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코펜하겐에서 만난 핀란드 디자인_3days of design 2026

Sun, 28 Jun 2026 12:12:02 GMT

매년 6월 덴마크 코펜하겐에서 열리는 3daysofdesign은 세계 디자인계가 주목하는 대표적인 디자인 페스티벌 가운데 하나다.

2013년 시작된 이 행사는 현재 400여 개가 넘는 브랜드와 수백 개의 전시 및 프로그램이 도시 전역에서 펼쳐지는 북유럽 최대 규모의 디자인 행사로 자리 잡았다. 올해의 주제는 ‘Make This Moment Matter’, 즉 '지금 이 순간을 의미있게' 라는 덴마크인의 삶의 태도를 보여주는 주제이다. 디자인 페스티벌에서는 제품을 전시하는 것을 넘어 디자인이 사람과 사회, 그리고 일상 속에서 어떤 의미를 만들어낼 수 있는지에 초점을 맞췄다.

사진: 3daysofdesign

올해 행사에서 특히 주목할 만했던 것은 핀란드 브랜드들의 접근 방식이었다. 신제품을 경쟁적으로 발표하기보다, 놀이, 문화, 대화, 공동체를 중심으로 한 전시가 많았으며, 여러 브랜드가 함께 하나의 이야기를 만들어가는 협업 프로젝트가 두드러졌다.

놀이에서 시작된 핀란드 디자인 'PLAYROOM'

올해 핀란드를 대표하는 프로젝트 가운데 하나는 PLAYROOM이었다. 핀란드 브랜드 Durat, Finarte, Johanna Gullichsen가 함께 기획한 이번 전시는 Helsinki Partners와 Finnish Design Info가 협력해 선보였다.

사진: 3daysofdesign

전시의 출발점은 알바 알토가 남긴 한 문장이었다.

“Don’t forget to play.”

사진: 3daysofdesign

PLAYROOM은 단순히 어린이를 위한 놀이 공간이 아니라, 실험과 호기심, 창의성을 디자인의 핵심 가치로 바라보는 핀란드 디자인 철학을 공간으로 풀어낸 프로젝트다. 관람객은 가구를 직접 만지고 움직이며 공간을 능동적으로 경험하도록 구성된 전시를 통해 결과보다 과정과 참여를 중요하게 생각하는 핀란드식 디자인 문화를 자연스럽게 체험할 수 있었다.

코펜하겐 도심 한가운데 세워진 Iittala 파빌리온

사진: Iittala

올해 행사에서 가장 많은 관심을 받은 설치 작품 가운데 하나는 Iittala의 프로젝트였다.

브랜드는 알바 알토가 디자인한 알토 유리 화병(Aalto Vase) 탄생 90주년을 기념해 코펜하겐 오펠리아 광장에 높이 약 7m의 Aalto Pavilion을 설치했다.

사진: Iittala

단순한 대형 조형물 설치를 넘어 관람객이 내부로 들어가 빛과 소리, 공간을 경험할 수 있도록 구성한 이번 프로젝트는 오랜 디자인 아이콘을 하나의 건축적 경험으로 확장한 사례였다. 제품을 전시하는 데 머무르지 않고 브랜드의 역사와 디자인 유산을 새로운 방식으로 전달했다는 점에서 많은 관심을 받았다.

공예와 디자인의 경계를 잇는 Lokal Gallery

헬싱키의 로칼 갤러리는 덴마크 핀란드 문화원(Finnish Cultural Institute in Denmark)과 함께 'A Prima Vista'라는 그룹전을 개최했다.

사진: Lokal Gallery

‘A Prima Vista’는 음악 용어로 ’초견 연주(first sight reading)’를 의미한다. 전시는 늦봄에서 초여름으로 이어지는 계절의 생명력을 주제로 디자이너와 공예가, 예술가 17명의 작품을 한 공간에 소개했다.

이번 전시는 큐레이터 카트야 하겔탐Katja Hagelstam의 기획 아래, 공예와 예술, 디자인의 경계를 자연스럽게 넘나 들며 핀란드 디자인 특유의 감성과 장인정신을 보여주었다. 작품뿐 아니라 공간 연출을 통해 핀란드의 라이프스타일과 공예 문화를 함께 소개했다는 점도 인상적이었다. 제품을 진열 하기보다 공간이 하나의 공예 전시를 보는 듯했다. 특히 작품 사이의 충분한 여백과 자연광을 활용한 공간 연출은 각각의 재료와 질감을 더욱 돋보이게 했다.

가구를 둘러싼 대화를 전시한 Vaarnii

핀란드 가구 브랜드 Vaarnii는 스웨덴 러그 브랜드 Kasthall과 함께 DESIGN/DIALOGUE 프로젝트를 선보였다.

사진: Vaarnii

행사 기간 동안 전시장 카페에서는 매일 아침 Breakfast Chats가 열렸으며, 디자이너와 브랜드 관계자들이 함께 디자인에 대해 이야기를 나누는 시간을 마련했다.

