 제안했다. 인도 전통 목공예와 직물 문화에서 영감을 받은 그녀의 작품 중 '더 커스디언(The Custodian)'은 마치 공간을 지켜주는 수호자 같은 독특한 토템 형태를 띠며 일상에 따뜻한 유머와 위안을 건넨다.

잉그리드 리안더와 이고르 홀테르만 듀오의 작품 (출처: IKEA)

이 외에도 리사 라이저는 젤리 사탕을 연상시키는 입으로 분 유리의 꽃병을, 잉그리드 리안더와 이고르 홀테르만 듀오는 스톡홀름의 거리 풍경에서 착안한 대담한 패턴의 쿠션과 러그를 선보였다. 대부분의 제품이 약 30만 원 대를 넘지 않는 합리적인 가격대로 책정되어 미술관에 갇혀 있던 예술을 일상의 영역으로 가져오고 있으며, 이케아만의 대량 생산 기술을 통해 순수 예술을 누구나 즐길 수 있도록 만들고 있다.

참고링크

https://www.ikea.com/gb/en/new/the-art-of-making-art-affordable-pube7e11ee4/

https://www.wallpaper.com/design-interiors/interior-design/interior-accessories/ikea-konstrunda-collection

https://www.elledecor.com/design-decorate/a73477124/ikea-launches-limited-edition-art-collection-konstrunda/

촉각을 디자인하는 시대, 회의실까지 들어온 피젯 디자인

Sat, 15 Aug 2026 11:37:26 GMT

All Images ⓒ Konel Inc.

생각은 손끝에서 시작된다

회의 중 무의식적으로 볼펜을 돌리거나 메모지에 낙서를 하고, 손에 쥔 물건을 만지작거려 본 경험은 누구나 한 번쯤 있을 것이다. 과거에는 이러한 행동을 집중하지 못하는 습관 정도로 여겼지만, 최근에는 손의 움직임과 촉각이 사고 과정에 어떤 영향을 미치는지에 대한 관심이 커지고 있다. 실제로 촉각 자극과 인지 활동의 관계를 다룬 연구가 이어지면서, 손을 움직이는 행위 자체를 창의적인 사고 과정의 일부로 바라보려는 시도도 늘어나고 있다. 이러한 변화는 일상 속 소비 트렌드에서도 쉽게 확인할 수 있다. 한국 뿐만 아니라 일본에서도 최근 키보드 스위치를 반복해서 누르는 감각을 즐기는 키링, 말랑한 촉감을 반복해서 만지는 피젯 토이(Fidget Toy), 슬라임과 촉감 굿즈 등 손끝의 감각을 자극하는 제품들이 꾸준한 인기를 얻고 있다. 겉으로 보기에는 단순한 장난감이나 액세서리처럼 보이지만, 공통적으로 '만지는 행위 자체를 즐기는 경험'을 제공한다는 특징이 있다.

이 같은 흐름의 배경에는 디지털 환경의 변화도 자리하고 있다. 우리는 하루 대부분의 시간을 스마트폰과 컴퓨터 화면을 바라보며 보낸다. 시각과 청각을 통해 끊임없이 정보를 받아들이지만, 손끝으로 무언가를 만지고 형태를 바꾸며 느끼는 경험은 점차 줄어들고 있다. 아이러니하게도 디지털 기술이 발전할수록 사람들은 오히려 실제로 만질 수 있는 물성(Materiality)과 촉각에서 새로운 즐거움과 안정감을 찾기 시작했다. 최근 촉감을 강조한 제품들이 다양한 분야에서 등장하는 이유도 이러한 시대적 변화와 무관하지 않다. 이러한 흐름 속에서 일본 디자인 기업 코넬(Konel)이 선보인 'IDEA SAND NEL'은 촉각을 일상적인 소비재가 아닌 회의와 브레인스토밍을 위한 도구로 확장한 프로젝트다. 회의 중 손으로 자유롭게 주무르고, 쥐고, 부수고, 다시 형태를 만들 수 있는 샌드 소재를 활용해 '손을 움직이며 생각하는 과정' 자체를 디자인했다. 제품을 만드는 것이 아니라 사고의 환경을 설계한 것이다.

소재가 아닌 '용도'를 디자인하다

IDEA SAND NEL은 촉각 자극과 인지 활동의 관계를 다룬 기존 연구에서 영감을 받아 기획됐다. 다만 브랜드는 특정 효과를 단정적으로 주장하지 않는다. 이 제품이 창의성을 향상시킨다고 입증된 것은 아니며, 촉각을 사고 과정에 도입했을 때 회의와 대화가 어떻게 달라질 수 있는지를 탐색하기 위한 도구라고 설명한다. 제품은 결과물을 만드는 점토나 장난감이 아니다. 회의나 브레인스토밍을 하는 동안 손을 자연스럽게 움직일 수 있도록 설계된 촉각 도구다. 사용된 샌드 소재는 손으로 쥐면 뭉쳐지고 힘을 빼면 다시 흩어지는 독특한 물성을 지녔다. 정해진 형태를 만들거나 완성해야 할 결과도 없다. 이야기를 들으며 주무르고, 아이디어를 고민하며 쥐고, 생각이 막히면 형태를 무너뜨리는 등 사용 방식에는 정답이 없다. 중요한 것은 무엇을 만드는지가 아니라, 생각하는 동안 손이 자연스럽게 움직일 수 있는 환경을 만드는 것이다.

흥미로운 점은 새로운 소재를 개발한 프로젝트가 아니라는 점이다. 사용된 샌드는 이미 존재하던 소재지만, 코넬은 이를 '회의 중 손을 움직이며 생각한다'는 새로운 맥락으로 재해석했다. 즉, 소재 자체를 바꾼 것이 아니라 사용 목적과 활용 방식을 새롭게 디자인한 것이다. 이는 최근 디자인 분야에서 중요하게 다뤄지는 서비스 디자인의 관점과도 맞닿아 있다. 새로운 기술이나 소재를 발명하기보다 기존 자원에 새로운 사용 시나리오를 부여함으로써 이전에는 없던 가치를 만들어낸 사례라는 점에서 의미가 있다.

이번 프로젝트에서 주목할 점은 소재 자체가 아니다. '생각하는 방식'을 다시 디자인했다는 데 있다. 우리는 사고를 머리로 하는 활동이라고 여겨왔지만, IDEA SAND NEL은 손의 움직임과 촉각 역시 사고 과정의 일부가 될 수 있다는 가능성을 제안한다. 중요한 것은 결과물을 만드는 일이 아니라, 생각하는 동안 손이 자연스럽게 움직일 수 있는 환경을 만드는 것이다. 이러한 관점은 최근 일본의 소비 트렌드와도 맞닿아 있다. 촉감을 중심으로 한 제품들이 잇따라 등장하는 것도 같은 맥락이다. 디지털 환경이 일상이 될수록 사람들은 화면에서는 얻을 수 없는 물성과 촉각에 다시 관심을 기울이기 시작했다.

IDEA SAND NEL은 이러한 흐름을 회의와 브레인스토밍이라는 업무 환경으로 확장했다. 새로운 소재를 개발한 것이 아니라, 기존 소재에 새로운 역할을 부여했다는 점도 흥미롭다. 결국 이 프로젝트가 제안하는 것은 새로운 회의 도구가 아니라, 생각하는 환경을 바라보는 새로운 시각이다. 촉각이라는 익숙한 감각을 통해 사고와 대화의 방식을 다시 바라보게 한다는 점에서, 앞으로의 디자인이 주목해야 할 가능성을 보여준다.

공간과 미각의 실험, 스웨덴 귀리 우유 브랜드 오틀리가 뉴욕에서 재정의한 음료 문화

Wed, 12 Aug 2026 21:51:42 GMT

애프터테이스트 (Aftertaste) 행사 (출처: Oatly)

스웨덴의 귀리 우유 브랜드 오틀리(Oatly)가 뉴욕에서 ‘애프터테이스트(Aftertaste)’라는 행사를 진행했다. 이는 단순히 오틀리의 제품을 홍보하는 행사가 아니라, 음료 업계가 향후 나아갈 방향에 대해 이야기하는 색다른 이벤트였다. 커피, F&B, 미디어 등 각 분야를 이끄는 300여 명의 크리에이터와 리더들이 한자리에 모여 오늘날 음료가 기능적 소비를 넘어 한 사람의 취향과 정체성으로 진화하고 있음을 증명했다.

