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자동 녹음+노트 필기! 능동적 AI 지능으로 업무 효율 대폭 향상, ‘플라우드 노트 프로’

Wed, 06 May 2026 16:51:04 GMT

미국 샌프란시스코에 본사를 둔 플라우스사(PLAUD Inc.)의 차세대 AI 노트 필기 아이템 '플라우드 노트 프로(Plaud Note Pro)'가 세계 3대 디자인상인 'iF 디자인 어워드 2026' 제품 디자인 부문에서 본상을 수상했다. 2025년에 글로벌 시장에 출시된 이 기기는 대화 과정에서 세계 최초로 실시간 '인간-AI 통합(Real-time human-AI alignment)'을 구현하여, 하드웨어와 AI 소프트웨어 융합 디자인의 새로운 기준을 제시했다는 평가를 받았다. 기존 녹음기의 기능을 유지하면서도 내부 스펙을 AI 기능 사용에 최적화했다.

©PLAUD Inc

4개의 고성능 MEMS 마이크를 탑재하여, 다화자 환경이나 복잡한 상황에서도 음성을 명확하게 수음하는 멀티모달(Multimodal) 녹음 기능을 지원한다. 또한 초소형 기기임에도 불구하고 한 번 충전으로 최대 50시간 연속 사용이 가능한 배터리 효율을 달성하여, 실제 사용자의 배터리 불안(Range anxiety)을 해소했다. 회사 생활을 하며 바쁜 일정 중 배터리가 끊겨 사용할 수 없는 상황을 최소화 한다. 또한, 플라우드 노트 프로의 가장 혁신적인 디자인 요소 중 하나는 사용자의 의도를 실시간으로 AI에게 전달하는 물리적 인터페이스이다. 단순 녹음을 넘어, 비즈니스 전문가의 80%가 대화 중 중요한 인사이트를 깜빡하거나 잊어버린다는 점을 집중 공략, 사용자가 회의나 대화 중 중요한 내용이 나올 때 기기의 버튼을 누르면(Press to highlight) 해당 구간이 즉시 북마크되어 AI 요약 시 핵심 정보로 처리된다.

©PLAUD Inc

즉, 녹음을 했을 때 이것을 스크립트로 변환하고, 변환하는 과정에서 다시 들어야 하는 번거로움을 최소화하여 인공지능이 직접 노트 정리, 주요 정보 분석 등을 해낸다. 이는 기기가 수동적으로 소리를 기록하는 것을 넘어, 사용자와 상호작용하는 능동적 인공지능 비서로서 활약할 수 있는 점이 특징이다. 기존의 노트 필기 방식은 사용자가 대화의 흐름에 집중하는 것을 방해하고, 단순 녹음 파일은 상황적 맥락을 놓치게 만든다.

©PLAUD Inc

그래서 대규모 회의나 중요한 발표 시 해당 내용을 따로 정리하는 팀원을 두거나, 녹음/녹화 후 추후에 재방하여 정리하는 등 시간적으로나 인력 낭비가 일어날 수 있는 구조를 가지고 있다. 플라우드 노트 프로는 이 두 가지 문제를 동시에 해결하여 사용자가 '현재의 대화'에 온전히 몰입할 수 있도록 돕고 하기 싫은 귀찮은 노트 필기, 정리 업무 등에서 해방 될 수 있다.

©PLAUD Inc

플라우드 사에 따르면, 해당 제품과 전용 AI 시스템을 도입할 경우 사용자들은 업무 문서화에 들이는 시간을 최대 90%까지 단축할 수 있으며, 온전한 대화 집중을 통해 거래 성사율을 3배까지 높이는 효과를 거두고 있다. 가볍고 얇은 디자인으로 핸드폰 뒷면에 카드 지갑처럼 부착할 수 있으며, 녹음기 특유의 투박한 디자인이 사라지고 사람들의 시선이나 관심에서 벗어나 자연스럽게 업무 효율을 높여준다. 게다가 핸드폰 뒷면에 부착되어 갑자기 온 중요한 통화, 바이어의 요청 전화 등도 뒤쪽에 붙은 버튼 하나로 즉각 녹음, 노트로 정리해주기 때문에 정해지지 않는 전화 통화 기록에도 강력한 무기가 된다.

©PLAUD Inc

플라우드 노트 프로의 iF 디자인 어워드 2026 수상은 미래의 생산성 향상 디바이스가 나아가야 할 방향을 명확히 보여준다. 첨단 AI 기술을 과시하기 위해 복잡한 디스플레이를 추가하는 대신, 아날로그적인 물리 버튼, 심플하지만 삶을 편하게 만들어 줄 수 있는 인공 지능 기능, 가볍고 배터리에 충실해 따로 배울 필요 없이도 사용가능한 제품. 게다가 고성능 마이크를 미니멀하게 통합한 이 제품은 사용자의 본질적 목적을 극대화하고 있다는 찬사를 얻고 있다. 넘쳐나는 기술력 속에서, 우리는 오히려 더 간단하고 심플한 디자인과 불편한 점을 해결해 줄 수 있는 소프트웨어를 갈망한다. 플라우드 노트 프로처럼 추후 다양한 업무 향상 기기들의 디자인, 기술 발전이 주목된다.

반려동물 켄넬, 접이식+가벼움+디자인 다 잡은 ‘딕스(Diggs)’

Sun, 03 May 2026 18:04:30 GMT

최근 글로벌 반려동물 산업의 가장 강력한 키워드는 ‘펫 휴머니제이션(반려동물의 인간화)’이다. 이는 반려동물을 단순한 소유물이 아닌 가족의 일원으로 대우하는 문화적 흐름을 뜻하며, 이러한 인식의 변화는 반려동물이 사용하는 제품의 기준 자체를 바꾸어 놓았다. 옛날엔 저렴하고 양이 많은 사료에만 집중했다면, 최근엔 반려동물을 위한 생식은 물론 사람이 먹는 식사보다 비싼 유기농 제품들로 구성된 음식들은 물론 명품 옷, 식기, 전용 호텔 등 다양한 서비스가 일상화 되었다. 특히 반려견의 가장 사적인 공간이자 안전한 이동장 ‘크레이트/켄넬’ 또한 새로운 제품들이 연일 시장에서 경쟁하고 있다.

©Diggs

미국 뉴욕 브룩클린에 본사를 둔 딕스(Diggs)는 기존의 저가형 철사 켄넬(Wire Cage)이 가진 물리적 위험성과 무겁고 공간을 많이 차지하는 불편함을 아름답고 실용적인 디자인으로 해결해 냈다. 딕스는 유아용품(Baby Products) 산업의 엄격한 안전 기준을 반려동물 제품에 이식한다는 파격적인 접근 방식을 취했다. 딕스의 시그니처 모델인 ‘레볼(Revol)’은 출시와 동시에 혁신적인 디자인으로 다수의 디자인 어워드를 수상하며 하이엔드 켄넬의 표준이 되었다. 기존 켄넬은 직사각형의 얇은 철사를 교차시켜 제작된다. 이 구조는 강아지가 턱을 괴거나 발을 올릴 때 좁은 틈새에 끼어 치명적인 골절이나 이빨 손상을 유발하기 쉽다.

©Diggs

딕스는 이를 해결하기 위해 알루미늄과 강화 플라스틱을 결합한 ‘다이아몬드 메쉬’ 패턴을 독자적으로 설계했는데, 촘촘한 다이아몬드 형태는 반려동물의 신체 부위가 끼일 수 있는 틈을 원천적으로 차단한다. 또한, 부드러운 곡선 마감을 통해 금속 돌출부로 인한 찰과상을 방지하며, 구조적으로는 외부 충격을 여러 방향으로 분산시켜 견고함을 유지한다. 게다가 이동하는 과정에서 바깥에서 들고 움직여야 하는 보호자 또한 찰과상이나 상처를 방지할 수 있다. 나아가 기존 켄넬이 여러 개의 핀을 끼우고 빼는 복잡한 과정을 거쳐야 했던 반면, 레볼은 상단에 위치한 원형 다이얼을 한 손으로 돌리는 것만으로 기기가 납작하게 접히는 디자인을 구현해냈다. 해당 기술은은 정밀한 힌지(Hinge) 설계와 잠금 장치의 통합을 통해 이루어졌으며, 접힌 상태에서는 측면의 손잡이와 하단의 바퀴를 이용해 마치 여행용 캐리어처럼 쉽게 이동할 수 있어, 실내 공간 활용은 물론 여행 시의 편의성을 극대화했다. 최근 들어 반려 동물과 함께 가는 여행, 1인 가구나 도심 내 좁은 공간에서도 반려동물을 키우는 가구가 증가했기 때문이다. 이러한 점을 고려해, 항상 큰 자리를 차지하는 켄넬 대신 쉽게 접이식으로 구성해 안 쓸 때는 소파나 창고에 넣을 수 있도록 제작되었다.