토론의 주제는 One-thingness, Taking the Long View, Perfectly Imperfect였다.

이번 프로젝트는 제품을 소개하는 데 그치지 않고 디자인을 둘러싼 담론을 공유하는 플랫폼을 지향했다. 지속가능성, 장기적인 관점, 자연 소재가 지닌 불완전성 등 오늘날 디자인이 고민해야 할 주제를 다양한 시각에서 제시하며 디자인의 사회적 역할을 함께 이야기했다.

사진: Vaarnii

조용한 공간으로 전한 핀란드의 미학

핀란드 가구 브랜드 Nikari는 코펜하겐 중심부의 Odd Fellow Palace에서 쇼룸을 운영했다. 전시장에는 Secto Design의 조명과 Woodnotes의 러그 및 텍스타일이 함께 배치되며 하나의 조화로운 공간을 완성했다. 화려한 연출보다 핀란드산 목재와 자연 소재의 아름다움을 차분하게 경험할 수 있도록 구성된 이번 쇼룸은 북유럽 디자인이 지닌 절제된 미학과 오랜 시간 사용할 수 있는 디자인의 가치를 전달했다.

사진: Nikari

핀란드 대사관에서 열린 북유럽 협업

또 하나 주목할 만한 프로젝트는 Scandinavian Design Embassy였다.

이 프로젝트는 2022년 시작된 Finnish Design Embassy를 기반으로 스웨덴과 노르웨이까지 참여 범위를 넓혀 발전한 북유럽 공동 플랫폼이다.

올해는 주덴마크 핀란드 대사관저에서 개최됐으며, 핀란드에서는 Finarte, Mifuko, Lapuan Kankurit이 참가했다.

행사는 국가별 브랜드를 소개하는 데 머무르지 않고 북유럽 디자인이 공유하는 가치와 지속가능성, 장인정신을 함께 보여주는 데 초점을 맞췄다. 자연 소재를 활용한 제품과 오래 사용할 수 있는 디자인, 그리고 일상의 아름다움을 제안하는 브랜드들이 한자리에 모여 북유럽 디자인의 정체성을 입체적으로 전달했다.

제품보다 ‘문화’를 보여준 핀란드

3daysofdesign에서 핀란드는 새로운 제품을 경쟁적으로 선보이기 보다 디자인이 만들어내는 문화와 경험에 주목했다. PLAYROOM은 놀이를 통해 창의성을 이야기했고, Lokal은 공예와 공간을 연결했으며, Vaarnii는 대화를 디자인의 일부로 제안했다. Scandinavian Design Embassy는 국가 간 협업을 통해 북유럽 디자인의 공통된 가치를 보여주었다.

밀라노 디자인위크가 신제품 발표와 브랜드 경쟁의 장이라면, 3daysofdesign은 디자인이 사람과 도시, 문화 속에서 어떻게 작동 하는지를 보여주는 축제에 가깝다. 올해 핀란드의 참여는 화려한 연출보다 자신들만의 디자인 철학을 차분하게 전달하는 데 초점을 맞췄으며, 이러한 접근은 오늘날 북유럽 디자인이 지향하는 방향을 잘 보여주는 사례였다.

https://www.3daysofdesign.dk/

셀프 캄(Self-Calm)의 시대

Thu, 25 Jun 2026 06:33:55 GMT

All Images ⓒ Konel Inc.

우리는 하루 종일 수많은 정보와 연결된 채 살아간다. 스마트폰 알림과 메신저, 이메일, SNS 피드까지. 기술은 사람과 사람을 연결하는 도구로 발전해왔지만, 동시에 끊임없이 반응하고 판단하도록 요구하는 환경을 만들어냈다. 언제 어디서든 연결될 수 있게 된 대신, 스스로에게 집중하는 시간은 점점 줄어들고 있다. 최근 몇 년 사이 웰니스 산업이 빠르게 성장하고 있는 것도 이러한 변화와 무관하지 않다. 명상 앱과 디지털 디톡스 프로그램, 마음챙김(Mindfulness) 서비스가 주목받는 이유 역시 정보 과잉 상태에서 벗어나고자 하는 욕구 때문이다. 하지만 대부분의 방법은 특정 장소를 방문하거나 별도의 시간을 확보해야 한다. 명상을 배우거나 휴양지로 떠나는 일은 분명 효과적이지만, 바쁜 일상 속에서 꾸준히 실천하기는 쉽지 않다. 그렇다면 보다 자연스러운 방식으로, 일상 속에서 스스로를 차분하게 만드는 방법은 없을까.

일본의 크리에이티브 컴퍼니 Konel은 이러한 질문에서 출발해 웨어러블 프로젝트 'Pulse Pack'을 개발했다. 2026년 밀라노 디자인 위크에서 공개된 이 프로젝트는 사용자의 심박을 읽어 그 절반의 속도로 진동하는 웨어러블 팩이다. 단순한 헬스케어 기기나 웨어러블 디바이스를 제안하는 것이 아니라, 자신의 몸과 감정에 다시 집중하도록 돕는 새로운 인터페이스를 실험한 프로젝트에 가깝다.