애프터테이스트 (Aftertaste) 행사 (출처: Oatly)

행사장은 오틀리의 최신 전략 가이드인 ‘Look Book Vol. 3’에서 영감을 받은 몰입형 공간으로 디자인되었다. 온통 초록빛으로 채워진 ‘말차 파크(Matcha Park)’에는 실제 오틀리 말차 오트밀크가 흘러나오는 분수와 공원 벤치가 설치되어 방문객들이 색다른 경험을 할 수 있도록 만들었고, 거리의 가판대를 재해석한 ‘오트 프로파간다 뉴스탠드’는 흑백과 핑크 톤의 비주얼 속에서 콜드브루와 아이스 차이 라떼를 선보였다. 또한 전 세계 유명 카페의 독창적 굿즈를 모아놓은 ‘콘트라반드 코너’에서는 방문객들이 토큰을 사용해 물품을 교환하는 경험을 즐길 수 있었다. 전 세계 바리스타들의 목소리가 담긴 음성 메모가 흘러나오는 전화기 설치물 역시 공간을 더욱 더 특별하게 만들었다.

애프터테이스트 (Aftertaste) 행사 (출처: Oatly)

또한 오틀리는 ‘오트오마트(Oat-o-mat)’를 통해 ‘에브리띵 베이글’이나 에스프레소 마티니 스타일의 젤오트(Jell-Oat) 같은 파격적인 음료를 제공했다. 낮 시간 동안 이어진 패널 토크에서는 ‘모든 곳이 카페가 되는 시대’와 ‘젠지가 음료 문화를 바꾸는 방식’ 등 다른 강연들에서는 다루지 않는 색다른 주제들을 다뤘다.

애프터테이스트 (Aftertaste) 행사 (출처: Oatly)

초대장부터 핀, 스티커, 메뉴 디자인, 자판기 굿즈, 그리고 직원들의 유니폼에 이르기까지 철저하게 브랜딩 된 이 행사는 월스트리트저널을 비롯한 주요 언론의 22건에 달하는 보도를 이끌어내며 오틀리를 단순한 식품 브랜드가 아닌 글로벌 문화 트렌드의 선구자로 각인시켰다.

참고링크

https://www.killingsdesign.com/work/oatly-aftertaste

https://www.highsnobiety.com/p/we-stand-corrected-coffee-dates-are-underrated-oatly/

https://www.oatly.com/en-gb/things-we-do/initiatives/aftertaste

토지 Laboratory - 일본의 전통 입욕 문화를 '퍼스널화'하다

Wed, 12 Aug 2026 06:10:45 GMT

All Images ⓒ 湯治laboratory

일본에서는 예로부터 온천에 머물며 몸과 마음을 회복하는 '토지(湯治)' 문화가 이어져 왔다. 단순히 피로를 푸는 것을 넘어 일정 기간 온천지에 머물며 몸의 균형을 되찾고 마음을 돌보는 생활 방식으로, 오랫동안 일본인의 삶 속에 자리 잡아온 치유 문화다. 하지만 현대에 들어 바쁜 도시 생활이 일상화되면서 이러한 전통은 점차 일상에서 멀어졌고, 온천 역시 여행이나 휴식의 특별한 경험으로 인식되는 경우가 많아졌다. 최근 일본에서는 전통문화를 현대적인 라이프스타일에 맞게 재해석하려는 시도가 다양한 분야에서 이어지고 있다. 도쿄 시부야구에 문을 연 '토지 Laboratory(湯治 Laboratory)' 역시 이러한 흐름을 보여주는 사례다. 이곳은 1962년 창업 이후 60여 년 동안 온천 입욕제를 연구해온 '영비너스약품공업(ヤングビーナス薬品工業)'이 선보인 첫 직영 매장으로, 단순히 입욕제를 판매하는 공간이 아니다. 개인의 취향과 컨디션에 맞는 입욕 경험을 제안하는 퍼스널 웰니스 플랫폼을 지향하며, 오랜 입욕 문화를 오늘날의 소비 방식과 서비스 경험으로 새롭게 풀어냈다. 공간 디자인은 MHAA건축설계사무소, 브랜드 로고는 EDING:POST가 맡았다. 브랜드가 추구하는 '몸과 마음을 돌보는 시간'이라는 철학을 공간과 시각 언어 전반에 담아내며, 전통적인 입욕 문화를 현대적인 리테일 경험으로 재해석한다.

'오늘의 목욕'을 디자인하다

가장 큰 특징은 입욕제를 하나의 완성된 제품으로 판매하지 않는다는 점이다. 고객은 자신의 취향은 물론 그날의 몸 상태와 기분에 맞춰 입욕제를 직접 조합하며, 자신에게 가장 잘 맞는 목욕 시간을 완성해 간다. 브랜드는 이를 단순한 제품 구매가 아닌 '오늘의 나에게 가장 잘 맞는 목욕을 설계하는 과정'으로 정의한다.

새롭게 선보인 입욕제 'YUYAKU'는 여러 제품 중 하나를 선택하는 방식이 아니라, 물의 성질과 향, 색을 자유롭게 조합하는 시스템으로 구성됐다. 먼저 피부를 부드럽게 감싸는 염화물계, 목욕 후 산뜻한 느낌을 주는 황산염계, 매끄러운 촉감이 특징인 탄산수소염계 등 원하는 온천수 타입을 선택한 뒤, 물의 투명도와 점성까지 세밀하게 조절한다. 여기에 10여 가지 이상의 향과 색을 더하면 조합은 100가지 이상으로 확장된다. 같은 사람이라도 계절이나 컨디션, 기분에 따라 필요한 목욕은 달라질 수 있다는 점에 착안해, 매일 다른 목욕을 선택하는 과정 자체를 하나의 서비스로 설계한 것이다.

이러한 철학은 매장 공간에서도 이어진다. 토지 Laboratory에서는 입욕제를 눈으로만 고르는 것이 아니라 몸으로 직접 체험하며 선택한다. 패키지나 제품 설명만으로 판단하는 일반적인 리테일과 달리, 매장에는 손을 물에 담가 촉감과 향을 확인할 수 있는 '테유(手湯)' 공간이 마련돼 있다. 고객은 자신이 조합한 입욕제를 실제 물에 풀어본 뒤 물의 질감과 향을 직접 확인하고 최종 선택을 할 수 있다. 또한 온천 소믈리에가 고객의 취향과 컨디션을 상담하고 적합한 조합을 추천하는 프로그램도 운영한다. 단순히 제품을 판매하는 데 그치지 않고 현재의 몸 상태를 함께 살펴보며 그날 가장 적합한 입욕 방식을 제안하는 것이 이 공간의 핵심이다. 즉, 토지 Laboratory는 상품을 진열하는 매장이 아니라 상담과 체험, 개인 맞춤 서비스를 하나로 연결한 리테일 공간을 구현하며, 입욕제를 고르는 순간부터 사용하는 과정까지 모두 하나의 서비스로 디자인했다.

브랜드는 '목욕'이라는 일상의 행위를 계절과 감각을 즐기는 하나의 라이프스타일로 확장하기 위해 다양한 콘텐츠를 공간 안에 함께 담아냈다. 매장에서는 계절탕에 사용하는 제철 식물과 과일도 판매한다. 겨울철 유자를 띄워 즐기는 유자탕처럼 일본에는 계절의 식물과 과실을 목욕에 활용하며 계절의 변화를 느끼는 문화가 오래전부터 이어져 왔다. 토지 Laboratory는 이러한 전통을 현대적인 방식으로 재해석해, 제철 식재료를 욕조에 띄워 향을 즐기거나 식탁에서 맛보는 등 계절을 즐기는 새로운 방식을 제안한다. 이와 함께 향과 색을 직접 조합해 자신만의 입욕 아이템을 만드는 워크숍을 운영하고, 매장에서만 만날 수 있는 오리지널 테누구이(일본식 수건)와 일러스트레이터 구로다 기요시(黒田潔)의 굿즈도 선보인다. 단순히 제품을 판매하는 것이 아니라 향을 고르고 만들고 사용하는 전 과정을 하나의 즐거움으로 설계해 목욕이라는 행위를 보다 풍부한 문화적 경험으로 확장한 것이 특징이다.

최근 웰니스 시장에서는 제품의 성능이나 기능보다 사용자가 무엇을 느끼고 어떻게 머무는가가 브랜드 경쟁력을 결정하는 중요한 요소로 떠오르고 있다.

토지 Laboratory 역시 입욕제와 계절 식재료, 워크숍, 굿즈를 하나의 브랜드로 유기적으로 연결하며, 목욕을 단순한 위생 행위가 아닌 감각과 계절, 문화를 함께 즐기는 시간으로 제안한다. 이곳에서 소비자가 구매하는 것은 제품 한 가지가 아니다. 자신의 몸 상태와 감정, 그리고 그날의 기분에 맞춰 완성하는 하나의 입욕 방식이다. 제품을 사용하는 순간이 아니라, 선택하고 체험하며 자신에게 맞는 방식을 찾아가는 전 과정을 브랜드의 핵심 가치로 삼은 것이다. 전통적인 '토지(湯治)' 문화를 현대적인 서비스 디자인으로 재해석한 이번 프로젝트는, 일본 웰니스 산업이 제품을 판매하는 것에서 라이프스타일을 제안하는 방향으로 변화하고 있음을 보여준다.