©Diggs

나아가 켄넬의 문이 바깥으로 열리는 방식은 아파트나 차에서 내릴 때와 같은 한정된 공간에서 불편함을 유발한다. 레볼은 이를 해결하기 위해 측면 문에 ‘가라지(Garage) 스타일’을 적용했다. 문을 위로 들어올려 천장 쪽으로 밀어넣는 이 방식은 별도의 반경 공간을 요구하지 않아 좁은 복도나 거실 구석에도 배치가 가능하다. 슬라이딩 도어와 같은 이런 디자인적 요소는 문이 열린 상태에서도 깔끔한 외관을 유지하여 평소에는 반려견이 자유롭게 드나드는 오픈형 하우스로 사용할 수 있게 설계되었다. 기존 켄넬 문을 열고 반려 동물의 집으로 활용하던 집에는 문이 열렸다 닫혔다 하며 나는 소음이나 실수로 닫혔을 때 열어 주는 귀찮음을 방지할 수 있는 디자인이다. 나아가 배변 실수나 털 빠짐으로 인한 청소를 용이하게 하기 위해 바닥 트레이를 서랍처럼 부드럽게 뺄 수 있도록 설계했다. 이는 기기를 분해하지 않고도 위생적인 상태를 유지할 수 있게 한다.

©Diggs

이 외에도 딕스가 선보인 ‘에볼브(Evolv)’ 켄넬은 반려견의 성장 단계에 따라 패널을 추가하거나 제거하여 크기를 조절할 수 있으며, 상단 덮개를 제거하고 측면 패널을 조립하여 ‘플레이펜(Playpen, 울타리)’ 모드로 즉각적인 전환이 가능하다. 이는 하나의 제품으로 반려견의 생애 주기 전체를 커버하려는 지속가능한 디자인 전략의 일환으로, 강아지가 크고 작아지는 과정에서 생기는 켄넬 사이즈 문제는 물론 집안 내 공간을 최적화 할 수 있도록 한다.

©Diggs

나아가 딕스의 인벤터 제품은 공기 주입식(Inflatable) 켄넬이다. 일반적인 튜브 형태의 기구와 달리, 인벤터는 고압의 공기를 주입해도 평평하고 딱딱한 면을 유지하는 ‘드롭스티치’ 공법으로 제작, 이동과 사이즈 편리성을 극대화한 제품도 눈길을 끈다. 캠핑이나 교외 여행시 켄넬의 무게, 공간 차지 문제를 해결하는 것은 물론, ‘차량용 안전장치’로 설계되어 공기가 채워진 벽면은 외부 충격 시 에어백과 같은 완충 역할을 수행한다. 차량 사고 시 반려견에게 전달되는 충격 에너지를 분산시켜 가만히 앉아있기 힘든 반려 동물의 켄넬 자체가 보호막이 되도록 했다. 딕스는 이 제품을 실제 차량 충돌 테스트(CPS 인증 기준 등)를 고려하여 설계했으며, 네 귀퉁이에 위치한 강력한 고정 고리(Tie-down)는 급정거 시에도 켄넬이 튕겨 나가지 않도록 견고하게 지지한다.

©Diggs

딕스(Diggs)의 제품 라인업은 반려동물 용품이 더 이상 ‘저렴한 제품’이 아닌 ‘내 가족을 위한 필수 제품’이라는 사명감을 가지고 디자인, 기능적으로 나아간 켄넬을 선보인다. 이들의 성공은 유아용품의 안전 철학, 가구의 심미성, 소재 공학을 하나의 제품에 완벽하게 융합해 냈다. 복잡한 전자 장치 없이도 순수하게 기계적인 설계와 소재의 혁신만으로 사용자의 삶을 획기적으로 개선할 수 있음을 증명했다.

SMM10 전시: Studio Marketing Materials와 친구들이 함께한 10년

Fri, 01 May 2026 06:58:44 GMT

2015년부터 그래픽 디자인 분야에서 활동을 시작한 태국의 스튜디오 ‘Studio Marketing Materials(이하 SMM)’은 그간 기초적인 디자인 작업에서 점차 복잡하고 다차원적인 접근 방식으로 작업 영역을 꾸준히 확장해 왔습니다. 각 단계마다 새로운 도전이 찾아왔고 이는 끊임없는 성찰과 질문 그리고 실험으로 이어졌습니다. 이 과정은 개념적 사고와 작업 방식에서부터 최종 디자인 결과물의 구현에 이르기까지 전 영역에 걸쳐 있다고 할 수 있습니다. 이번 전시는 4월 25일부터 5월 3일까지 태국 방콕의 더 코너하우스(The Corner House)에서 진행 되고 있습니다.

전시 포스터 이미지 제공 : Studio Marketing Materials

전시 내부 사진 제공 : Studio Marketing Materials

SMM은 태국 방콕을 기반으로 한 아트 디렉션 및 브랜딩 컨설턴시 스튜디오로 두 명의 공동 창업자 kumphol ponpisute(Golf)와 Jarut Chanprapanont(Jark)은 대학동기에서 인연이 시작되었습니다. 스튜디오의 핵심 철학은 복잡한 아이디어를 사려 깊고 단순한 디자인으로 정제하는 것이며 예술과 디자인의 미학과 상업적 현실을 함께 고려한 솔루션을 추구합니다. 주요 작업 분야는 럭셔리, 예술 및 문화, 리빙, 웰니스, 교육, 패션, 라이프스타일 등 다양한 산업군이며 태국의 주요 기업들과 협업을 이어오고 있습니다.

이번 10주년 전시는 SMM 스튜디오의 자기 성찰의 장인 동시에 오랜 여정을 함께해 온 다양한 분야의 동료들과의 협업을 통해 10년간의 디자인 여정을 다시금 되돌아보는 자리입니다. 디자이너, 타입 디자이너, 사진작가, 감독, 가구 디자이너, 인테리어 디자이너, 일러스트레이터, 레스토랑 운영자 등 각 분야의 '친구들'이 함께 참여하여 스튜디오의 실천을 형성해 온 이야기들을 새롭게 풀어내고 있습니다.

전시는 '기프트 샵(Gift Shop)'이라는 혼합 형식의 전시 공간 안에서 한정판 굿즈와 설치 작품도 선보이고 있습니다. 이와 함께 스튜디오의 대표 디자인 작업물도 엄선하여 같은 공간 안에 나란히 전시됩니다. 이번 전시는 SMM의 실천 영역을 기존의 익숙한 인식 너머로 확장하고 새로운 가능성을 향한 성찰과 상상을 이끌어내고자 합니다. 이는 스튜디오에게 있어 순수한 즐거움의 순간이자 디자인의 미래를 탐색하는 여정이기도 하여 큰 의미가 있다고 할 수 있습니다.

SMM10 Exhibition와 함께 한 태국 로컬의 친구들은?

이번 10주년 전시에는 SMM 스튜디오를 비롯한 태국 로컬의 디자이너, 디자인 스튜디오, 포토그래퍼, 일러스트레이터, 아트 디렉터 등 다양한 분야의 친구들이 함께 협업을 하였습니다. 10년이라는 세월 속에서 다양한 협업을 해오고 있는 SMM에서는 여러 방면에서 활발한 활동을 하고 있는 전문가들과의 네트워크 및 프로젝트를 꾸준히 이어나가고 있습니다. 그리고 이번 전시에 이 친구들과 함께 참여하여 전시 제작물, 기념 굿즈 상품 등 다양한 작업들을 같이 진행하였고 각각의 아티스트들에 대한 정보는 아래의 내용과 같습니다.

‘Mai’ Setapa Prom
- 책, 포스터, 문화 프로젝트를 통해 출판 및 현대 미술 분야에서 활동하는 디자이너이자 일러스트레이터입니다.

Potch Auacherdkul
- 다국어 타이포그래피 디자이너로, 각 언어의 문화적 뿌리를 존중하면서도 현대적 맥락 안에서 서로 다른 언어의 글자 형태를 조화롭게 결합하는 데 관심을 두고 있습니다.

‘Au’ Tammarat Kittiwatanokun
- 현대적인 시각으로 패션 필름과 광고 분야에서 활동하는 비디오 디렉터입니다.

‘Mint’ Thanyaporn Jarukittikun
- 사람들의 태국의 음식 이야기를 전달 하기 위해 지역 음식 문화와 제철 식재료를 교류하고 배우는 공간인 ‘쌈랍 포 타이(Samrub For Thai)'의 공동 설립자입니다.

Nopanon Itthiakarapong
- 정물 및 건축 사진을 전문으로 하는 아트 디렉터이자 사진작가입니다. 시각적 이미지와 브랜드 그리고 커뮤니케이션 시스템을 유기적으로 연결하는 작업을 수행합니다.

Madmatter Studio
- ‘Waste to Worth'라는 슬로건 아래 지속 가능한 패션과 라이프스타일을 제안하는 브랜드입니다.

STUDIO150
- 그래픽과 현대 미디어를 활용하여 디자인 작업뿐만 아니라 다양한 문화 프로젝트를 기획하고 만들어내는 크리에이티브 스튜디오입니다.

Pi-near
- 부드럽고 개인적인 화풍을 통해 기억과 감정을 그림으로 전달하는 일러스트레이터입니다.