데이터를 보여주지 않는 웨어러블
Pulse Pack은 사용자의 심박을 읽어 그 절반의 속도로 천천히 진동한다. 언뜻 보면 일반적인 헬스케어 디바이스처럼 보이지만, 접근 방식은 상당히 다르다. 대부분의 웨어러블 기기는 심박수나 운동량, 수면 상태 등을 측정해 숫자와 그래프로 보여주는 데 집중한다. 사용자는 데이터를 확인하고 분석하며 자신의 상태를 이해한다.

반면 Pulse Pack은 데이터를 시각화하지 않는다. 사용자는 자신의 심박수를 확인할 수도 없고, 별도의 화면을 통해 정보를 받아들이지도 않는다. 대신 몸에 착용한 팩이 전달하는 느린 진동을 통해 자신의 리듬을 감각적으로 경험하게 된다. 이 웨어러블 팩은 사용자의 심박보다 절반 정도 느린 속도로 움직인다. 느린 진동과 자신의 심박이 반복적으로 겹쳐질수록 의식은 자연스럽게 외부가 아닌 내면으로 향한다. Konel은 이러한 경험이 다른 사람의 시선이나 끊임없이 쏟아지는 정보, 소비를 부추기는 환경으로부터 잠시 거리를 두는 계기가 될 수 있다고 설명했다. 흥미로운 점은 이 과정이 매우 단순한 방식으로 이뤄진다는 점이다. 특별한 콘텐츠를 제공하거나 명상을 안내하지 않는다. 그저 자신의 신체에서 발생하는 리듬을 다시 느끼게 할 뿐이다. Konel은 이러한 접근을 '셀프 캄(Self-Calm)'이라고 정의한다. 다른 사람이나 디지털 환경이 아니라, 자신의 몸에서 비롯된 감각을 통해 스스로를 차분하게 만드는 경험을 제안하는 것이다.

기술보다 감각에 주목하다
Pulse Pack이 흥미로운 이유는 기술 자체보다도 기술을 사용하는 방식에 있다. 오늘날 대부분의 디지털 서비스는 더 많은 정보를 제공하고, 더 많은 반응을 유도하는 방향으로 발전해왔다. 사용자는 끊임없이 새로운 알림을 확인하고, 데이터를 해석하며, 빠른 판단을 요구받는다. 기술은 우리의 삶을 편리하게 만들었지만, 동시에 시선을 계속 외부로 향하게 만드는 환경도 함께 만들어냈다.

Pulse Pack은 이러한 흐름과는 정반대로 사용자에게 더 많은 정보를 제공하는 대신 오히려 정보를 줄이고, 외부 자극에 집중시키는 대신 자신의 몸에 집중하도록 유도한다. 데이터를 보여주는 것이 아니라 몸으로 느끼게 만드는 것이다. 이러한 접근은 최근 디자인 업계에서 주목받고 있는 '캄 테크놀로지(Calm Technology)'와도 맞닿아 있다. 캄 테크놀로지는 기술이 사용자의 주의를 끊임없이 빼앗는 것이 아니라, 필요한 순간에만 조용히 작동하며 인지적 부담을 줄여야 한다는 개념이다. Pulse Pack은 심박 데이터를 촉각적 경험으로 전환함으로써 기술과 인간의 관계를 다시 생각하게 만든다. 숫자를 읽는 인터페이스가 아니라 몸으로 경험하는 인터페이스를 제안했다는 점에서 기존 웨어러블 기기와는 다른 방향성을 보여주고 있다.

또한 Konel은 Pulse Pack을 단순한 웨어러블 제품으로 정의하지 않는다. 이 프로젝트를 '셀프 캄(Self-Calm)을 사회에 구현하기 위한 플랫폼'으로 설명하며, 개인의 심리적 안정 경험을 다양한 공간과 서비스로 확장하는 가능성에 주목하고 있다. 현재 공개된 Model 1은 프로토타입 단계지만, 향후에는 스파와 호텔, 리트리트 시설 등 웰니스 공간을 비롯해 공공시설의 캄다운(Calm Down) 공간, 의료기관, 교육 현장, 도시 공간 등으로 활용 범위를 넓혀갈 계획이다. 궁극적으로는 하나의 제품을 판매하는 데 그치지 않고, '차분해지는 경험'을 다양한 환경에 적용할 수 있는 플랫폼으로 발전시키는 것을 목표로 한다.

최근 디자인의 역할은 빠르게 확장되고 있다. 제품의 기능을 개선하는 것을 넘어 사람의 행동과 경험, 나아가 감정까지 설계의 대상으로 바라보기 시작했다. 공간 디자인이 심리적 안정감을 고려하고, 서비스 디자인이 행동 변화를 유도하듯 제품 디자인 역시 사용자의 정서적 경험을 중요한 가치로 다루고 있다. Pulse Pack 역시 이러한 흐름 속에서 등장한 프로젝트다.