이번 프로젝트에서 주목할 점은 입욕제를 개인 맞춤형으로 만들었다는 사실 자체가 아니다. '목욕'이라는 일상의 행위를 하나의 디자인 경험으로 재구성했다는 데 더 큰 의미가 있다. 기존 웰니스 브랜드가 제품의 기능과 효능을 중심으로 차별화를 시도했다면, 토지 Laboratory는 상담하고, 체험하고, 조합하는 전 과정을 하나의 서비스로 설계했다. 소비자가 구매하는 것은 입욕제 한 봉지가 아니라 '오늘 나에게 가장 잘 맞는 목욕 경험'인 셈이다.

최근 일본의 리테일 디자인은 물건을 판매하는 공간에서 벗어나 브랜드가 추구하는 가치와 경험을 전달하는 공간으로 변화하고 있다. 토지 Laboratory 역시 이러한 흐름을 보여주는 사례다. 오랜 전통문화인 '토지'를 현대적인 개인 맞춤 서비스와 결합해 새로운 브랜드 경험으로 재해석했다는 점도 눈여겨볼 만하다. 특히 이 프로젝트는 과거의 문화적 자산을 현대적인 서비스와 리테일 디자인으로 연결함으로써, 전통을 단순히 보존의 대상이 아니라 오늘날의 소비자와 지속적으로 관계를 맺는 브랜드 자산으로 확장했다. 이는 오래된 문화를 현재의 라이프스타일 속에서 어떻게 이어갈 것인가에 대한 하나의 디자인적 해법을 제시한다.

고가철도 아래, 도시가 다시 초록을 되찾는 법

Sun, 09 Aug 2026 07:17:22 GMT

일본의 도시를 걷다 보면 철길 아래가 애매한 자투리 공간으로 남아 있는 모습을 종종 만난다. 그렇다면 이런 곳에도 정원을 만들 수 있을까. 건축가 다케다 기요아키의 대답은 '그렇다'이다. 그는 오히려 도시가 미처 쓰임을 부여하지 못한 이런 공간이야말로 새로운 정원이 들어서기에 적합할 수 있다고 본다. 지난 20여 년간 도쿄에서는 건널목 사고와 교통 혼잡을 줄이기 위해 철도를 고가화하는 사업이 이어졌고, 그 아래에는 활용되지 못한 긴 띠 모양의 공간들이 새로 생겨났다.

2024년 그는 도쿄 네리마구의 한 고가철도 하부 공간을 도시 속 오아시스로 바꾼 프로젝트 'Play! 코카시타[고가아래]를 완성했다. 고가가 주변 주택보다 훨씬 높이 솟아 있어 그 아래가 의외로 빛이 잘 들고 통풍도 좋다는 것, 그리고 길게 이어진 고가의 형태가 도시의 빗물을 모아 흘려보내는 그릇 역할을 한다는 것이 그의 착안이었다.

인공물이 생명을 넘어선 시대의 건축

다케다는 런던 이스트런던대학교에서 건축을 공부한 뒤 2008년 구마 겐고 건축사무소에 합류해 10년 넘게 일했고, 2019년 도쿄에 자신의 사무소를 열었다. 콘크리트와 유리, 강철 같은 인공적인 재료 사이에 식물과 흙, 물을 끌어들이는 작업은 오랜 시간 그의 건축을 관통해 온 주제가 됐다.

그의 생각을 보다 선명하게 만든 계기는 한 과학 논문이었다. 인간이 만들어낸 콘크리트, 아스팔트, 건물과 같은 인공물의 총질량이 지구상 모든 생물의 양(biomass)을 넘어섰다는 연구 결과였다. 다케다는 이 숫자를 단순한 환경 문제가 아니라 건축에 던져진 질문으로 받아들였다. 이미 인공물이 자연보다 더 많은 시대라면, 건축은 자연을 밀어내는 대신 그 안에 다시 생명이 들어올 자리를 만들 수 있지 않을까.

그 질문에 대한 하나의 답이 2021년 도쿄에 완성한 쓰루오카 하우스다. 집 곳곳에 깊은 흙을 담을 수 있는 정원을 만들고, 식물뿐 아니라 새와 곤충 같은 생물이 함께 머물 수 있도록 설계했다. 굵기가 서로 다른 콘크리트 원통들이 맞물려 흙과 식물을 떠받치는 독특한 구조 역시 건축과 정원을 하나의 시스템으로 묶기 위한 장치다.

더 흥미로운 변화는 건물이 완성된 뒤 시작됐다. 다케다가 심지 않은 식물들이 곳곳에서 자라나기 시작한 것이다. 그는 그 배경에 새들이 있었다고 말한다. 새들이 씨앗을 옮기고 배설물을 통해 흙에 영양분을 더하면서, 건축가가 계획하지 않은 작은 생태계가 스스로 만들어졌다.

건축가는 생명이 들어올 수 있는 조건을 만들고 한발 물러선다. 그다음부터는 식물과 새, 비와 바람, 그리고 시간이 건축을 조금씩 바꿔나간다. 다케다에게 건축은 자연을 담아놓는 그릇이라기보다, 자연이 스스로 개입하고 자라날 수 있도록 열어둔 하나의 ‘살아 있는 골조’에 가깝다.

골목 화분에서 배운 호텔

다케다의 최근작은 2025년 9월 문을 연 SOIL 니혼바시다. 에도 시대부터 상업지로 번성했던 도쿄 니혼바시의 뒷골목에 들어선 9층, 14실 규모의 작은 호텔이다. 좁고 긴 건물의 외벽은 녹슨 듯한 붉은빛 골강판으로 둘러싸여 있고, 층층이 굴곡진 표면 사이로 식물이 자란다. 멀리서 보면 골목에 줄지어 놓인 화분을 수직으로 쌓아 올린 듯한 모습이다.

디자인의 출발점은 이 동네의 오랜 문화였다. 니혼바시는 집과 가게가 촘촘하게 붙어 있어 마당을 갖기 어려운 동네다. 대신 주민들은 보도와 처마 밑, 창턱 같은 작은 틈에 화분을 내놓고 식물을 길러왔다. 잘 자란 식물은 포기를 나누어 이웃에게 건네기도 했다. 일본에서 ‘가부와케(株分け)’라 부르는 방식이다. 그렇게 하나의 식물이 집에서 집으로 옮겨가며 골목의 풍경을 만들어왔다.

다케다는 설계에 앞서 동네를 오래 걸어 다니며 주민들을 만나고 집 앞의 화분과 식물을 조사했다. 호텔 외벽을 채운 난초와 염자, 아레카야자 가운데 상당수도 새로 구입한 조경수가 아니다. 주민들이 나눠준 식물에서 다시 포기를 나눈 것으로, 수십 년 동안 이 동네에서 자라온 식물의 후손들이다. 골목에서 수평으로 이어지던 화분의 풍경을 호텔의 외벽을 따라 수직으로 확장한 셈이다.

여기에는 호텔이라는 건물에 대한 다케다의 고민도 담겨 있다. 여행자를 위한 호텔은 정작 그 동네에 사는 주민에게는 들어갈 이유가 거의 없는 장소다. 새로운 호텔이 들어서는 순간 오랫동안 그곳에 살아온 사람들과 단절된 섬이 되기 쉽다. 다케다는 그 사이를 식물로 연결하려 했다. 주민의 집 앞에서 자라던 식물이 호텔로 옮겨가고, 그 식물이 다시 골목의 풍경과 이어지면서 낯선 건물에 동네의 시간과 기억이 스며든다.

SOIL 니혼바시에서 식물은 건물을 꾸미는 조경 요소에 머물지 않는다. 누군가 키우고, 나누고, 다시 자라게 하는 과정 자체가 건축의 일부가 된다. 쓰루오카 하우스에서 새와 씨앗이 건축가의 계획 너머로 건물을 변화시켰다면, 이곳에서는 주민들이 오랫동안 이어온 작은 생활의 습관이 건축을 완성해간다.

매혹의 이면, 남겨진 질문들

다케다의 건축은 생물다양성 위기 시대에 '자연 위에 얹힌 건물'이 아니라 '자연과 함께 자라는 건물'이라는 매력적인 대안을 제시한다. 다만 그 매력이 곧 보편적 해법이라는 뜻은 아니며, 그 자신도 이를 낭만화하지 않는다.

가장 현실적인 문제는 하중과 리스크다. 그는 쓰루오카 하우스를 두고 정원 환경을 '예측 불가능'하다고 표현하며, 그 도전을 받아들이는 일이 그만큼 더 '무서웠다'고 말한다. 폭우에 대응하는 배수 파이프를 설치하고, 고밀도·저밀도 퇴비를 신중히 배분하며, 옥상과 건물 가장자리의 흙을 줄여 하중을 낮추는 등 예상치 못한 위험에 대비해야 했다고 한다. 흙과 물, 해마다 늘어나는 식물의 무게를 계산에 넣어야 하는 건축은, 뒤집어 말하면 유지·관리와 안전 관리의 부담을 상시적으로 지는 건축이기도 하다.