Lert Department
- 모듈러(Modular), 브루탈리즘(Brutalist) 그리고 장기적인 내구성에 중점을 둔 가구 및 시스템 디자인 스튜디오입니다.

Numchok Swangsri
- 태국 방콕을 기반으로 활동하며 정교하고 독창적인 스타일을 가진 사진작가입니다.

JITIVI

- 2021년 지티뷔 반타이쏭(Jitiwee Banthaisong)이 방콕에 설립한 디자인 사무소 입니다. 공간 속에 이야기를 담아내며 이를 아주 세밀하고 정교하게 엮어 나가는 작업을 합니다.

전시 내부 사진 제공 : Studio Marketing Materials

"Studio Marketing Materials: 태국 디자인 10년 그리고 미래를 말하다"

이번 전시 기간에 직접 현장에 방문을 하여 전시장을 살펴보고 SMM 공동창업자 Golf님과 함께 인터뷰를 진행해보았습니다. 태국 디자인의 현재 씬은 어떠한지, 앞으로는 어떤 일이 일어날지 등등에 대한 심도 깊은 이야기를 나누게 되었습니다. 더불어 SMM 스튜디오는 한국의 디자인과 디자이너에 대해서도 많은 관심이 있는 태국의 디자인 스튜디오 중 한 곳입니다. 앞으로 태국과 한국의 디자인이 더욱더 활발한 교류가 이루어지길 바라며 인터뷰 내용에 대해 다음과 같이 공유를 하도록 하겠습니다.

질문 1 : 지난 10년간 태국 디자인 씬은 어떻게 변화해 왔나요? 그리고 앞으로의 10년에 대한 기대는 무엇인가요?

SMM 공동대표 골프(Golf) : 2015년 스튜디오를 시작한 이후에 저희는 브랜딩, 패션, 엔터테인먼트, 건축, 인테리어 디자인 등 매우 다양한 분야에서 수많은 태국 신진 인재들이 등장하는 것을 보아왔습니다. 오늘날에는 분야를 넘나드는 협업과 크로스 디시플리너리(Cross-disciplinary) 작업이 활발히 이루어지고 있습니다. 이에 따라 앞으로는 창의적 영역 간의 융합이 더욱 깊어질 것이라고 생각합니다.

그리고 디자인 씬 전반에서 느껴지는 에너지도 매우 고무적입니다. 많은 작가와 디자이너들이 자신의 작업 경계를 끊임없이 확장하며 시각적 요소에서 공간의 감성, 음악 그리고 향기에 이르기까지 디자인을 보다 유기적으로 통합해 나가고 있는 모습입니다.

질문 2 : 한국 디자인 씬에 대해 어떻게 생각하시나요? 태국과의 주요 차이점과 공통점은 무엇이라고 보시나요?

SMM 공동대표 골프(Golf) : 제 관점에서 한국은 특히 그래픽 디자인 분야에서 매우 강력하고 탄탄하게 발전된 디자인 씬을 보유하고 있다고 생각합니다. 많은 한국의 디자이너들이 전 세계에서 활약하고 있습니다. 지난 10여 년간 한국 문화를 국제 무대에 알리고 독자적인 위상을 구축해 왔습니다. 무엇보다 정부와 민간 부문 양측의 든든한 지원이 디자인 커뮤니티를 지속적으로 성장시키는 원동력이 되고 있다고 생각합니다.

반면 태국 디자인 커뮤니티는 아직 성장의 과정 중에 있습니다. 다양한 사회적·정치적 도전으로 인해 정부의 일관된 지원이 부족했던 것이 사실입니다. 그럼에도 불구하고 저희는 커뮤니티 안에서 여전히 큰 가능성과 잠재력을 발견합니다. 시간이 걸리겠지만 각 분야의 지원이 함께한다면 태국 디자인 씬은 충분히 꽃피울 수 있다고 믿습니다.

질문 3 : 마지막으로 한국의 디자이너 및 업계 관계자들에게 한마디 부탁드립니다.

SMM 공동대표 골프(Golf) : '타이(Thai)'라는 단어의 어원은 '자유'입니다. 이는 다양한 배경을 가진 사람들과 문화를 포용하는 열린 마음을 반영합니다. 저희는 서로 다른 아이디어가 만나 새로운 가능성을 만들어 낼 수 있다고 믿기에 다양한 재능을 가진 분들과의 협업과 교류에 언제나 열려 있습니다. 감사합니다.

Studio Marketing Materials 관련 사이트

Website wearesmm.com

Instagram instagram.com/studiomarketingmaterials

2026 밀라노 디자인 위크에서 읽는 핀란드 디자인 브랜드

Thu, 30 Apr 2026 14:44:57 GMT

2026년 밀라노 디자인 위크가 열린 4월, 밀라노는 다시 한 번 전 세계 디자인의 흐름이 교차하는 장소가 되었다. 수십만 명의 방문객이 모여드는 이 도시에서 브랜드들은 단순히 제품을 전시하는 것을 넘어, 자신들의 철학과 세계관을 어떻게 전달할 것인지 고민한다.

이번 밀라노에서 핀란드 디자인은 두 가지 방향으로 읽힌다. 하나는 경험과 감각을 확장하는 방식, 그리고 다른 하나는 물질과 시간에 깊이 뿌리를 둔 접근이다.

사진: 마리메꼬

꽃으로 만든 장면: 마리메꼬의 경험 디자인

마리메꼬는 밀라노 도심에서 'Osteria Fiori di Marimekko'라는 프로젝트를 선보이며, 브랜드를 꽃을 경험하는 레스토랑이라는 컨셉으로 하나의 ‘경험’으로 확장했다. 텍스타일 설치와 정원, 그리고 미식 요소가 결합된 이 공간은 단순한 전시를 넘어 사람들이 머물고 감각하는 환경을 만들어냈다.

사진: 마리메꼬

특히 꽃이라는 브랜드의 핵심 모티프는 시각적 패턴을 넘어, 공간 전체를 구성하는 언어로 작동했다. 텍스타일 디자이너 에르야 히르비의 패턴은 직물과 테이블웨어, 그리고 공간 연출로 이어지며, 방문객이 ‘패턴 안으로 들어가는 경험’을 가능하게 한다.

사진: 마리메꼬

여기에 헬싱키 레스토랑 Maukku와 셰프 모드 사독이 참여해 미각과 후각까지 확장된 감각을 제공하면서, 디자인은 더 이상 보는 대상이 아니라 ‘머무는 경험’으로 변화한다.

나무의 시간: 니카리가 보여주는 진지한 태도

사진: 니카리

한편, 니카리는 전혀 다른 방식으로 밀라노에 접근한다. 화려한 설치 대신, 그들은 여전히 ‘재료 자체’에 집중한다.

2026년 니카리가 선보인 신제품 중 하나인 아카데미아 라운지 의자는 기존 다이닝 체어를 확장한 라운지 체어로, 솔리드 오크와 패브릭을 결합한 구조를 가진다. 이 의자는 알토대학교 출신 디자이너 듀오 Kaksikko의 작업에서 출발했으며, 셰이커 스타일의 미니멀리즘, 일본 디자인 전통, 그리고 핀란드 목공 기술이 결합된 결과물이다. 곡선으로 뒤로 흐르는 다리와 넉넉한 비례는 단순한 형태 이상의 것을 전달한다. 그것은 ‘오래 앉아 있는 시간’을 고려한 디자인이며, 사용자의 몸과 환경에 천천히 적응하는 가구다.

사진: 니카리

이와 함께 디자이너 요안나 라아이스토의 센테니얼 테이블은 핀란드 디자인이 물질을 어떻게 바라보는지 잘 보여준다. 이 테이블은 100년 이상 자란 나무를 사용하며, 균열과 옹이, 벌레 자국 같은 흔적을 숨기지 않는다.

오히려 이러한 요소들은 제거해야 할 결함이 아니라, 재료가 살아온 시간을 드러내는 중요한 특징으로 받아들여진다. 이름 ‘백년의 Centenniale’ 역시 이러한 시간성을 강조하며, 단순한 제품이 아니라 세대를 넘어 사용될 수 있는 물건으로서의 의미를 담는다.

사진: 니카리

니카리가 이번 밀라노에서 선보인 또 하나의 중요한 시도는 심버 Shimber와의 협업이다. 심버는 헬싱키 기반의 소재 기업으로, 100% 바이오 기반 코팅을 개발하고 있다.

이 소재의 특징은 색을 ‘입히는’ 것이 아니라, 빛의 움직임을 구조적으로 조절하는 데 있다. 나무 표면에 미세한 구조를 형성해, 보는 각도와 빛의 변화에 따라 색이 달라지는 효과를 만들어낸다. 이는 나비의 날개와 같은 자연의 구조색에서 착안한 방식이다.

니카리는 이 기술을 적용한 Biennale 스툴을 한정판으로 선보이며, 전통적인 목재 가구에 새로운 감각을 더했다. 겉으로는 조용하지만, 가까이에서 보면 끊임없이 변화하는 표면은 핀란드 디자인이 기술을 드러내는 방식이 얼마나 절제되어 있는지를 보여준다.