웨어러블 팩의 형태를 하고 있지만, 본질은 휴대 기능이나 착용 방식에 있지 않다. 심박이라는 가장 개인적인 신체 신호를 활용해 사용자가 자신의 감정과 상태를 스스로 인식하도록 돕는 데 의미를 둔다. 특히 디지털 환경이 사람들의 시선을 끊임없이 외부로 향하게 만드는 시대에, 자신의 심장 박동이라는 가장 원초적인 감각을 통해 다시 내면으로 시선을 돌리게 만든다는 점은 인상적이다. 밀라노 디자인 위크에서 공개된 Pulse Pack은 새로운 웨어러블 기기를 선보이는 데 그치지 않는다. 앞으로 디자인이 인간의 감정과 정신적 웰빙에 어떤 방식으로 개입할 수 있는지를 탐구한 하나의 실험에 가깝다. 기술이 사람을 더 효율적으로 만드는 것을 넘어 더 차분하게 만들 수 있을지, 그리고 제품이 기능을 넘어 심리적 경험까지 설계할 수 있을지를 묻는다는 점에서 동시대 디자인이 향하는 새로운 방향을 보여주고 있다.

파자마를 입고 달리는 사람들

Thu, 25 Jun 2026 02:12:24 GMT

아침이 막 시작되는 카루이자와(軽井沢)의 숲을 상상해 보자. 해발 1,000m안팎의 고지대 공기는 한여름에도 서늘하고, 안개는 나무 사이를 천천히 흘러간다. 그 숲을 누군가 달린다. 운동복도 아니고, 각 잡힌 러닝 장비도 아니다. 방금 잠에서 깬 그대로의 모습, 파자마처럼 헐렁한 옷차림이다. 거리를 재지도 않고 페이스를 확인하지도 않는다. 적당히 숲길을 달린 뒤 객실로 돌아온 그는 다시 침대에 몸을 눕힌다. 일본어로 '니도네(二度寝)'라 부르는, 한 번 깼다가 다시 잠드는 그 달콤한 시간이다. 다시 눈을 뜨면 차가운 옥수수 스무디 한 잔이 기다리고 있고, 어쩌다 5km를 채웠다면 호텔은 그 뜻밖의 노력을 칭찬하듯 레이트 체크아웃을 선물한다.

호시노리조트(星野リゾート)의 BEB5 카루이자와가 2026년 여름 선보인 '여행런(旅ラン)' 프로그램의 풍경이다. 얼핏 들으면 농담 같다. 어딘가 게을러 보이기까지 한다. 그러나 이 작은 프로그램을 조금만 천천히 들여다보면, 지금 시대가 경험을 설계하는 방식이 거의 압축된 형태로 담겨 있다는 사실을 발견하게 된다. 운동과 여행, 휴식과 숙박을 바라보는 우리의 시선이 지난 몇 년 사이 달라져 왔기 때문이다. 이 프로그램은 단순한 호텔 이벤트가 아니다. 오히려 오늘날 사람들이 무엇을 원하고, 브랜드가 어떤 방식으로 경험을 구성하며, 공간이 어떻게 새로운 가치를 생산하는지를 보여주고 있다.

기록보다 관계가 중요해진 시대

오랫동안 러닝의 언어는 단단하고 금욕적이었다. 개인 최고기록을 갱신하고, 더 멀리, 더 빠르게 완주하는 것이 중요했다. 인터벌 훈련과 한계 돌파, 정신력 같은 단어들이 러닝 문화를 지배했고, 광고 속 러너들은 언제나 땀에 젖은 채 결연한 표정을 짓고 있었다. 러닝은 자신과의 싸움이었고, 기록은 그 싸움의 결과였다.

그러나 지금의 러닝 붐은 모든 톤과 결이 다르다. 사람들을 움직이는 동력이 ‘기록’에서 ‘관계’로 이동하고 있기 때문이다. 스트라바(Strava)의 최근 자료에 따르면 러닝 클럽 수와 커뮤니티 활동은 폭발적으로 증가하고 있으며, 런던마라톤과 뉴욕마라톤 같은 대형 대회에는 매년 역대 최대 규모의 참가 신청자가 몰리고 있다. 특히 눈에 띄는 것은 Z세대의 증가세다. 하지만 더 중요한 것은 규모가 아니라 이유다. 많은 젊은 세대에게 러닝은 더 이상 운동만을 의미하지 않는다. 새로운 사람을 만나고, 취향이 비슷한 공동체에 속하며, 관계를 만들어가는 사회적 활동이 되고 있다. 과거 카페가 사람들을 이어주는 공간이었다면, 오늘날 러닝 클럽은 현대판 '제3의 장소(third place)' 역할을 수행한다. 사람들은 달리기를 통해 친구를 만들고, 소속감을 느낀다. 운동이 자기 관리의 영역에서 사회적 경험의 영역으로 이동하고 있는 것이다.