또 하나는 얇은 옥상 녹화와의 근본적 차이다. 그는 뿌리 얕은 식물만 견디는 얇은 흙을 추구하는 현대의 옥상 녹화 관행과 정반대로, 작은 숲이 될 만큼 흙을 최대한 두껍게 깔았다고 밝힌다. 무성한 생태계를 얻는 대신 구조·비용·관리의 난도가 함께 올라간다는 트레이드오프가 뚜렷하다.

여기서 자연스럽게 이어지는 물음이 확장성과 진정성이다. 개별 주택이나 소규모 부티크 호텔에서 성립한 실험이, 대규모·저예산 도시 개발에서도 성립할지는 아직 열린 질문이다. '녹색 외피'가 실제 생물다양성 회복으로 이어지는지, 아니면 시각적 위안에 그치는 '그린워싱'에 가까운지 역시 프로젝트마다 따져볼 대목이다. 다케다의 작업이 설득력을 갖는 이유는, 적어도 그가 식물을 장식이 아니라 공간을 넓히고 공동체를 잇는 인프라적 요소로 다룬다는 점, 그리고 지역의 실제 관습(가부와케)에 뿌리를 둔다는 점 때문이다.

다케다의 건축은 완결된 정답이라기보다, 도시가 콘크리트와 자연의 관계를 다시 설정해 보게 하는 질문에 가깝다. 고가 아래 버려진 땅, 마당 없는 골목, 지역과 단절된 호텔처럼 '이미 존재하는 환경'을 적이 아니라 재료로 삼는 발상은 분명 값지다. 관건은 이 접근이 한 건축가의 서명이 담긴 작품을 넘어, 관리 비용과 안전, 형평성까지 감당하는 도시의 일상적 방식으로 자리 잡을 수 있느냐다. 그 답은 앞으로 이 초록의 골조들이 시간과 함께 어떻게 자라는지가 말해 줄 것이다.

https://note.com/playkoukashita

https://soilis.co/nihonbashi/

공공 가구, 다양한 공간 창조 + 조경까지 한번에! 디자인으로 '진화'

Tue, 04 Aug 2026 23:49:17 GMT

공공 공간의 벤치는 오랫동안 같은 모양을 유지해왔다. 두 발을 땅에 디디고, 등을 기대고 나란히 앉는다. 공원의 철제 벤치든, 광장의 석재 좌석이든, 오피스 캠퍼스의 목재 의자이든, 대부분의 공공 벤치는 앉는 방식을 규정한다. 플레인스 & 팟스(Plains & Pods)는 이 전제를 없애고, 새로운 동작을 가정하는 데서 출발한다. 북미 최대의 공공 가구 제조사 랜드스케이프 폼스(Landscape Forms)와 런던의 산업디자인 스튜디오 인더스트리얼 시설(Industrial Facility)이 협력해 개발한 모듈식 야외 가구 시스템은, 사용자가 공공간에서 어떻게 앉고, 사용하고, 편안함을 찾을지 스스로 결정할 수 있도록 설계되어 사용자에게 관행적으로 ‘당연하다’ 생각되는 것을 없애는 디자인을 목표로 한다.

©Landscape Forms

랜드스케이프 폼스는 1969년 설립 이래 북미를 대표하는 고디자인 사이트 퍼니처, 구조물, LED 조명, 액세서리 제조사로 이름을 알렸다. 미시간주 칼라마주에 본사를 두고 있으며, Loll Designs(미네소타 덜루스), Summit Furniture(캘리포니아 몬터레이), Kornegay Design(애리조나 피닉스)을 산하에 두고 있다. 북미, 남미, 영국, 모나코, 호주, UAE, 아시아에 지점을 두고 있으며, 미국 공공 장소에 존재하는 가구 시장을 리드한다해도 과언이 아니다.

©Landscape Forms

직선의 건축적 언어를 가진 플레인스와, 유기적인 곡선으로 이루어진 팟스는 일반적인 공공 벤치와 가구들을 목적에 맞으면서도 아름다운 가구로 재탄생시켰다. 서로 다른 형태를 가진 두 라인은 함께 설치되었을 때 시각적 긴장감과 풍부함을 만들어내고, 각각 독립적으로도 편안하게 사용할 수 있도록 고안되었다. 딱딱하고 일률적인 공공 공간의 가구를 넘어, 플레인스는 높이와 너비를 달리한 대형 빔(beam)과 플랫폼으로 구성된 건축적 모듈 시스템이다. 4가지 너비와 낮은 높이·높은 높이로 나뉘어 다양한 조합의 벤치 및 앉을 수 있는 공간과 배치 구성이 가능하며, 목재 또는 파우더코팅 금속 소재, 혹은 두 소재의 조합으로 제작되어 어느 공간에든 어울릴 수 있으며 동시에 개성을 추구할 수 있다. 또한, 선택적으로 금속 등받이와 부착형 사이드 테이블을 추가할 수 있어 필요에 따라 맞춤형 솔루션이 가능하다.

©Landscape Forms

랜드스케이프 폼스사의 디자인 디렉터 라이언 헤이젤(Ryan Heiser)은 "플레인스는 직관적으로, 혹은 무의식적으로 벤치처럼 보이지만, 더욱 다양한 활동이 가능하다. 눕기, 걸터앉기, 다리 꼬고 앉기, '나만의 공간'과 '우리의 공간' 사이의 경계를 허문다. 플레인스를 전통적인 벤치와 다르게 사용하는 것이 훨씬 자연스럽게 느껴지는 이유는, 기존 앉아있는 것을 전제로 디자인되어 있지 않기 때문이다."라고 밝혔다.

빔과 플랫폼을 나란히 놓거나 겹치고, 교차하고, 계단식으로 쌓는 배치가 모두 가능하다. 238.7cm 길이의 모듈이 다양한 방식 조립될 수 있도록 디자인되어, 필요한 현장마다 고유한 설치가 가능하다. 소재는 자연스럽게 풍화되는 자라(jarrah) 목재라 시간이 지날수록 더욱 아름다워지는 가구의 특성을 갖추었다.

©Landscape Forms

팟스는 친근하고 부드러운 곡선형 좌석과 식물을 심을 수 있는 라인으로, 여러 층위로 겹쳐 군집을 이루도록 설계됐다. 넓고 개방적인 공공 구역부터 프라이버시가 확보된 공간, 개인 좌석, 공간 주변부의 짧은 휴식 포인트까지, 마치 작은 섬들이 모여있는 것처럼 배치된 팟스는 공공 공간에 아름답고 다채로운 공간을 만들어낸다. 팟스는 목재 상판으로 마감되며, 파우더코팅 금속 바디에 목재 슬랫 상판을 조합한 구조로 다양한 높이와 너비로 출시된다. 조경 식물들과 결합하면 녹지와 좌석이 자연스럽게 어우러지는 풍경을 만들 수 있어, 일석이조다.

©Landscape Forms

플레인스 & 팟스가 제기하는 가장 중요한 메세지는 바로 공공 공간에서 '혼자'와 '함께'의 공존 관계이다. 이러한 고민을 담은 가구 디자인은, 개인이 사용할 수 있는 공간과 여러 사람이 모일수 있는 공간을 이분법이 아닌 일련의 관계로 보며, 그 사이에 다양한 유형의 상호작용을 위한 커스터마이징 가능성과 쉽게 공간에 맞춘 변경 가능성을 제공한다. 대화를 나누기에 충분히 가까우면서도 각자의 공간을 유지할 수 있는 거리, 집단 속에 있으면서도 개인적 휴식이 가능한 배치가 이 시스템의 설계 핵심이다. iF 디자인 어워드 2026에서 수상한 플레인스 & 팟스는 설계의 유연성, 사용자 자율성에 대한 존중, 형태와 소재의 완성도를 종합적으로 평가해 수상작으로 선정되었다.

공공 공간이 점점 더 다양한 사람들의 더 다양한 요구를 수용해야 하는 시대에, 플레인스 & 팟스는 공공 가구가 어떻게 그 무대를 설계할 수 있는지를 보여주는 실천적이고 선구적인 디자인을 보여주고 있다.

창립 17년차 로스터리가 직접 개발한 드립 커피 디바이스, ‘드웰 드립퍼’

Sat, 01 Aug 2026 20:04:34 GMT

스페셜티 커피 업계에서 로스터리가 브루잉 기기를 직접 설계하는 일은 흔치 않다. 원두를 볶고 공급하는 역할에 머무는 것이 대부분이다. 2007년 캘리포니아 산타크루즈에서 출발한 벨브 커피 로스터스(Verve Coffee Roasters)가 창립 17년 만에 처음으로 직접 개발한 브루잉 디바이스, ‘드웰 드립퍼’를 출시한 것은 단순한 신제품 발표 이상의 의미를 가진다. 벨브 로스터스 커피 현재 캘리포니아에 11개, 일본 도쿄에 7개의 매장을 운영하며, 2024년 로스터 잡지(Roast Magazine)가 선정한 올해의 로스터리로 뽑힐 정도로 커피 업계에서는 거물이다.