2026년 밀라노 디자인 위크에서 소개된 두개의 핀란드 디자인 브랜드는 두 가지 상반된 방식으로 읽힌다.

하나는 마리메꼬처럼 경험과 감각을 확장하는 방향, 다른 하나는 니카리처럼 재료와 시간에 깊이 집중하는 방식이다. 그러나 이 두 접근은 결국 같은 지점에서 만난다.

바로 ‘사람과의 관계’를 디자인한다는 점이다.

빠르게 소비되고 잊히는 디자인이 넘쳐나는 시대에, 핀란드 디자인은 여전히 느린 방식으로 질문을 던진다. 물건은 어떻게 만들어져야 하는가, 그리고 우리는 그것과 어떤 관계를 맺으며 살아갈 것인가. 그 조용한 질문이야말로, 밀라노에서 가장 오래 남는 인상을 만든다.

'실험적 뮤지엄'이라는 말은 얼마나 진지한가 II

Thu, 30 Apr 2026 12:44:52 GMT

@MON

MoN은 일본어로 '문(門)'과 '물음(問)'을 동시에 가리킨다. 두 글자의 발음이 같고, 뮤지엄이 들어선 다카나와 게이트웨이라는 역명과 정확히 공명한다. 의도된 설계다. 이름을 만든 것은 영국 디자인 스튜디오 펜타그램(Pentagram)으로, 브랜드 전략·네이밍·언어 정체성·시각 시스템 전체를 담당했다.

펜타그램이 MoN에서 풀어야 했던 핵심 과제는 범위의 문제였다. 가부키, 라쿠고, 만화, 전자음악, 다도, 음식문화까지 포함하는 기관을 특정 장르의 이미지로 환원하지 않고 표현하는 것. 단일 정체성이 강한 미술관과는 다른 종류의 과제였다.

"과제는 광범위한 문화적 범위를 담되, 특정 '예술 목적지'로 납작하게 만들지 않는 것이었다."
— Pentagram, MoN 타카나와 아이덴티티 설계 노트 (2026)
“An enormous cultural range — from Tezuka’s Phoenix to rakugo, from ballet to electronica — without flattening it into a generic ‘arts destination’.”
— Pentagram

결과물은 세 층위로 구성된다. 첫째, 나선 형태 안에 M·O·N 세 글자를 동시에 읽을 수 있는 로고. 나선은 건물 외관 형태와도 호응하며, 펜타그램의 설명에 따르면 "시간은 선형이 아니라 나선처럼 순환한다"는 이 기관의 큐레이션 철학을 시각화한 것이다. 둘째, 태양(빨강)·대지(초록)·바다(파랑)라는 세 가지 색으로 구성된 팔레트는 타카나와의 지역 맥락을 기반으로 하면서도 특정 문화 코드에 고정되지 않도록 설계됐다. 셋째, 일본어와 영어를 번역 관계가 아닌 병치 관계로 다루는 타이포그래피 시스템. 모든 스케일에서 두 언어가 동등한 비중으로 배치된다.

세 요소가 하나의 전략적 아이디어 — 펜타그램이 '차원적 시간(dimensional time)'이라 부른 개념 — 에서 파생된다는 점에서 이 아이덴티티 시스템은 내적 일관성이 있다. 그러나 아이덴티티의 정교함이 프로그램의 정교함을 보장하지는 않는다. 실제 콘텐츠가 그 수준에 미치지 못할 때 격차가 더 선명하게 드러난다는 역설도 있다.

@MON

구마 겐고(隈研吾)와 어소시에이츠, 가지마 건설이 시공한 MoN은 다카나와 게이트웨이 시티 안에서 유일한 저층 건물이다. 지상 6층·지하 3층, 높이 약 45미터. 주변을 채운 고층 오피스 타워들과 대비되는 나선형 목구조 실루엣은 의도된 이질감이다. 문화 기관이 상업 건물과 같은 시각 언어를 쓸 이유가 없다는 건축적 선언으로 읽힌다.

나선은 조형이 아니라 동선 논리다. 각 층은 완만한 경사로로 연결되어 지하에서 옥상 정원까지 걷는 것이 자연스럽다. 그 과정에서 실내와 실외의 경계가 희미해진다. 옥상에는 족욕 테라스,달 감상 공간,계절 경관을 위한 정원이 배치되어 있다. 전시 관람 여부와 무관하게 건물에 머물 수 있는 구조다. 이것이 의미하는 것은 단순한 편의시설 추가가 아니라 방문의 목적을 더 넓게 열어주고 있다. ‘뮤지엄 방문’에 대한 심리적 진입장벽이 낮아진다.

공간 안에 배치된 물건들도 같은 논리를 따른다. JR 동일본 철도 숲에서 가져온 목재로 만든 벤치에는 원래 사용됐던 역명이 적혀 있다. 엑스포 2025 오사카에서 사용된 가구도 이 공간에 다시 배치됐다. 개관 전시 'Hirake Mon(開けMoN)'은 "에도 시대에 바다였던 타카나와"로부터 시작해 이 땅의 기억을 추적한다. 물건과 공간이 각각의 이력을 유지한 채 배치된다는 점에서, 건축과 전시는 하나의 논리로 연결된다.

컬렉션 없는 뮤지엄 — 무엇이 기관의 자산인가

MoN은 물리적 소장품을 갖지 않는다. 전통적인 뮤지엄 모델과의 가장 큰 구조적 차이다. 대신 반년마다 갱신되는 시즌 테마 아래 이루어지는 공연·전시·워크숍의 디지털 아카이브로 쌓아간다. 관람객의 반응과 경험도 기록 대상에 포함된다. 이 경우 자산은 오브젝트가 아니라 이벤트와 그에 수반되는 기억이 된다.

이 선택에는 구조적 논리가 있다. 소장품의 구입·보존·보험·보안에 드는 비용을 프로그램과 경험에 집중할 수 있다. 더 중요한 것은 정체성의 이동이다. 무엇을 소유하고 있는가가 아니라 어떤 경험을 생산하는가가 중심이 된다. 그러나 동시에 이 선택이 내포하는 불안정성도 있다. 컬렉션이 있는 기관은 그것이 정체성의 닻이 된다. 루브르는 루브르의 소장품이고, 테이트 모던은 그 컬렉션과 함께 성장했다. MoN에는 그 닻이 없다. 시즌 테마가 바뀔 때마다 기관의 표정이 달라진다. 이는 상황에 따라 유연성으로 작동할 수도 있고, 반대로 정체성의 분산으로 이어질 가능성도 있다. 컬렉션 없는 뮤지엄이 장기적으로 어떤 정체성을 형성하는지를 보여주는 선례가 많지 않다는 점에서, 이것 자체가 실험이다.

포용 — 구조로서의 포용과 선언으로서의 포용

MoN이 '포용'을 다루는 방식은 접근성 프로그램을 별도로 추가하는 형태가 아니다. 많은 기관이 포용을 실현하는 방식은 기본 구조 위에 무언가를 얹는 것이다. 그러나 구조 위에 얹힌 것은 구조가 아니다. 예산이 줄면 가장 먼저 잘려 나가고, 기획의 중심이 아니라 주변에 머문다.

큐레이션 이론에서 장르 위계의 해체는 오래전부터 포용의 실천으로 논의되어 왔다. 무엇을 중심에 놓고 무엇을 주변에 배치하는가의 문제는 단순 편집의 문제가 아니라, 누구의 문화를 정당한 것으로 인정하는가의 문제이기 때문이다. MoN은 그 논의를 실제 프로그램 구성에 적용하려 한다. 오페라와 만화, 다도와 전자음악 사이에 서열을 두는 순간, 그 서열 아래에 놓인 장르의 관람객은 이미 주변화된다. MoN은 그 위계 자체를 해체하는 것을 포용의 수단으로 삼는다. 가부키·라쿠고·만화·전자음악·다도·음식문화가 같은 시즌 테마 아래 동등하게 배치됨으로써, 어떤 장르에 익숙한 관람객이든 자신이 아는 것에서 시작해 낯선 것으로 자연스럽게 이동할 수 있는 구조가 만들어진다. 포용이 별도의 항목으로 추가되는 게 아니라, 프로그램을 어떻게 구성할 것인가라는 기획 단계의 판단 안에 이미 내장되는 것이다. 그래서 비용의 문제가 아니라 설계의 문제가 된다.

그러나 개관 프로그램 라인업을 보면 하나의 질문이 생긴다. 데즈카 오사무의 만화 『불새』를 소재로 한 몰입형 전시, 가부키, 라쿠고 — 이것들은 이미 광범위하게 검증된 일본 문화 콘텐츠다. 대중적이고 친숙하다. 진정한 실험은 아직 검증되지 않은 것, 실패 가능성을 내포한 것을 무대에 올리는 일이다. 개관 시즌에 그런 모험은 보이지 않았다.