서비스와 브랜드를 설계하는 사람의 입장에서 보면 이것은 단순한 트렌드가 아니라 전제 자체의 변화다. 과거에는 기록 향상을 돕는 도구를 만드는 것이 중요했다면, 지금은 관계와 분위기, 그리고 소속감을 설계하는 것이 중요해졌다. 경험경제(Experience Economy)의 관점에서 보면 사람들은 더 이상 기능만 소비하지 않는다. 그 기능을 둘러싼 사회적 의미와 정체성, 그리고 관계망을 함께 소비한다. BEB5의 여행런 프로그램이 흥미로운 이유도 바로 여기에 있다. 이 프로그램은 러닝이 지녀왔던 금욕적이고 경쟁적인 이미지를 의도적으로 해체하고, 대신 '느슨한 웰니스'라는 다른 감각을 제안한다. 두 번 자도 괜찮고, 달리지 못해도 괜찮으며, 기록하지 않아도 괜찮다. 극기를 팔던 자리에 회복을, 경쟁을 팔던 자리에 여유를 놓은 것이다. 이는 단순한 컨셉이 아니라 번아웃과 자기계발 피로에 지친 세대를 겨냥한 정서적 포지셔닝이다.

호텔은 더 이상 '자는 곳'이 아니다 — 공간이 플랫폼이 될 때

이 변화는 호텔 산업에서도 그대로 나타난다. 과거 호텔은 객실의 크기와 전망, 조식의 품질로 경쟁했다. 그러나 오늘날 호텔 산업의 경쟁력은 물리적 시설보다 경험의 설계 능력에서 나온다. 실제로 많은 호텔 브랜드는 스스로를 숙박업이 아니라 라이프스타일 비즈니스로 정의하기 시작했다. BEB5가 내세우는 "이자카야 이상, 여행 미만(居酒屋以上旅未満)"이라는 문구는 이를 상징적으로 보여준다. 호텔 소개 문구라고 보기에는 다소 엉뚱하지만, 이 한 문장 안에는 브랜드가 판매하려는 것이 무엇인지가 선명하게 담겨 있다. 그들이 판매하는 것은 객실이 아니라 시간을 보내는 방식이다. 격식보다 편안함을, 완벽함보다 여유를, 효율보다 즐거움을 우선하는 태도다.

브랜드의 목소리가 이렇게 정해지는 순간 그 위에 놓일 수 있는 경험 역시 자연스럽게 결정된다. 강도 높은 러닝 캠프는 어울리지 않는다. 대신 파자마 차림으로 숲을 달리고 다시 잠드는 프로그램은 정확히 브랜드의 결과 맞아떨어진다. 더 흥미로운 것은 장소를 활용하는 방식이다. 카루이자와의 숲은 원래부터 존재했다. 해발 1,000m라는 입지를 그저 '시원한 피서지'가 아니라 '천혜의 러닝 환경'으로 번역하는 것 — 이건 장소를 콘텐츠로 바꾸는 플레이스 브랜딩이다. 같은 숲이라도 '바라보는 풍경'일 때와 '달리는 코스'일 때, 그것이 손님에게 주는 가치는 전혀 다르다. 장소는 그 자체로 의미를 갖지 않는다. 어떤 사용 방식을 부여받느냐에 따라 전혀 다른 경험으로 번역된다. 결국 브랜드가 한 일은 새로운 시설을 만드는 것이 아니라 이미 있던 환경에 새로운 사용법을 입힌 것이다. 가장 비용이 적게 드는, 그러나 가장 영리한 방식이다. 오늘날 공간 비즈니스의 경쟁력은 공간 자체보다 공간을 해석하는 안목에서 나온다.

가장 영리한 전략은 마찰을 줄이는 것

여행런이 특히 흥미로운 이유는 인간 행동에 대한 이해 때문이다. 대부분의 서비스는 사용자가 더 많이 행동하도록 설계된다. 더 자주 운동하고, 더 높은 목표를 세우고, 더 오래 참여하도록 유도한다. 그러나 여행런은 반대 방향으로 움직인다. 거리를 재지 말라고 하고, 못 달려도 괜찮다고 다독이며, 비가 오면 아예 달리기를 접고 안개 낀 숲을 천천히 걷는 '미스트 워크(ミスト・ウォーク·안개 산책)'로 대체한다. 목표가 사라진 자리에 비와 안개, 숲의 냄새 같은 감각만 남긴다.