©Verve Coffee Roasters

이는 단순히 볶은 원두 공급자에서 커피 경험 전체를 설계하는 브랜드로의 전환 선언이기때문이다. 드웰 드립퍼(Dwell Dripper)는 2026 iF 디자인 어워드를 수상했으며, 레드닷 어워드, 스페셜티 커피 협회 베스트 신규 상품 어워드(SCA - Specialty Coffee Association Best New Product Award) 후보에도 이름을 올릴 정도로 주목을 받았다. 드웰 드립퍼 설계 철학은 일본의 일회용 드립 커피백에서 시작됐다. 필터 자체가 커피를 뽑아내는 디바이스 역할을 하는 단순한 구조, 즉 "필터가 곧 브루어가 될 수 있다"는 개념이 이 제품의 핵심이다. 벨브의 공동 창립자 콜비 발(Colby Barr)은 해당 아이디어에서 아래가 뚤린 구조와 가파른 측벽 설계를 떠올렸다.

©Verve Coffee Roasters

기존 일회용 드립 커피백의 고질적인 문제는 필터가 드리퍼 벽에 달라붙어 물의 흐름을 제한한다는 점이다. 이로 인해 추출이 불균일해지고 커피 맛의 편차가 생긴다. 드웰 드립퍼는 필터를 브루어 내부 공간에 띄운 상태로 유지하는 서스펜디드(suspended) 구조로 이 문제를 해결했다. 높은 측벽과 완전히 열린 바닥이 물의 자유로운 흐름을 가능하게 하며, 커피의 향을 최대한으로 끌어낸다. 추출 시간은 3분 이내로 짧다. 레드닷 심사위원단은 이 드리퍼에 대해 "체적, 벽면 각도, 드립 개구부 등 형태의 모든 요소가 최적의 추출을 위해 설계됐다"고 평가했다. 단순해 보이는 형태가 실제로는 기능적 계산을 마친뒤 디자인되었다는 뜻이다.

©Verve Coffee Roasters

제품 디자인은 캘리포니아 산마테오에 위치한 산업디자인 스튜디오 불드 디자인(Bould Design)이 담당했다. 프레드 불드(Fred Bould)는 카네기멜론 디자인 스쿨에서 학부를 마치고 런던 디자인 컨설팅 회사에서 실무를 쌓은 뒤 스탠퍼드 엔지니어링 스쿨에서 제품 디자인 석사를 취득했다. 그가 지향하는 디자인의 방향은 기술과 일상의 교차점에서, 복잡함을 친숙하고 유용한 것으로 변화하는 것이 목표다.

드웰 드립퍼의 소재는 식품용 BPA-free 실리콘이다. 내열성이 우수해 균일한 열 유지와 추출을 돕고, 유리나 도자기와 달리 깨질 염려가 없어 여행과 캠핑에도 부담 없이 들고 다닐 수 있다. 7가지 색상으로 출시됐으며, 각 색상에 매칭되는 전용 계량 스푼이 세트로 포함되어 디자인이나 기능 면에서 군더더기가 없다.

©Verve Coffee Roasters

또한 벨브 로스터스는 자체 브루잉 방법론인 '3×3 방식'을 개발했다. 필터를 물에 적신 뒤, 커피 3스쿱을 담고, 지정된 라인까지 물을 채워 완전히 빠지도록 기다리는 과정을 3회 반복하는 방식이다. 입문자도 별도의 저울이나 타이머 없이 일관된 결과를 얻을 수 있도록 설계됐다. 특히 맛있는 커피는 먹고 싶지만, 다양한 관련 기구를 보유하고 있지 않은 일반인들이 쉽게 사용할 수 있도록 디자인 되었다. 여기에 나아가 분쇄도와 물 흐름을 조절하면 숙련된 바리스타들도 자신만의 추출 변수를 탐구할 수 있는 여지를 열어두어, 초보자용이자 동시에 전문가들도 사용 할 수 있는 커피 디바이스이다. 아래가 뻥 뚤린 구조 특성상 커피 가루 분쇄를 아주 곱게 사용해도 되기 때문에, 커피 원두의 섬세한 향을 끌어내기에도 유리하다.

©Verve Coffee Roasters

나아가 드웰 드립퍼의 패키징은 젠팩(Zenpack)이 설계했으며, 포장만으로도 시선을 사로잡는다. 플라스틱을 일절 사용하지 않은 완전한 단일 소재 구조이면서, 동시에 매장 진열, 제품 보호, 운송 효율, 언박싱 경험 모두 해결했기 때문이다. 해당 드웰 드립퍼의 포장은 쇼핑백에서 영감을 받은 삼각형 구조로 접히며, 상단에는 손잡이가, 하단에는 커피 스쿱을 고정하는 전용 칸막이가 내장되었다. 포장재 다이라인 하나가 납작하게 접혀 운송되고, 제조 공정에서 T자형 패턴으로 퍼즐처럼 맞물려 원자재 낭비를 최소화하는 것 또한 눈길을 끈다. 약 60%의 재활용 소재가 포함된 이 포장재 전체는 따로 분리할 필요 없이 한 번에 재활용할 수 있는 일체형으로 소비자들이 구매후 처리할때도 간편, 지속 가능하다.

TAKEO PAPER SHOW, 하라 켄야가 다시 종이를 이야기 하는 이유

Thu, 30 Jul 2026 08:26:27 GMT

All Images ⓒ TAKEO Co., Ltd.

디지털 시대, 하라 켄야가 다시 종이를 이야기하는 이유

디자이너에게 종이는 가장 익숙한 소재다. 스케치를 시작하는 백지이자 인쇄물을 완성하는 바탕이고, 브랜드의 첫인상을 결정하는 패키지이며, 손끝으로 가장 먼저 감각하는 물성이다.하지만 디지털 제작 환경이 일상이 된 지금, 너무 익숙해진 나머지 오히려 그 존재를 의식하지 않게 된 재료이기도 하다.

일본을 대표하는 디자이너 하라 켄야는 바로 이 지점에 주목했다.

무인양품(MUJI)의 아트디렉터이자 『디자인의 디자인』, 『백(白)』 등을 통해 디자인의 본질을 꾸준히 탐구해온 그는, 올해 50회를 맞은 TAKEO PAPER SHOW의 주제로 의외의 키워드를 선택했다. 바로 '축(祝)'과 '예(礼)'다. 전시 제목에 등장하는 '축(祝)'은 경사와 기쁨을 함께 나누는 행위를, '예(礼)'는 상대를 존중하는 태도와 의례를 의미한다. 하라 켄야는 이 두 개념을 통해 종이가 단순히 정보를 담는 재료가 아니라, 사람의 마음을 전하고 관계를 이어주는 문화적 매개체였음을 이야기한다. 얼핏 소재와는 거리가 있어 보이는 두 단어지만, 조금만 생각해 보면 우리는 오래전부터 중요한 순간마다 종이를 사용해왔다. 결혼식 청첩장과 축의봉투, 선물을 감싸는 포장지, 편지와 카드, 제례와 의례에 사용되는 종이 장식까지. 기쁨을 표현하고 존중의 마음을 전하는 순간마다 종이는 늘 곁에 있었다. 결국 종이는 정보를 담는 매체를 넘어 감정과 예의를 형태로 드러내는 디자인 도구였던 셈이다.

TAKEO PAPER SHOW는 일본의 종이 전문기업 다케오가 1965년부터 이어온 디자인 전시다.

그래픽디자이너와 패키지디자이너, 아트디렉터에게는 새로운 종이를 소개하는 행사이면서 동시에 시대마다 종이를 바라보는 관점을 제안해온 플랫폼이기도 하다. 초기의 페이퍼쇼는 파인페이퍼의 질감과 색, 인쇄 적성을 소개하는 데 집중했다. 이후에는 패키지, 타이포그래피, 가공, 환경, 기술 등 종이를 둘러싼 다양한 주제를 다루며 단순한 소재 전시를 넘어 디자인 담론을 생산하는 장으로 성장했다. 50회라는 상징적인 이정표에서 하라 켄야가 던진 질문은 의외로 단순했다. '우리는 왜 중요한 순간마다 종이를 선택하는가.' 그는 축을 인간의 기쁨이 밖으로 드러나는 순간으로, 예를 그 감정을 상대에게 아름답게 전달하는 태도로 해석한다. 축이 감정이라면 예는 형식이다. 그리고 종이는 그 감정과 형식을 연결해 온 가장 오래된 디자인 매체였다. 이번 전시는 새로운 종이를 발표하기 위한 자리가 아니다. 종이라는 물질이 오랫동안 인간의 문화와 감정 속에서 어떤 역할을 해왔는지를 다시 읽어보는 과정에 가깝다.

종이를 다시 배우는 경험

전시는 네 개의 섹션으로 구성된다.