이것을 단순한 비판으로 읽기는 어렵다. 새로운 기관이 첫 시즌에 안정적인 라인업으로 관객 기반을 확보하는 것은 합리적인 전략이다. 그러나 '실험적 뮤지엄'이라는 자기 규정이 선언에 머물 것인지, 실제 프로그램 선택에서 구현될 것인지는 두 번째, 세 번째 시즌에서 판가름 난다. 개관 시즌의 라인업은 그 판단을 유보하게 만드는 수준이다. 나쁘지 않지만, 실험적이라고 부르기에는 아직 이른것 같다.

지금 단정할 수 없는 것들

MoN 타카나와는 여러 지점에서 기존 뮤지엄과 다른 선택을 했다. 독립 재단 거버넌스 구조, 저층 목구조의 건축 언어, 이름과 장소와 아이덴티티의 개념적 통합, 컬렉션 없는 운영 방식, 장르 위계를 두지 않는 큐레이션 구조. 나열하고 보면 이것들은 단순한 차별화 전략이 아니다. 기존 뮤지엄이 오랫동안 답하지 못한 질문들 — 누구를 위한 기관인가, 무엇을 보존하고 무엇을 실험할 것인가, 도시 개발과 문화 기관은 어떻게 공존할 수 있는가 — 에 대해 말이 아니라 설계로 응답한 것이다. 그 응답들이 개별적으로 흩어지지 않고 하나의 방향 아래 통합되어 있다는 점은, 이 기관이 단기적 인상보다 장기적 입장을 먼저 구축하려 했음을 시사한다.

그러나 두 가지 질문은 아직 열려 있다. 첫째, 부동산 개발 논리와의 긴장이 장기적으로 프로그램에 어떻게 작용할 것인가. 재단 구조가 그 긴장을 실질적으로 차단할 수 있는지, 아니면 시간이 지나면서 보이지 않는 조율이 일어나는지는 지금으로서는 알 수 없다. 둘째, '실험'이 개관 선언으로 머물 것인지 실제 선택으로 이어질 것인지. 바비칸과 테이트 모던도 개관 당시 실험적 기관을 자처했다. 그러나 수십 년이 지난 지금, 두 기관 모두 제도화의 무게를 완전히 피하지 못했다. MoN이 그 궤적을 반복하지 않으려면, 익숙하고 안전한 선택을 반복하지 않는 시점이 와야 한다.

2026년 3월 28일, MoN은 문을 열었다. 설계의 완성도와 출발의 방향은 나쁘지 않다. 다만 지금까지 보이는 것은 좋은 출발선이다. 이 기관이 스스로 붙인 이름 — 문(門)이자 물음(問) — 에 걸맞은 선택을 실제로 해 나아가는지를 판단할 수 있는 시점은 지금으로부터 몇 년 뒤가 될 것이다.

https://montakanawa.jp/

https://www.pentagram.com/work/mon-takanawa-the-museum-of-narratives

헤리티지의 공간화: Louis Vuitton Hotel London

Wed, 29 Apr 2026 12:47:00 GMT

모노그램 130주년 런던 메이페어 버클리 스퀘어 28번지의 조지아 시대 타운하우스, 한때 모튼스 프라이빗 클럽이었던 이 건물은 2026년 4월 24일부터 두 달간 루이 비통의 임시 호텔이 되었다. 숙박은 불가능하다. 그러나 단순한 팝업 전시로 규정하기에는 부족하다. 이 프로젝트는 공간을 통한 브랜드 서사의 재구성이라고 전한다. 기획의 출발점은 1896년 조르주 비통이 루이 비통에게 헌정한 모노그램 패턴, 130년 후 메종은 이를 제품이 아닌 건축으로 번역했다. 아시아와 미국을 거쳐 런던에서 마지막 유럽 스테이지를 맞이했다. 조지아 타운하우스라는 장소 선택은 시간의 층위를 내포한 구조를 활용하기 위한 전략이다.

@louisvuitton

공간 설계의 핵심 원리는 단순하다. 하나의 가방이 하나의 층을 구성한다. 입구는 킵올 로비(Keepall Lobby)다. 1930년 출시된 소프트 캐리올 백의 유연성과 경량성이 공간 전체에 반영된다. 아카이브 이미지가 걸려 있고, 계단은 의도적으로 마모된 질감을 띤다. 시간의 흔적을 연출된 물성으로 체험하게 한다. 프론트 데스크와 캘리그래피 엽서 프로그램, 주말 즉흥 시 이벤트가 운영된다고 한다. 호텔 체크인이라는 행위를 차용하되 장인성과 서사를 결합한 구조라 전한다. 지하는 바 노에(Bar Noe)다. 샴페인 병 다섯 개를 담기 위해 설계된 노에 백의 기원을 공간으로 변환했다. 낮에는 조용한 바, 밤에는 DJ 프로그램이 운영된다. 기능적 기원이 공간 경험으로 확장된 것이다. 2층은 카페 알마(Cafe Alma)다. 아르 데코 기반의 구조적 미학을 반영한 공간이다. 제철 식재료 기반 메뉴와 애프터눈 티가 제공된다. 정돈된 테이블과 자연광 속에서 알마 백의 형태적 언어가 공간 질서로 전환된다. 3층은 스피디 룸(Speedy Room)과 스피디 P9 세이프 룸으로 구성된다. 1930년대의 역동성과 현대 컬렉션이 병치된다. Pharrell Williams가 참여한 P9 라인의 제작 과정이 전시된다. 과거와 현재의 시간축이 동일 평면에 공존한다. 같은 층에는 향수 및 뷰티 공간이 있다. Pierre-Émile Legrain의 아르 데코 화장대를 재현했다. 가스통 루이 비통이 의뢰했던 가구 오브젝트가 다시 등장하기도 한다. 패션과 가구, 향수가 하나의 생활 미학으로 통합된다. 최상층은 네버풀 짐(Neverfull Gym)다. 가방이 웨이트 장비로 전환된다. 미니 바벨이 장착된 네버풀은 기능이 아닌 개념적 유머를 보여준다. 럭셔리 공간에서 드문 가벼움이 전체 서사의 균형을 조정한다. 1층에는 리페어 데스크가 있다. 현장 수선과 개인화 서비스가 제공된다. 제작 행위를 전시 내부로 편입시킨다. 장인정신을 추상적 가치가 아닌 실시간 행위로 가시화한다.

@louisvuitton

이번 특별한 두달간의 팝업은 Pietro Beccari는 호텔 사업 확장이 아님을 명확히 했다. 여행과 동행해온 브랜드 정체성을 공간으로 재해석한 실험이라 전한다. 파리에 예정된 상설 호텔과는 별개의 맥락이다. 제품 중심 관계에서 경험 중심 관계로의 전환, 럭셔리 시장의 수요 둔화 속에서 이 프로젝트는 방향성을 제시한다. 소비는 물건에서 경험으로 이동한다. 문화적 참여와 관계 형성이 중요해진다고도 했다. 이 공간은 130년의 시간을 연대기가 아닌 동선으로 변환한다. 두 달 후 공간은 사라지지만 경험은 잔존한다고 이들은 말했다. 가방이 방이 되는 가능성, 브랜드 역사가 이동 경로가 되는 구조, 장인의 손이 현재 진행형 서비스가 되는 순간 사라짐이 아니라 기억의 강화 방식이 된다고 전한다.

https://uk.louisvuitton.com/eng-gb/magazine/articles/louis-vuitton-london-hotel

희망은 어떻게 만들어지는가_알토대학교 ‘Laboratory of Hope’

Tue, 28 Apr 2026 14:32:55 GMT

핀란드의 알토 대학교에서 열린 전시 ‘희망 연구소 Laboratory of Hope’는 우리가 익숙하게 생각해온 ‘희망’의 개념을 다시 묻게 만든다. 보통 희망은 미래에 대한 기대나 긍정적인 감정으로 이해되지만, 이 전시는 희망을 단순한 감정이 아닌 행동과 선택 속에서 만들어지는 과정으로 바라본다.

이미지: 알토대학교

2026년 2월 5일부터 3월 27일까지 알토대학교 마르시오Marsio 건물에서 진행된 이 전시는 하나의 주제를 설명하기보다, 다양한 분야 사람들이 각자의 방식으로 희망을 해석하고 실천하는 모습을 보여주는 데 집중했다. 패션, 인공지능, 양자기술, 창업, 환경 연구까지 서로 다른 영역이 한데 모이며, 희망이라는 개념이 얼마나 다양한 연구 분야에서 찾을 수 있는지 공유했다.

사람들의 이야기로 구성된 전시

사진: Mikko Raskinen

이 전시의 가장 큰 특징은 ‘작품 중심’이 아니라 ‘사람 중심’으로 구성되었다는 점이다. 관람객은 전시장 안에서 연구자와 디자이너들의 초상 사진을 마주하게 되고, 그 옆에는 각자의 이야기와 생각이 텍스트와 영상으로 이어진다. 각 참여자는 자신이 무엇을 연구하거나 만들고 있는지, 왜 그것이 중요한지, 그리고 그 안에서 어떤 희망을 발견 하는지를 직접 설명한다. 이러한 구성은 전시를 단순한 결과물 감상이 아니라, 생각의 흐름을 따라가는 경험으로 만든다.