서비스 디자인에서는 이를 '마찰(friction)의 제거'라고 부른다. 어떤 행동을 시작하기 위해 필요한 단계가 많을수록 참여율은 낮아진다. 사람들은 운동 그 자체보다 운동을 시작하기 전의 준비에서 더 자주 무너진다. 옷을 갈아입고, 장비를 챙기고, 목표를 세우고, 실패하면 안 된다는 부담을 떠안는 순간 문턱은 높아진다. BEB5은 그 문턱을 낮춘다. 파자마 같은 루즈 웨어 차림으로 나가도 되고, 목표 거리를 채우지 않아도 되며, 비가 오면 달리기 대신 안개 낀 숲을 걷는 '미스트 워크'로 갈아타도 된다. 화면 속 클릭 수를 줄여 사용자를 붙드는 디지털 서비스의 원리를, 물리적 아침의 동선 위에 그대로 옮겨놓은 셈이다.

그렇다고 이 느슨함을 게으름의 미화로 오해하면 안된다. 오히려 번아웃을 통과한 세대가 갈망하는 웰니스의 감각을 충분히 이해하고 있다. 더 열심히 하라고 다그치는 대신, 몸은 깨우되 자신을 몰아붙이지는 않는 방식이다. 그러면서도 막상 5km를 달려낸 사람에게는 레이트 체크아웃으로 그 작은 분발을 슬며시 인정해준다. 의무는 덜어내고 성취의 단맛은 남겨두는 구조다. 흔한 게이미피케이션이 '해야 보상받는' 문법을 따른다면, 이 프로그램은 '안 해도 되는데 하면 칭찬받는' 쪽으로 그 문법을 뒤집는다. 강요 없이 동기만 남겨두는 이 반전이야말로 가장 정교한 대목이다.

한 편의 안무처럼 짜인 경험

여행런은 개별 혜택의 집합이 아니라 처음부터 끝까지 하나의 흐름으로 설계된 경험이다. 일어나 파자마 차림 그대로 숲을 달리고, 객실로 돌아와 다시 잠들수도 있고, 온천에 몸을 담근 뒤 현지산 옥수수 스무디를 마시고, 레이트 체크아웃으로 아침을 마무리한다. 각 단계가 다음 단계의 감각을 더욱 선명하게 만들도록 배치되어 있다.

서늘한 공기 속에서 몸을 움직인 뒤에는 따뜻한 침대가 기다리고, 다시 잠에서 깨어나면 온천에서 몸을 이완시키며, 그 뒤에는 차가운 스무디가 감각을 깨운다. 움직임과 정지, 차가움과 따뜻함, 각성과 이완이 번갈아 배치되면서 짧은 아침 안에 하나의 작은 서사가 만들어진다. 사용자는 프로그램에 참여하는 것이 아니라 하나의 감정적 여정을 통과하게 된다.

여기서 떠오르는 개념이 행동경제학의 '피크-엔드 법칙(peak-end rule)'이다. 사람들은 경험 전체를 고르게 기억하지 않는다. 대게는 가장 강렬했던 순간과 마지막 순간을 중심으로 기억을 재구성한다. 여행런은 그 끝자락에 달콤한 이완의 순간을 배치한다. 무엇을 전체적으로 경험하게 했는가보다 어떤 감정으로 끝나게 했는가가 경험 전체의 의미를 결정한다는 사실을 정확히 꿰고 있는 것이다.

공유되고 싶은 경험은 어떻게 만들어지는가

마지막으로 여행런은 동시대 경험 디자인의 문법을 보여준다. 좋은 경험은 그저 즐거운 경험에 그치지 않는다. 누군가에게 이야기하고 싶고, 사진으로 남기고 싶고, 공유하고 싶어지는 경험이다. 그래서 오늘날 브랜드는 광고를 만드는 대신 공유 가능한 순간을 설계한다.

여행런은 이 원리를 정확히 이해하고 있다. 기능성 스포츠웨어 대신 셀렉트숍 ‘FREAK'S STORE’의 루즈 웨어를 파자마로 선택하고, 카루이자와의 여름을 상징하는 옥수수 스무디를 제공하며, 안개 낀 숲과 파자마 차림의 러닝이라는 강력한 장면을 빚는다. 파자마를 입고 숲을 달린다. 돌아와 다시 잠을 잔다. 그리고 차가운 옥수수 스무디를 마신다. 이 조합은 그 자체로 하나의 이야기이자 콘텐츠가 된다.

오늘날의 경험은 소비되는 동시에 기록되고 공유된다. 따라서 브랜드는 단순히 서비스를 제공하는 것이 아니라 사람들이 자발적으로 이야기하게 될 장면을 설계한다. 손님은 즐거운 시간을 보내고, 브랜드는 가장 진정성 있는 홍보를 얻는다. 어떤 광고보다 강력한 것은 결국 누군가의 기억에 남아 공유된 장면이다.

경계가 무너지는 시대

한 걸음 떨어져 바라보면 여행런이 보여주는 변화는 결국 카테고리 사이의 경계가 흐려지는 현상이다. 러닝은 스포츠만이 아니고, 호텔은 숙박시설만이 아니며, 온천은 목욕이 아니고, 옷은 패션만이 아니다. 그것들은 모두 '카루이자와의 어느 느슨한 여름 아침'이라는 하나의 경험 안에서 연결된다. 사람들은 운동을 구매하는 것도 아니고 객실을 구매하는 것도 아니다. 그 아침의 분위기 전체를 구매한다.