첫 번째 섹션인 '크리에이션(CREATION)'에는 그래픽디자이너와 아티스트, 장인, 서예가, 엔지니어, 작가 등 18개 팀이 참여한다. 흥미로운 점은 참여자의 직업보다 서로 다른 사고방식이다. 같은 '축과 예'라는 주제를 공유하지만 누군가는 종이를 접는 행위에 집중하고, 누군가는 표면의 질감과 구조를 통해 감정을 시각화한다. 하나의 소재가 얼마나 다양한 해석을 품을 수 있는지를 보여주는 장면이다.

두 번째 '인카운터(ENCOUNTER)'에서는 종이를 처음 만나는 것처럼 바라보게 만든다. 길이 7m에 이르는 수제 종이, 섬유의 결이 살아 있는 종이, 존재감이 희미할 정도로 얇은 종이, 정밀한 기술로 생산된 파인페이퍼까지 서로 다른 물성을 한 공간에 모았다. 이름이나 용도를 설명하기보다 먼저 만지고 바라보며 차이를 느끼게 하는 구성이다.

세 번째 '인핸스먼트(ENHANCEMENTS)'는 가공 기술에 초점을 맞춘다. 커팅과 형압, 특수 인쇄 같은 기술은 단순히 종이를 장식하는 과정이 아니다. 평면이 입체로 변하고, 종이가 직물이나 금속처럼 느껴질 만큼 전혀 다른 인상을 만들어낸다. 종이는 인쇄를 위한 바탕이 아니라 가공을 통해 끊임없이 새로운 물성으로 진화하는 디자인 재료라는 사실을 보여준다.

마지막 '더 크리에이터(THE CREATOR)'에서는 작품이 완성되기까지의 과정을 기록한 다큐멘터리를 공개한다. 어떤 종이를 선택했고, 어떤 가공을 시도했으며, 실패를 어떻게 수정했는지까지 담아낸다. 결과물보다 과정에 더 큰 가치를 두는 최근 디자인 전시의 흐름을 반영한 구성이다.

종이는 여전히 디자인의 출발점이다

이번 전시는 종이를 과거의 재료로 바라보지 않는다. 재활용 펄프와 버진 펄프를 통해 자원의 순환 구조를 소개하는 한편, 최신 파인페이퍼와 다양한 인쇄·가공 기술을 함께 선보이며 오늘날에도 소재가 끊임없이 진화하고 있음을 보여준다. 더 나아가 일부 전시 작품은 실제 제품으로 제작·판매되어 아이디어가 전시를 넘어 일상으로 이어지는 가능성까지 제시한다.

AI와 디지털 기술이 디자인 환경을 빠르게 변화시키는 시대일수록 물성이 지닌 가치는 오히려 더욱 선명해진다. 질감과 무게, 접히는 감각, 빛을 머금는 표면은 화면만으로는 완전히 대체할 수 없는 경험이기 때문이다. 하라 켄야는 이번 전시를 통해 재료의 기능보다 그 존재의 의미를 다시 묻는다. 사람의 감정을 담고 관계를 이어주며 문화를 축적해 온 종이를 통해 디자인의 출발점을 되돌아보자는 제안이다. 50회를 맞은 TAKEO PAPER SHOW는 새로운 종이를 소개하는 전시가 아니다. 오히려 너무 익숙해 잊고 있던 재료의 가치를 다시 발견하게 하는 자리다. 그리고 그 질문은 오늘날의 디자이너에게도 그대로 이어진다. 우리는 종이를 단순한 인쇄 재료로 바라보고 있는가, 아니면 사람의 경험과 감정을 설계하는 하나의 디자인 요소로 이해하고 있는가.

다케오(TAKEO)
다케오(TAKEO)는 1899년 창립한 일본의 종이 전문기업으로, 일본 디자인 산업과 함께 성장해 온 대표적인 파인페이퍼 브랜드다. 창립 초기에는 서양 종이의 수입·유통을 중심으로 사업을 전개했으며, 1950년대부터는 질감과 색감을 중시한 파인페이퍼(Fine Paper)의 연구·개발에 본격적으로 나섰다. 이후 국내외 제지회사와 협력해 새로운 제지 기술을 도입하는 한편, 시대를 대표하는 디자이너들과 함께 창의적인 표현을 위한 소재로서 종이의 가능성을 꾸준히 확장해 왔다. 또한 쇼룸 '견본첩 본점(見本帖本店)'과 온라인 플랫폼 '다케오 견본첩 온라인', 다케오 아카이브(TAKEO Archives) 등을 운영하며 종이 문화의 저변을 넓히고 새로운 시장을 만들어가는 활동도 지속하고 있다.

관련 사이트
https://www.takeopapershow.com/

준비의 모양

Thu, 30 Jul 2026 06:01:11 GMT

2026년 7월 28일 오후 4시 27분, 구마모토현 구마모토 지방을 진원으로 하는 규모 7.1의 지진이 발생해, 우키시와 히카와정에서 최대진도 7을 관측했다. 이 지역은 2016년 구마모토 지진의 활동역과 겹치는 히나구 단층대의 움직임으로 보이며, 공교롭게도 그 대지진으로부터 꼭 10년이 되는 해에 다시 땅이 크게 흔들렸다. 이 글을 쓰는 지금도 여진은 이어지고 있다.

이런 날에 '방재용품'을 이야기하는 것은 어쩐지 조심스럽다. 그럼에도 흔들림이 지나간, 혹은 지나가고 있는 시점에 되짚게 되는 것들이 있다. 우리가 오래 품어온 오해 하나 - 재난 대비는 ‘창고의 문제’라는 것. 비상식량과 손전등, 생수를 상자에 담아 눈에 띄지 않는 곳에 밀어 넣고, 그것을 꺼낼 날이 오지 않기를 바라는 일.

지진이 잦은 일본은 지난 15년간(2011년 동일본 대지진 이후) 방재를 창고에서 삶 속으로 옮겨왔다. 현관으로, 책상 위로, 가방 속으로, 그리고 마침내 재난 이후의 집 그 자체로. 방재는 단순 비상용품이 아니라, 일상의 설계에 녹아들어왔다.

1. 페이즈 프리(Phase Free) — 평상시와 비상시의 경계를 지운다

일본 방재 디자인의 철학적 뼈대는 '페이즈 프리'라는 개념이다. 2014년경 페이즈프리협회의 사토 다다유키 대표이사가 제안한 이 개념은, 관 주도로 특수한 비상물자를 비축하는 데 초점을 맞춘 기존 방식의 한계를 인식하며, 방재를 일상과 매끄럽게 통합하려는 시도에서 출발했다. 핵심은 단순하다. 재난이 닥친 '그날'을 위해 따로 사두는 대신, 매일 쓰는 물건이 그날에도 제 역할을 하도록 설계하는 것이다. 이 사고방식은 2025년에 이르러 '완전한 생활화' 단계에 접어들었다. 이제 좋은 페이즈 프리 제품의 목표는 '방재용품처럼 보이지 않는 것'이다.

대표적인 것이 스툴백(의자형 방재 가방)이다. 평소에는 가방을 스툴(의자)로 쓸 수 있어, 인테리어를 해치지 않는 디자인 덕에 거실이나 현관에 두어도 위화감이 없고, 유사시엔 곧바로 들고 나갈 수 있다. 급수 백이나 LED 라이트 등 방재용품 10점이 세트로 담겨 있다. 방재 가방을 '숨겨야 할 짐'에서 '거실 가구'로 승격시킨 발상이다. 평소에 앉는 의자가, 흔들리는 순간 곧장 생존 도구가 된다.

배려의 섬세함이 돋보이는 물건도 있다. ‘토모리에이드(TOMORI AID)’는 손전등을 랜턴처럼 쓰게 해주는데, 그 출발점이 '배려'이다. 정전 시 손전등은 유용하지만 빛이 직접적이라 밤의 대피소에서 주변 사람에게 눈부심을 주기 쉽고, 비추는 곳이 한정되어 방 전체에 빛이 닿지 않는다. 홀로 쓰는 도구가 아니라 여럿이 부대껴야하는 대피소의 밤을 헤아린 설계다.

또 하나, '앗토!(あっと！)’라는 라이트겸 주두주걱이 있다. 일본어로 무언가 문득 떠올랐을 때 내는 감탄사 '앗!'에서 따온 이름이다. 평상시엔 구둣주걱이나 현관을 밝히는 라이트로, 비상시엔 손전등으로 쓰는 제품인데, '!' 마크를 모티프로 한 형태다. 현관을 드나들 때마다 평소 잊기 쉬운 재난 의식을 '앗!' 하고 떠올리게 하려는 의도가 담겨 있다. 물건의 형태 자체가 매일의 리마인더가 되는 것 — 페이즈 프리 사고의 정수다. 이런 흐름은 숫자로도 증명되고 있다. 일상과 비상을 구분하지 않는 이 새로운 방재의 관련 매출이 약 3.4배로 성장했다는 보도가 2025년 나왔다.