몸과 옷을 통해 드러나는 희망

패션 디자이너 엔니 레흐데린네 (Enni Lähderinne)의 작업은 전시에서 가장 직관적으로 감각에 다가온다. 그녀는 수백 시간 동안 손으로 프린지를 묶어 만든 의상을 통해, 이루어지지 못한 꿈을 시각화 한다.

사진: Aava Eronen

이 작업은 할머니의 삶에서 출발한다. 오페라 가수를 꿈꿨지만 다른 길을 살게 된 이야기. 그녀는 그 ‘실현되지 않은 가능성’을 현재로 다시 불러온다. 또한 그녀는 몸의 다양성에 주목한다. 성장기 동안 척추 질환으로 보조기를 착용했던 경험은 그녀에게 옷과 몸의 관계를 다르게 보게 만들었다. 그 결과, 그녀의 디자인은 기존의 아름다움 기준을 깨고, 다양한 몸을 위한 새로운 형태를 제안한다. 이때 희망은 미래를 기다리는 것이 아니라, 지금 다른 가능성을 만들어내는 행위로 나타난다.

이해에서 시작되는 희망

박사과정 연구자 알리 살룸 (Ali Salloum)은 정치적 양극화를 연구한다. 사람들 사이의 갈등과 분열을 데이터와 인공지능으로 분석하는 작업이다. 이 연구는 다소 무겁게 느껴지지만, 그는 그 안에서 희망을 발견한다. 그 이유는 단순하다. 이해하면 덜 두렵기 때문이다. 복잡한 사회 현상도 구조를 알게 되면 설명 가능한 문제가 된다. 그 순간 우리는 문제를 다르게 바라볼 수 있게 되고, 해결의 가능성도 생긴다. 그에게 희망은 감정이 아니라 세상을 이해하려는 노력에서 만들어지는 것이다.

희망은 항상 긍정적인가?

연구자 요한나 아홀라-라우노넨 (Johanna Ahola-Launonen)은 희망을 보다 비판적으로 바라본다. 그녀는 ‘기술이 모든 문제를 해결해 줄 것’이라는 믿음을 연구하며, 그것이 오히려 문제를 늦출 수 있다고 지적한다. 우리는 종종 미래의 기술이 환경 문제나 사회 문제를 해결해 줄 것이라고 기대한다. 하지만 현실에서는 효율이 높아질수록 소비가 더 늘어나는 경우가 많다. 그녀는 희망이 때로는 우리를 안심시키고 아무것도 하지 않게 만드는 힘이 될 수 있다고 말한다. 그래서 중요한 것은 희망의 존재가 아니라, 그 희망이 우리를 움직이게 하는지, 아니면 멈추게 하는지이다.

사진: Mikko Raskinen

과학과 기술이 만드는 현실적인 변화

전시는 동시에 과학과 기술이 만들어내는 구체적인 변화도 함께 보여준다. 호세 라도 (Jose Lado)는 자연에는 아직 존재하지 않지만 이론적으로 가능한 양자 물질을 연구한다. 이러한 연구는 미래의 양자 컴퓨터로 이어질 가능성을 가진다. 지안청 양 (Jiancheng Yang)은 인공지능을 활용해 폐암을 더 빠르게 진단하는 기술을 개발하고 있다. 기존에는 몇 분이 걸리던 판독이 몇 초 안에 이루어지며, 더 많은 사람들에게 검사 기회를 제공할 수 있다.

사진: Mikko Raskinen

또한 모니카 외스터베리 (Monika Österberg)는 나무 속 리그닌이라는 물질을 활용해 새로운 소재를 개발한다. 지금까지는 대부분 태워지던 자원을, 더 가치 있는 방식으로 사용하는 연구다. 이러한 사례들은 희망이 단순한 감정이 아니라 실제 기술과 연구를 통해 만들어지고 있다는 점을 보여준다.

함께 만들어지는 희망

에발트 키블러 (Ewald Kibler)는 창업과 희망의 관계를 강조한다. 창업가는 먼저 자신이 원하는 세상을 상상하고, 그것을 현실로 만들기 위해 행동하는 사람이다.

또한 하이키 니에미넨 (Heikki Nieminen)은 의료 기술 혁신 프로그램을 통해 실제 병원에서 필요한 문제를 해결하는 작업을 이끌고 있다. 이러한 과정에서 젊은 연구자들과 학생들의 역할은 매우 중요하다. 그는 미래에 대한 희망을 어디에서 찾느냐는 질문에, 젊은 세대의 가능성을 가장 먼저 떠올린다.

사진: Mikko Raskinen

공간으로 경험하는 희망

이 전시는 텍스트와 연구만으로 구성되지 않는다. 미디어 아티스트 니코 티아이넨 (Niko Tiainen)의 빛과 사운드 설치는 전시 공간 전체를 하나의 감각적인 경험으로 만든다.

또한 전시에는 아리 펠코넨 (Ari Pelkonen), 이스모 횔퇴 (Ismo Hölttö), 엘리나 브로테루스 (Elina Brotherus), 헬리 레쿨라 (Heli Rekula), 티이나 잇코넨 (Tiina Itkonen) 등의 작품이 함께 소개되며, 희망이라는 개념을 개인의 이야기에서 역사적 맥락으로 확장시킨다.

사진: Mikko Raskinen

‘Laboratory of Hope’는 하나의 답을 제시하지 않는다. 대신 다양한 질문을 남긴다. 희망은 감정일까, 행동일까?, 희망은 개인의 것일까, 사회의 것일까?, 우리는 희망을 기다리고 있을까, 아니면 만들고 있을까? 전시는 희망이 이해하고, 선택하고, 행동하는 과정 속에서 만들어지는 것 이라고 이야기한다.

https://www.aalto.fi/en/events/laboratory-of-hope-exhibition

왜 철도 회사가 뮤지엄을 짓는가 I

Mon, 27 Apr 2026 07:36:54 GMT

1910년, 오사카 외곽의 황무지를 가로지르는 전철 노선 하나가 놓였다. 당시 경영을 맡은 고바야시 이치조(小林一三)는 개통 전부터 연선 토지를 매입하고, 개통과 동시에 그 땅을 일본 최초로 ‘할부’라는 방식으로 주택지를 분양했다. 논리는 단순했다. 사람이 모여 살면 전철을 타고, 역 이용자가 늘면 역 앞에 상점이 생긴다. 상점은 다시 사람을 끌어들이고, 그 사람들은 다시 전철을 탄다. 이 순환논리는 자연발생이라기보다는 의도적으로 설계된 흐름이었다.

흔히 “승객은 전철이 창조한다[乗客は電車が創造する]”는 말로 요약되는 한큐(阪急) 창업자 고바야시 이치조의 전략은 수요에 대한 수동적 태도의 거부를 의미한다. 수요가 있는 곳에 인프라를 놓는 것이 아니라, 인프라가 먼저 놓이고 그 위에 수요가 형성된다는 논리이다. 그는 전철이 단순 이동수단이 아니라 사람의 배치와 행동을 조직하는 장치임을 백년 전부터 꿰뚫고 있었다는 것이다.

고바야시는 연선 종점에 동물원과 온천을 조성하고, 다카라즈카 가극단을 창단했다. 그 공연을 보기 위해 사람들이 전철을 타도록 하기 위해서였다. 1929년에는 오사카 우메다역에 일본 최초의 역내 백화점을 열어 이동과 소비가 동시에 발생하는 구조를 구축했다.

문화는 이 모델에서 부가 요소가 아니었다. 다카라즈카 가극단은 적자를 기록한 시기도 있었지만, 공연은 사람을 특정 시간과 장소로 집중시키고, 그 이동은 전철 이용으로 이어지며, 방문객은 주변에서 소비를 발생시킨다. 이때 중요한 것은 개별 사업의 수익성이 아니라, 전철·상업·주거를 관통하는 유동인구의 총량이다. 문화는 그 흐름을 반복적으로 생성하는 장치였고, 따라서 뮤지엄·극장·공원은 부가 사업이 아니라 승객을 만들어내는 상류 장치로 편입된다. 이 구조에서 문화는 비용이 아니라, 수요를 생산하고 순환을 유지하기 위한 투자였다.

하나의 모델이 일본 전역으로

고바야시의 방식은 빠르게 확산됐다. 고토 게이타가 이끈 도큐는 도쿄 서남부에 동일한 논리를 적용했고, 연선 토지 확보와 교육 시설 유치를 통해 ‘전원도시’라는 주거 벨트를 형성했다. 이후 세이부, 오다큐, 긴테쓰 등이 이를 따르면서, 백화점·학교·병원·극장·뮤지엄이 철도회사 계열사로 편입되는 구조가 일본 사철의 표준이 됐다.

이 모델이 성립할 수 있었던 배경에는 전후 일본의 도시 팽창이 있었다. 고도성장기 동안 대도시 주변 인구가 급격히 증가하면서 연선 주택 수요는 지속적으로 유지됐다. 즉, 인프라가 먼저 구축되면 그 위로 생활이 따라붙는 조건이 존재했다. 이 전제가 없었다면 ‘수요를 설계한다’는 논리는 작동하기 어려웠다.