성과에서 관계로, 객실에서 경험으로, 최적화에서 의도된 느슨함으로, 광고에서 공유 가능한 순간으로. 파자마를 입고 숲을 달린 뒤 다시 잠드는 이 작고 엉뚱한 프로그램이 던지는 메시지는 의외로 분명하다. 이제 브랜드는 물건이나 서비스를 팔기보다 사람들이 보내고 싶어 하는 시간을 설계하고, 그 시간이 끝난 뒤 몸에 남는 감각까지 매만진다. 좋은 경험은 대개 거창한 말보다, 이렇게 자연스럽고 느슨한 한 장면 속에서 더 오래 기억된다.

BEB 파자 여행런(BEBパジャ旅ラン)

기간: 2026년 5월 18일 ~ 8월 31일
예약: 프런트에서 당일 접수 (선착순)
정원: 1일 3팀 (1팀 1~3명)
요금: 1,000엔 (1인당, 세금 포함, 숙박료 별도)
포함 사항:

옥수수 스무디
'호시노 온천 톤보노유(星野温泉トンボの湯)' 입욕권 (1회분)
'FREAK'S STORE' 루즈 웨어 & 러닝화 렌탈
레이트 체크아웃 (5km 달성 시에 한해, 12시까지)
우비 렌탈 (우천 시에 한해)

참고사이트

https://hoshinoresorts.com/ja/hotels/beb5karuizawa/

https://mg.runtrip.jp/archives/109180

‘Crafts Bangkok 2026’ 전통과 혁신이 만나는 태국 공예의 여정

Tue, 23 Jun 2026 10:37:02 GMT

2026년 6월 3일부터 7일까지 닷새간 태국 방콕의 퀸 씨리킷 컨벤션 센터(QSNCC)에서 아시아 최대 규모의 현대 공예 축제 중 하나인 ‘Crafts Bangkok 2026’이 성황리에 진행되었습니다. 주최기관은 SACIT(Support Arts and Crafts International Centre of Thailand) 즉 태국 왕실 산하 기관인 태국 공예진흥원으로 오랫동안 태국 전통 공예의 보존·진흥·국제화를 이끌어 온 중추적 기관입니다. SACIT는 전통 공예 기술의 계승 뿐 아니라 현대 디자인과의 융합, 신진 공예 작가 발굴, 국내외 시장 연계까지 광범위한 활동을 전개해 오고 있습니다.

이번 행사의 핵심 테마는 "The Craft Journey(공예의 여정)" 입니다. 이 개념은 단순히 완성된 공예품을 전시·판매하는 데 그치지 않습니다. 원재료가 발굴되는 지역 사회에서부터 장인의 손길을 거쳐 완성된 제품으로 탄생하고 나아가 국내외 시장과 연결되기까지의 전 과정을 관람객이 직접 경험하고 이해할 수 있도록 구성한 것이 특징이라고 할 수 있습니다. 태국의 전통 로컬의 지혜와 전통을 현대적인 감각으로 재해석하여 공예가 과거의 유산이 아닌 현재 진행 중인 창조적 언어임을 시각적·체험적으로 보여주고자 하였습니다. SACIT 원장 아누차 티라카논(Anucha Teerakanon) 교수는 "이번 행사는 태국 공예 창작자들이 자신의 잠재력을 펼치고 전통 지혜와 현대 디자인이 융합된 작품의 이야기를 전달하는 중요한 무대"라며, 현대 소비자들이 개성 있고 문화적 가치를 지니며 환경 친화적인 제품을 여전히 중시한다는 점에서 공예 산업의 미래에 대한 확신을 피력했습니다.

이미지 출처 : https://www.qsncc.com/en/whats-on/event-calendar/crafts-bangkok-2026?r=%2F

사진 출처 : 태국 리포터 현장 직접 촬영

사진 출처 : 태국 리포터 현장 직접 촬영

이번 Crafts Bangkok 2026에는 전국 380여 개 이상의 공예 브랜드 및 작가가 참여하여 역대 최대 규모를 기록했습니다. 행사장은 총 8개의 테마 존으로 구성되어 관람객이 공예의 다양한 면을 체계적으로 탐색할 수 있도록 설계되었습니다.

- Silpacheep(씰빠칩)
씨리킷 왕비 공예 재단의 작품을 전시·판매하는 공간으로 태국 각지의 전통 기법으로 제작된 실크, 면직물, 골풀 바구니, 인조 꽃, 목조각 등 정통 왕실 공예 품목이 있습니다.

- SACIT × Global
국내외 공예 네트워크를 연결하는 국제 교류 존으로 일본, 말레이시아, 콜롬비아 등 해외 장인 및 브랜드가 참여하여 다양한 문화적 시각에서 공예를 바라보는 기회를 제공하고 있습니다. 이는 글로벌 시장 트렌드를 교류하는 장이 되었습니다.