2. 반 시게루의 'DLT 목조 가설주택' — '임시'라는 단어를 다시 쓰다

물건에서 시작한 방재 디자인은 마침내 '재난 이후의 삶' 그 자체를 설계하기에 이르렀다. 2025년도 굿디자인상 대상(내각총리대신상)은 반 시게루 건축설계가 노토반도 지진 이재민을 위해 설계한 'DLT 목조 가설주택'에 돌아갔다.

이 작업의 아름다움은 '가설(임시)'이라는 단어의 통념을 깨뜨린 데 있다. 철거하지 않고 항구적으로 계속 사용할 수 있는 새로운 가설주택 모델을 실현했다는 점이 대상의 이유였다. 재난이 지나면 뜯겨 나가 폐기물이 되던 기존 가설주택과 달리, 그대로 영구 주택으로 이어지는 구조다.

재난용 가설주택은 늘’임시’와 함께 해왔다. 하지만 여기서 반 시게루는 가설주택의 임시성을 걷어내고 재난 이후의 사용에 대해서도 설계에 포함시켰다. 올해 총 5,225건의 심사 대상 중 1,619건이 수상한 굿디자인상에서, 그 정점에 재난 복구 건축이 놓였다는 사실은 꽤 상징적이다. 방재 디자인이 더는 부차적 장르가 아니라, 그해 디자인의 중심 의제가 되었음을 보여준다.

3. 보이지 않는 것을 설계하다 — 방재 DX

가장 최근의 진전은, 방재 디자인이 손에 잡히는 물건을 넘어 눈에 보이지 않는 시스템으로 확장되었다는 점이다. 2025년 굿디자인상에서는 히로시마현 등이 구축한 광역 방재정보 시스템이 수상하며 주목받았다.

이 시스템은 여러 현이 공동 운용할 수 있는 방재정보 체계를 구축해 지자체 간 협력을 원활히 했고, 방재 직원의 정보 수집과 의사결정을 신속하게 했으며, 방재에 밝지 않은 일반 사용자를 의식해 공개 사이트의 동선을 설계함으로써 주민의 대피 행동으로 이어지는 정보 발신을 가능케 했다. 심사위원은 이를 일본 최초의 공동 운용형 시스템이자 '방재 DX'의 새로운 형태로, 앞으로의 표준이 될 가능성을 지녔다고도 평가했다.

구마모토의 이번 지진처럼, 진도 7의 흔들림 뒤 결정적인 것은 정보의 속도다. 누가, 어떤 정보를, 얼마나 빨리, 얼마나 이해하기 쉽게 받는가 — 이 흐름 전체를 설계하는 것 역시 디자인의 몫임을 보여준 사례다.

4. 재난을 '경험'으로 — 훈련의 디자인

준비와 정보만큼 중요한 것이 '몸의 기억'이다. 2025년 굿디자인상을 받은 감재솔루션즈의 'Rescue Training Module™'은 이 지점을 겨냥한다. 실제 재해 현장을 재현한 구조 훈련 모듈로 디자인 관점의 평가를 받았다. 재난 대응력은 물건을 사두는 것만으로 완성되지 않는다. 반복해 몸에 새기는 훈련, 그리고 그 훈련을 다시 하고 싶게 만드는 설계까지가 방재 디자인의 범위로 들어왔다. '물건 → 정보 → 경험'으로 넓어지는 최근 흐름을 압축해 보여주고 있다.

5. 산업이 된 방재 — 현관 앞 스툴에서 국가 예산까지

이 모든 개별 작업 뒤에는 국가 예산과 산업이라는 거대한 배경이 있다. 일본은 방재 관련 연간 예산이 130억 달러를 넘고, 2026 회계연도 완전 가동을 목표로 방재청(防災庁)이라는 중앙 지휘 기관을 신설하고 있다. 여기에 5년 주기의 비상식량 교체 수요가 겹치며, 2026년도 방재식품 시장은 319억 엔 규모로 확대될 전망이다. 즉 일본의 방재는 현관 앞 작은 스툴백부터, 재해지의 영구 가설주택, 국가 단위 방재 DX, 수십억 달러 예산까지 하나의 연속된 스펙트럼으로 설계되어 있다. 방재는 개인의 일이자 국가의 일이며, 그 둘은 같은 곳을 향한다.

구마모토의 여진이 잦아들지 않은 지금, 일본의 방재 디자인이 우리에게 건네는 메시지는 오히려 또렷하다. 재난 대비의 가장 큰 적은 무관심이며, 무관심을 이기는 것은 규제나 공포가 아니라 '곁에 두고 싶은 디자인'이라는 것. 창고 깊숙이 넣어둔 비상 상자는 열어볼 일이 없지만, 거실에 놓인 스툴백과 현관의 '앗토!'는 매일 눈에 들어온다. 그리고 매일 눈에 들어오는 것만이, 정작 그날 손에 잡힌다.

반 시게루의 가설주택은 여기에 물음 하나를 더한다. 재난 이후의 삶을 '임시'로 다룰 것인가, 처음부터 오래 머물 집으로 지을 것인가. 2016년의 상처 위에 다시 흔들린 구마모토를 보며,이 물음은 부쩍 가까워진다. 흔들린 것은, 구마모토만이 아니였기 때문이다.

참고사이트

https://tomori-aid.com/

https://ethicame.com/shop/information/phasefree

Bijutsutecho

https://digitalpr.jp/r/120172

BosaijohoBosaijoho

https://gensai-solutions.com/news_cat/404

태국 북동부 지역을 대표하는 '이싼 크리에이티브 페스티벌(Isan Creative Festival) 2026'

Wed, 29 Jul 2026 15:32:03 GMT

이싼 크리에이티브 페스티벌 2026(ISANCF2026)은 태국 창조경제진흥청(Creative Economy Agency, CEA)이 주최하는 행사로 올해로 6회째를 맞이합니다. 이번 페스티벌은 “노스이스트-던: NORTHEAST MODERN, 준비됨(พร้อมสรรพ), 적응(ปรับตัว), 따뜻한 정(ม่วนมิตร)”이라는 주제 아래 개최됩니다. 이번 페스티벌은 오늘날 새로운 시대 속에서 태국 동북부 이싼 지역이 보여주는 자기 가치에 대한 자신감을 담아내고 있습니다.

1. 핵심 컨셉

자신의 뿌리와 잠재력을 정확히 인식하고 급변하는 세계 속에서도 창의적으로 자신을 표현해내는 지역의 태도를 의미합니다. 이싼 지역은 풍부한 문화적 자산과 강인한 사람들의 힘 그리고 실질적으로 확장 가능한 고유의 정체성을 갖추고 있으며, 이러한 자산이 새로운 기술 및 디자인과 결합할 때 지역의 경쟁력으로 이어집니다. 이싼 지역을 이루는 20개 주(州)는 경제, 교육, 국경 지역, 농업, 관광 등 다양한 분야에서 저마다의 강점을 지니고 있습니다.. 즉, 이싼은 단순히 넓은 지역이 아니라 창조 산업과 새로운 지역 경제 생태계로 발전할 수 있는 “기회의 땅”이라 할 수 있습니다.

이미지 설명 - 이싼 크리에이티브 페스티벌(Isan Creative Festival) 2026 공식 이미지 출처 : www.Isancreativefestival.com

이미지 - 이싼 크리에이티브 페스티벌(Isan Creative Festival) 2026 공식 이미지 출처 : www.Isancreativefestival.com

2. 핵심 축(Core Concepts)

- 준비됨(ABUNDANCE)

이싼 지역은 문화, 지역 자원, 음식, 음악, 예술 그리고 다채로운 자연환경 등 풍부한 자산을 보유하고 있습니다. 이러한 모든 요소는 창의적으로 확장될 수 있는 기회이자 이싼의 경험을 전 세계에 선보일 수 있는 준비된 역량을 상징합니다.

- 적응(ADAPTATION)

‘적응력’은 이싼 사람들의 삶의 방식에 깃든 핵심 가치로 전통적인 문화적 뿌리를 시대에 맞게 끊임없이 응용해온 결과입니다. 이는 단순한 생존을 넘어 비즈니스 기회로 이어지며지역의 경쟁력을 높이고 끊임없이 변화하는 세계 속에서 지역의 저력을 강화하는 원동력이 됩니다.

- 따뜻한 정(CONNECTIVITY)

‘즐거움’과 우정 그리고 따뜻함은 다양한 민족과 문화적 배경을 가진 사람들을 하나로 이어주는 힘입니다. 이는 만남과 교류, 창의성이 오가는 분위기를 만들어내며 다양한 비즈니스 협력의 기회를 낳아 지역이 현대적이면서도 안정적으로 성장할 수 있도록 이끌게 됩니다.