1987년 일본 국유철도가 민영화되어 JR 각사로 분리되면서 이 구조는 또 한 번 전환된다. 공공 인프라 조직이 스스로 수익 구조를 설계해야 하는 상황에 놓이면서, JR 동일본은 ‘역의 재정의’라는 전략을 선택한다. 역을 단순한 승하차 지점이 아니라 체류와 소비가 발생하는 목적지로 전환하는 것, 즉 에키나카 상업 공간의 본격화가 그 출발점이었다.

이 흐름 속에서 2007년 사이타마 오미야에 개관한 철도박물관은 단순한 기념 시설이 아니라 연선에 방문 목적지를 심는 장치로 작동했다. 개관 2년 만에 300만 명을 돌파한 성과는, ‘목적지를 만들면 이동이 발생한다’는 100년 전 논리가 여전히 유효함을 보여준다. 그리고 이 모델이 현재형으로 구현된 것이 ‘MoN 타카나와’다.

개발의 앵커로서의 뮤지엄

다카나와 게이트웨이 시티는 JR 동일본이 약 13헥타르 규모의 옛 화물 야적장 부지에 조성한 복합 개발이다. 오피스·주거·상업·호텔·연구시설이 결합된 이 프로젝트에서, MoN은 문화적 앵커로 배치된다. 역 바로 옆, 도착과 동시에 시야에 들어오는 위치다.

이 배치는 과거 고바야시가 역 앞에 백화점을 세운 것과 구조적으로 동일하다. 다만 그 자리에 들어선 것이 상업시설이 아니라 뮤지엄이라는 점에서, 모델은 한 단계 더 진화한 형태를 보인다.

거버넌스 구조
운영 구조는 세 층위로 구성된다. 모기업인 JR 동일본이 기반 인프라를 제공하고, 문화혁신재단이 독립 법인으로서 운영을 담당하며, MoN은 그 산하 기관으로 존재한다.
이 중간 재단은 중요한 역할을 한다. 모기업의 단기 수익 압력이 큐레이션에 직접 개입하지 않도록 완충하는 장치다. 국제 파트너십이나 장기 프로그램이 가능해지는 것도 이 구조 덕분이다.
그러나 구조를 그대로 읽으면 또 다른 사실도 드러난다. MoN은 대규모 부동산 개발의 일부이며, 도시의 브랜드 가치와 유동인구를 형성하는 역할을 맡는다. 재단이 완충 장치로 설계되어 있다 해도, 그 배경 논리가 사라지는 것은 아니다.

이 거버넌스 구조는 뮤지엄에게는 강점이다. 독립 재단이 운영 주체라는 것은 큐레이션이 단기 수익 계산에 직접 종속되지 않는다는 뜻이다. 그러나 구조를 있는 그대로 보면 하나의 사실도 함께 보인다. MoN은 다카나와 게이트웨이 시티라는 대규모 부동산 개발의 일부다. 이 도시의 브랜드 가치를 높이고, 유동인구를 만들고, 결과적으로 JR 동일본의 자산 가치에 기여하는 것이 기관의 배경 논리에 있다. 재단이 그 압력을 차단하도록 설계되어 있다고는 해도, 그 압력 자체가 사라지는 것은 아니다.

내재된 긴장 — 그리고 역사적 맥락

문화 기관이 자본이나 권력과 무관하게 존재한 적은 역사적으로 드물다. 메디치 가문이 르네상스 예술을 후원한 것도 순수한 취향의 발현이라기보다는 도시의 권력과 질서를 조직하기 위한 전략에 가까웠고, 록펠러가 MoMA를 지원한 것 또한 단순한 기부 행위를 넘어 새로운 문화적 기준과 도시의 위상을 형성하는 투자의 형태였다. 문화 기관은 언제나 무언가와 관계를 맺으면서 존재한다.

JR 동일본의 경우, 그 관계는 부동산 개발과 연선 이용객 창출이다. 이것이 MoN의 큐레이션에 어떤 방향으로 작용할지는 지금 시점에서 판단하기 이르다. 재단 구조가 그 영향을 실질적으로 완충할 수 있는지, 아니면 구조는 독립적이어도 장기적으로 어떤 조율속에서 얼마나 실험적인 큐레이션을 할수 있는지는 조금 더 시간이 지나봐야 할 수 있을것이다. 이러한 내재된 긴장은 ‘MoN’이 풀어야 할 실질적인 과제로 남는다. 뮤지엄이 무엇을 선택하고 무엇을 거부하는지, 개발 논리로부터 얼마나 독립적으로 작동할 수 있는지.

왜 일본 철도 회사는 뮤지엄을 짓는가? 답은 분명하다. 수요를 만들어내는 논리의 진화다. 다만 중요한 것은, 그 논리가 2026년에 선택한 형태가 단순한 부속 시설이 아니라 독립 재단이 운영하는 ‘실험적 뮤지엄’이라는 점이다. 이 선택이 실제로 무엇을 의미하는지는, ‘MoN’의 건축·아이덴티티·큐레이션의 구체적 내용 속에서 시간의 축에 기대어 천천히 검증되어야 할 것이다.

다음 편

2편 — '실험적 뮤지엄'이라는 말은 얼마나 진지한가 : 건축·아이덴티티·큐레이션으로 읽는 MoN

https://kageki.hankyu.co.jp/english/about

https://www.takanawagateway-city.com

https://montakanawa.jp/

리뉴얼을 통해 경험 중심 공간으로 확장된 PSR: 40 Duke, Selfridges London

Sat, 25 Apr 2026 11:41:25 GMT

전통적인 백화점에서 퍼스널 쇼핑은 기능적인 서비스였다. 고객은 예약된 시간에 방문하고 스타일리스트의 제안을 받아 상품을 구매하는 흐름 속에 놓였다. 이 과정에서 공간은 단지 서비스를 수행하기 위한 배경에 불과했다. 그러나 Selfridges London이 선보인 40 Duke는 이 구조를 근본적으로 바꾼다. 이곳에서 퍼스널 쇼핑은 더 이상 특정한 행위가 아니라 머무르고 관계를 형성하는 하나의 환경으로 확장된다. 40 Duke는 약 25000 제곱피트 규모의 공간으로 개인 쇼핑 스위트와 라운지와 바와 프라이빗 다이닝과 테라스와 갤러리 기능을 함께 담고 있다. 이 구성은 백화점 내부에 또 다른 집을 만드는 전략으로 읽힌다. 고객은 이곳에서 구매를 목표로 이동하기보다 시간을 보내고 경험을 쌓으며 자연스럽게 소비에 이르게 된다. 즉 소비는 출발점이 아니라 결과가 된다고 했다.

@Lucia Bell-Epstein @Selfridges

이 프로젝트의 디자인은 여러 협업을 통해 만들어졌다 전한다. 건축은 Alex Cochrane Architects가 맡았고 인테리어는 Studio Ashby가 주도했다. 또한 The Future Perfect가 참여해 컬렉터블 디자인 오브제를 큐레이션했다. 이러한 구조는 공간을 단일한 스타일로 규정하기보다 다양한 취향이 공존하는 주거적 풍경으로 만든다. 1970년대 감성의 가구와 현대 디자인 오브제가 함께 배치되며 상업 공간과 갤러리의 경계는 흐려진다. 마블과 코르크와 스테인리스 스틸의 조합은 따뜻함과 산업적 질감을 동시에 드러내며 공간에 깊이를 더한다.

40 Duke에서 중요한 요소는 디자인에만 머물지 않는다. 음식과 다이닝 경험은 이 공간의 핵심 구조를 이루는 또 하나의 축이다. 프라이빗 다이닝 룸과 바와 시즌 기반 메뉴는 고객이 단순히 쇼핑을 하는 것이 아니라 머무르고 교류하도록 유도한다. 식사는 쇼핑 사이의 휴식이 아니라 체류 시간을 확장시키는 장치로 작동한다. 고객은 스타일리스트와 대화를 나누며 식사를 하고 동반인과 함께 시간을 보내며 공간을 경험한다. 이 과정에서 리테일은 점점 호스피탈리티의 성격을 띠게 된다.

이러한 경험은 치밀하게 설계된 서비스 저니를 통해 완성된다. 고객은 사전 예약을 통해 도착하고 컨시어지의 응대를 받으며 일반 방문객이 아닌 클럽의 구성원으로 전환된다. 라운지에서의 웰컴 드링크와 자연스러운 대화는 긴장을 해소하고 공간에 적응하도록 만든다. 이후 개인 쇼핑 스위트에서 이루어지는 경험은 판매 중심이 아니라 큐레이션 중심으로 진행된다. 스타일리스트는 상품을 제시하기보다 고객의 취향을 해석하고 제안한다. 그 다음 단계에서 고객은 다이닝과 사교 활동을 통해 경험을 확장한다. 방문 이후에도 관계는 유지되며 이벤트와 프리뷰와 개인화된 제안을 통해 지속된다. 이 전체 흐름은 구매를 중심으로 하지 않고 관계를 중심으로 설계되어 있다.

@Lucia Bell-Epstein @Selfridges

결국 40 Duke는 퍼스널 쇼핑을 서비스가 아닌 환경으로 재정의한다. 디자인은 머무르고 싶은 이유를 만들고 음식은 시간을 확장시키며 서비스는 관계를 지속시킨다고 전한다. 이 세 가지 요소는 분리되지 않고 하나의 경험으로 작동한다. 그 결과 리테일은 더 이상 상품을 판매하는 장소가 아니라 사람들이 시간을 보내고 관계를 형성하는 플랫폼으로 변화한다.

이 프로젝트는 백화점의 미래에 대한 명확한 방향을 제시한다. 오프라인 공간은 온라인이 대체할 수 없는 경험을 제공해야 하며 그 핵심은 감정과 관계에 있다고 덧붙였다. 40 Duke의 퍼스널 쇼핑은 더 이상 구매를 돕는 기능이 아니라 사람과 브랜드를 연결하는 공간적 장치가 된다는 점에서 또하나의 시사점을 남긴다.

https://www.wallpaper.com/travel/shops/40-duke-selfridges

https://www.selfridges.com/GB/en/stores/40-duke/

태국의 대표 친환경 플랫폼 ‘에코토피아(ECOTOPIA)’가 넥스토피아(NEXTOPIA)로 이전되어

Thu, 23 Apr 2026 03:43:38 GMT

씨암 파라곤(Siam Paragon)은 개관 20주년을 맞아 "NEXTOPIA: Prototype for the World of Tomorrow" 를 런칭했다. 단순한 쇼핑몰 확장이 아니라 씨암 파라곤이 "내일의 세계를 위한 프로토타입"으로 설계한 세계 최초의 공동 창조(co-creation) 목적지로 우리가 살고, 쇼핑하고, 지속 가능성과 관계 맺는 방식 자체를 재편하겠다는 목표로 만들어졌다. 씨암 파라곤이 50개 이상의 혁신 파트너, 30개 이상의 지속 가능성 커뮤니티 그리고 UN, UNDP BIOFIN, UNICEF, WWF, 세계식량계획(WFP) 등 주요 국제기구들과 협력해 만든 공간이다. 씨암 파라곤의 총 투자 규모는 8억 5천만 태국 밧(약 2,640만 달러)에 달한다.

핵심 철학은 "Co-creating Communities for a Better World" 로 소비 공간을 세상을 바꾸는 메커니즘으로 전환하겠다는 것이다. 방문객이 단순히 구경하는 것이 아니라 더 나은 세계를 함께 만드는 데 직접 참여하도록 초대받는 열린 플랫폼으로 설계되었다. 공간 자체도 지속 가능성의 증거다. 태양광 루프탑 시스템, 복사 냉각 바닥(Radiant Cooling Floor), 발걸음을 전기로 변환하는 키네틱 플로어(Kinetic Floor), 16미터 높이의 실내 폭포가 설치되어 있으며 건축 자재 하나하나까지 무독성 특수 페인트, 재활용 가능한 목재, 플라스틱, 금속으로 구성되어 있다. 더불어 2025년 태국 최초의 Fitwel 2-Star 인증을 받은 복합 상업시설이기도 하다.

씨암 파라곤 내 넥스토피아와 에코토피아 전경 - 출처 : 본인 직접 현장 촬영

씨암 파라곤 내 에코토피아 플랫폼 상품 전경 - 출처 : 본인 직접 현장 촬영

에코토피아(ECOTOPIA)의 역사와 정체성

에코토피아는 씨암 피왓(Siam Piwat)이 2017년 씨암 디스커버리(Siam Discovery)에 처음 오픈한 태국 최초이자 최대의 에코 라이프스타일 멀티브랜드 스토어이다. 에코토피아는 일상 속에서 환경 의식을 키우고 환경 회복을 장려하기 위해 개발된 브랜드이며 씨암 피왓의 'Siam Piwat 360° Waste Journey to Zero Waste' 프로그램 안에서 재활용 수거 센터(RCC)를 운영하고 있다. 여기서 업사이클된 제품 일부가 에코토피아에서 판매되기도 한다.

넥스토피아로 이전되기 이전에 씨암 디스커버리의 에코토피아가 처음 대규모 확장되었을 때 12명의 에코 공동 창작자들이 이 공간을 함께 만들었다. 현재 넥스토피아 내 에코토피아는 Upcycled, Zero-Waste, Hygienic, Beautiful, Stylish, Kids, Green, Wellness의 8개 카테고리로 구성된 지속 가능 제품 큐레이션 공간으로, 로컬 중소기업(SME)부터 글로벌 브랜드까지 환경 의식 있는 기업가들의 제품을 모아 선보이고 있다. 이곳은 아시아 리테일 전문 매체 Inside Retail이 선정한 '아시아 20대 쿨레스트 리테일러(Asia's 20 Coolest Retailers)' 에 이름을 올리기도 했다.

특히 공간 디자인 자체도 재활용의 산물이라고 할 수 있다. 리테일 제품뿐 아니라 넥스토피아 공간의 건축과 설치 디자인 자체가 재활용 철학을 담고 있다. 씨암 파라곤의 4층, 5층, 5A층을 잇는 조각적 계단은 자연에서 영감을 받은 디자인에 업사이클 소재로 만든 예술 작품이 결합되어 있다. The Forest Canopy와 The Ocean Canopy는 재활용 소재와 해양 폐기물로 제작된 전위적인 실내 설치물로 지속 가능성을 시각 예술로 전환한 사례이다. 특히 해양 폐기물로 만든 대형 아트 설치물은 지역 장인들이 제작에 참여했으며 태국 해안 공동체를 지원하는 의미도 함께 담겨 있는 부분에 주목할 수 있다.

씨암 파라곤 내 에코토피아 플랫폼 상품 전경 - 출처 : 본인 직접 현장 촬영

주요 디자인 브랜드 및 디자이너

- 도이퉁(Doi Tung) : 매 파 루앙 재단 태국 왕실 재단이 운영하는 브랜드로 북부 산악 지역 소수민족 공동체의 전통 공예와 지속 가능 농업을 기반으로 한 라이프스타일 제품을 생산한다. 커피, 마카다미아, 수공예 직물 등이 대표 품목이다.

- 쌕아이템 업사이클링 백(Sackitem Upcycle Bag) : 타나락 와랄리따논이 설립한 태국 최초의 업사이클 브랜드. 시멘트 포대, 얼음 포대, 쌀 포대 등 건설 현장에서 버려지는 포대를 세척·가공해 백팩과 가방을 만든다. 연간 4~5톤의 쓰레기를 줄이는 효과를 낳고 있으며 씨암 디스커버리 에코토피아의 베스트셀러 제품으로 자리 잡아 해외에서도 인지도를 얻었다.

- 쑷타나(Sudtana) : 2019년 설립한 태국 천연 뷰티 브랜드로 태국 전역의 소규모 농장과 직접 협력해 유기농, 친환경 방식으로 재배된 원료를 사용한다. 조부로부터 전해 받은 전통 허브 처방을 현대 과학으로 재해석한 스킨케어, 헤어케어 제품을 선보이고 있다.

- 프리시어스 플라스틱 방콕(Precious Plastic Bangkok) : 전 세계적인 오픈 소스 재활용 플라스틱 운동의 방콕 지부로 수거된 플라스틱을 녹여 새로운 제품과 가구를 만드는 업사이클 디자인 작업을 한다.

그 외 MIIR, Sedar.W, Shima Par, Somuti 등의 브랜드가 에코토피아의 큐레이션 라인업에 포함되어 있다.

씨암 파라곤 내 에코토피아 플랫폼 상품 전경 - 출처 : 본인 직접 현장 촬영

넥스토피아는 쇼핑몰을 단순 소비 공간이 아닌 지속 가능성을 체험하고 배우는 플랫폼으로 재정의했다. 디자인이 단순히 제품 차원을 넘어 공간·건축·인프라 전체에 구현되어 있다는 점이 특징적이다. 특히 로컬 SME와 글로벌 기관의 협업 모델로 디자인 교육 없이 시작한 개인 크리에이터가 에코토피아 플랫폼을 통해 태국을 대표하는 업사이클 브랜드로 성장할 수 있게 한다. 이는 큐레이션 리테일이 어떻게 디자인 생태계를 키울 수 있는지를 보여준다. 더불어 KMITL 대학교의 씽 인트라추토(Singh Intrachooto) 박사가 넥스토피아의 수석 지속 가능성 자문으로 참여하고 있어 학계, 산업, 리테일의 연결 고리 역할을 하고 있다는 점도 주목할 점이다.

내용 참고 및 자료 출처

https://www.siamdiscovery.co.th/ecotopia/

https://www.facebook.com/NEXTOPIAWorld/

https://www.facebook.com/EcotopiaTH/

https://www.facebook.com/Sackitem/

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