이미지 - 이싼 크리에이티브 페스티벌(Isan Creative Festival) 2026 공식 이미지 출처 : www.Isancreativefestival.com

3. 참여한 대표 브랜드

- SECONDDIARY

‘쎄컨드다이어리’ 브랜드는 새로운 시작과 삶을 다른 각도에서 기록한다는 개념을 담고 있습니다. 마치 각자의 추억과 감정, 정체성을 담아두는 공간과도 같습니다. 이러한 의미들이 모여 secconddiary는 하나의 일기장이자 라이프스타일이 되며, 브랜드는 소박하고 따뜻하며 이야기가 담긴 라이프스타일과 연결되어 있습니다. 우리는 일상 생활 속에 깊이 뿌리내린 “파카마(ผ้าขาวม้า, 태국 전통 다용도 체크무늬 천)”를 현대적인 시각으로 재해석했으며, 지역 수공예 기술을 바탕으로 다양한 형태와 색상 그리고 천의 질감을 살렸습니다. 파카마와 다른 소재, 모던한 실루엣을 조화롭게 결합했습니다. 모든 제품은 편안함과 활용성을 고려하여 디자인되었으며 동시에 고유의 정체성도 그대로 유지하고 있습니다. 이번 컬렉션은 “옷”이란 곧 자아를 표현하는 하나의 방식이며 그 안에서 문화적 유산과 개성이 함께 어우러질 수 있다는 우리의 믿음을 담고 있습니다. https://www.instagram.com/seconddiarybkk

이미지 - 이싼 크리에이티브 페스티벌(Isan Creative Festival) 2026 공식 이미지 출처 : www.Isancreativefestival.com

- RESINDROME

‘레씬드롬’은 창업자만의 독특한 미감에서 출발한 브랜드입니다. 남들과는 다른 아름다움, 때로는 모자라고 때로는 넘치는 그 감각은 쉽게 이해받기 어려운 것이었습니다. 트렌드를 따르지 않는 작업 방식 또한 폭넓은 대중의 취향과는 거리가 있었습니다. 하지만 지난 9년간 레씬드롬은 흔들림 없이 자신만의 색깔을 지켜왔습니다. 브랜드의 모든 작품은 예상치 못한 순간에서 비롯됩니다. 창업자는 새로운 기법을 시도하는 과정 자체를 즐기며, 하나의 작품이 완성될 때마다 꿈의 절반이 실현된다고 말합니다. 그리고 그 작품이 또 다른 예술 영역으로 확장되고, 사람들이 레씬드롬만의 캐릭터를 기억해줄 때 비로소 그 꿈은 온전히 현실이 됩니다. 레씬드롬의 매장은 단순히 액세서리와 레진 작품을 판매하는 공간이 아닙니다. 공간을 채우는 작은 디테일 하나하나까지도 브랜드의 작품으로 존재합니다. https://www.facebook.com/https://www.facebook.com/share/18GD8MtydM/

이미지 - 이싼 크리에이티브 페스티벌(Isan Creative Festival) 2026 공식 이미지 출처 : www.Isancreativefestival.com

- SUCHAI CRAFT

‘쑤차이 크래프트’는 태국 전통 문양이 새겨진 알루미늄 대야, ‘칸(ขัน)’에 담긴 오래된 고정관념을 새롭게 바꾸는 것에서 출발한 브랜드입니다. 전통 공예가 젊은 세대에게도 자연스럽게 스며들 수 있도록, 다채로운 색감을 더해 대야를 컵으로, 음식과 음료를 담는 그릇으로 재탄생시켰습니다. 여기서 한 걸음 더 나아가 태양 모양 거울, 대야 모양 키링 등 홈 데코와 라이프스타일 제품으로 그 영역을 넓혀왔습니다. 우리는 여기서 멈추지 않고 끊임없이 스스로에게 물었습니다. 대대로 물려받은 태국 전통 문양 알루미늄 프레스 공예라는 유산을, 브랜드 고유의 정체성과 색감, 수공예 감성 그리고 즐거움을 잃지 않으면서 또 어떤 새로운 형태로 확장할 수 있을지를요. 그 질문 끝에 탄생한 것이 바로 ‘SUCHAI THUNG(수차이 퉁, 꽃 퉁)’ 컬렉션입니다. 태국 동북부 이산 지역의 전통 장식물인 ‘퉁(ธุง)’, 혹은 ‘거미 퉁(ธุงแมงมุม)’에서 영감을 얻었습니다. 실을 다양한 형태로 감아 만들어 사원과 가정집 곳곳에 걸어두는 이 화려하고 아름다운 장식물은, 이산 지역의 일상 속에 오랫동안 자리해 온 문화적 상징입니다. 쑤차이 크래프트는 이 퉁의 아름다움과 태국 전통 문양 알루미늄 공예를 하나로 엮어, 다채로운 색상의 장식용 키링으로 재해석했습니다. 이제 퉁은 더 이상 특정 공간에만 머무르지 않고, 언제 어디서든 지니고 다닐 수 있는 존재가 되었습니다. 일상 속 작은 순간마다 퉁과 함께 태국 전통의 색과 이야기를 즐길 수 있도록, 쑤차이 크래프트는 계속해서 새로운 가능성을 만들어가고 있습니다. https://www.instagram.com/suchaicraft.th

이미지 - 이싼 크리에이티브 페스티벌(Isan Creative Festival) 2026 공식 이미지 출처 : www.Isancreativefestival.com

- NITDA

‘닛다’는 실크 직조 공예 장인의 대를 이어가는 젊은 세대 계승자로 실 위에 색을 직접 그려 넣는 혁신적인 디자인 기법인 ‘마이땀미(ไหมแต้มหมี)’를 선보이고 있습니다. 이는 전통적인 마이땀미, 이카트 염색 기법의 지혜를 현대적인 채색 기술과 결합한 것입니다. 기존 마이땀미 방식에서 한 걸음 나아간 이 새로운 기법은 젊은 세대에게 더 가깝게 다가가 이들이 전통 공예의 아름다움을 자연스럽게 받아들이고 더 깊이 이해할 수 있도록 이끌고 있습니다. ‘마이땀미’란 전통적인 실 묶음 염색 방식 대신 실 위에 직접 색을 그려 넣어 만들어내는 독창적인 무늬 기법을 의미합니다. 이 혁신적인 기술은 제품 개발 지식 경진대회에서 2위를 수상하며 그 가치를 인정받았습니다. 그 시작은 지역 공동체가 함께 참여한 실행 연구에서 비롯되었으며, 직접 디자인하고 문제를 해결해 나가는 과정을 거쳐, 마침내 닛다만의 고유한 스타일이 담긴 독창적인 무늬 기법으로 완성되었습니다. 전통을 이어가되 새로운 창조로 나아가는 이 공예는, 오랜 지혜를 소중한 가치를 지닌 수공예 작품으로 승화시킵니다. https://www.instagram.com/www.facebook.com/NITDABRAND

이미지 - 이싼 크리에이티브 페스티벌(Isan Creative Festival) 2026 공식 이미지 출처 : www.Isancreativefestival.com

- HOM-KLIN-DIN

‘홈끌린딘’ 브랜드는 태국 동북부 이싼 지역 고유 재료를 새로운 언어로 번역한다는 철학을 바탕으로 합니다. 나콘랏차시마 주 단끄위안 지역의 진흙을 손으로 직접 빚어 구슬로 만든 뒤 이를 다양한 작품으로 완성해냅니다. 그렇게 만들어진 하나하나의 작품에는 지문의 흔적과 완벽하지 않은 결이 그대로 남아 지역 장인들의 손끝에서 나온 진짜 정체성을 고스란히 담고 있습니다. 낮은 가치로 여겨져 온 전통 도자기 공예를 더 높은 부가가치를 지닌 컨템포러리 제품으로 전환하고자 하며 독창적이고 개성 있는 상품들을 선보이고 있습니다. 특히 단끄위안 진흙은 흔히 무겁고 투박하며, 절구, 화분, 타일과 같이 시대에 뒤떨어진 기초적인 수공예품에만 어울린다는 인식이 강했습니다. 하지만 이를 디자인, 무게, 활용성 모든 면에서 현대인의 라이프스타일에 맞게 재구성했습니다. 원래는 하나로 이어진 통 형태였던 도자기 소재를, 조립하고 자유롭게 변형할 수 있는 구슬 시스템으로 바꾸어 단끄위안 도자기를 더 가볍고 충격에 강한 형태로 재탄생시켰습니다. 그 결과 이커머스와 소셜 미디어를 통해 장거리 유통까지 가능해졌으며, 이는 이산 지역의 문화적 뿌리를 모바일 쇼핑이라는 오늘날의 소비 방식에 맞게 새롭게 해석한 것이라 할 수 있습니다. 이를 통해 지역에 새로운 경제적 기회를 만들어내고, 특히 중간 유통 과정 없이 수익이 지역 사회로 직접 돌아갈 수 있도록 하고 있습니다. https://www.instagram.com/homklindin

이미지 - 이싼 크리에이티브 페스티벌(Isan Creative Festival) 2026 공식 이미지 출처 : www.Isancreativefestival.com

기사 내용 참고 출처

웹사이트: www.Isancreativefestival.com