- SACIT × Design
SACIT가 개발한 신제품 라인 'SACIT Concept 2026', 'SACIT Collection'과 함께 신진 공예 창작자 프로그램 'New Artisan 2026' 참가자들의 작품이 전시된 디자인 중심 존입니다. 전통 기법과 현대 디자인 방법론의 결합 가능성을 탐색하는 실험적 공간으로 큰 주목을 받았습니다.

- SACIT × Market
태국 내 전국 380여 공예 생산자들의 제품을 직접 구매할 수 있는 마켓 존으로 선물·기념품, 패션·의류, 주얼리, 홈 데코, 라이프스타일 제품 등 다양한 카테고리가 있습니다. 이는 생산자와 소비자가 직접 소통하며 작품의 배경과 스토리를 나누는 교류의 장이 되었습니다.

- SACIT × Experience
관람객이 직접 공예를 체험할 수 있는 워크숍 존으로 밀랍 그림 그리기, 노라 구슬 엮기, 야자 잎 팔찌 엮기, 금박 칠 무늬 그리기 등 태국 각 지역을 대표하는 전통 공예 기술을 직접 배울 수 있는 다양한 프로그램이 운영되었습니다.

- SACIT × National Gift
특별한 기념일이나 선물을 위한 고급 공예품을 큐레이션한 존으로 국내외 VIP 선물용 제품들이 엄선 소개되었습니다.

사진 출처 : 태국 리포터 현장 직접 촬영

사진 출처 : 태국 리포터 현장 직접 촬영

사진 출처 : 태국 리포터 현장 직접 촬영

Crafts Bangkok은 단순한 국내 공예 박람회를 넘어, 태국 공예 산업의 글로벌 브랜딩 전략의 핵심 플랫폼으로 자리를 잡고 있습니다. 아시아태평양 공예연맹(APCA)과의 연계, 태국 컨벤션관광진흥청(TCEB)의 공식 지원 아래 진행되었던 행사로 국제 바이어와 디자이너, 미디어 관계자들이 태국 공예 시장을 직접 체험할 수 있는 창구 역할을 하게 됩니다. 특히 'SACIT × Global' 존을 통해 해외 장인 및 기관과의 협력 교류가 공식적으로 이루어지고 있습니다. 이는 단순한 수출 홍보를 넘어 문화 간 공예 대화의 장으로 기능을 하고 있습니다. 일본, 말레이시아, 콜롬비아 등의 공예 작가들이 참여하며 글로벌 공예 시장에서 태국의 위상을 높이는 동시에 국내 작가들에게도 국제적 감각을 키울 기회를 제공하는 것이 특징입니다.

Crafts Bangkok 2026은 "공예는 살아 있다"는 메시지를 5일 동안 9만 명이 넘는 방문객과 함께 확인하는 자리였습니다. SACIT가 수십 년에 걸쳐 구축해 온 장인 네트워크, 체계적인 교육·지원 시스템, 그리고 글로벌 무대를 향한 지속적인 도전이 이번 행사의 성공으로 결실을 맺었다고 볼 수 있습니다. 앞으로 태국 공예 산업의 흐름을 면밀히 추적하고 협력 가능성을 모색하는 것은 한국 디자인·공예 산업의 아세안 시장 진입 전략 수립에 있어서도 의미 있는 인사이트를 제공할 것으로 보입니다.

10년 만의 귀환, 일상에 유쾌함을 더하다: 이케아(IKEA) PS 2026 컬렉션

Sun, 21 Jun 2026 16:58:14 GMT

팍팍한 현대 사회에서 우리에게 가장 필요한 것은 아마도 일상 속 작은 '즐거움(Joy)'일 것이다. 이케아(IKEA)가 밀라노 디자인 위크에서 선공개했던 'PS 2026 컬렉션'의 44개 피스 전체를 공식 출시하며, 바로 이 즐거움에 완벽하게 초점을 맞췄다. 'PS'는 편지의 추신(Post Scriptum)을 의미하는 약자로, 이케아의 기본 정규 라인업에 덧붙여지는 특별한 캡슐 컬렉션을 뜻한다. 신뢰할 수 있는 베이직한 제품들이 이케아의 근간이라면, PS 컬렉션은 전 세계의 재능 있는 디자이너들과 협업해 일반 제품보다 훨씬 대담하고 예술적인 시도를 선보이는 라인업이다. 10년의 공백을 깨고 어느덧 10번째 에디션으로 돌아온 이번 'PS 2026 컬렉션'은 12명의 아티스트와 함께 '유쾌한 기능성(Playful Functionality)'이라는 주제 아래 실용성과 재미가 만나는 접점을 경쾌하게 풀어냈다.

이케아의 PH collection (출처: 이케아)

이번 컬렉션의 크리에이티브 리더인 마리아 오브라이언(Maria O'Brian)은 디자인 선정 기준에 대해 다음과 같이 설명했다. "단순함이 결코 지루함을 의미하지 않습니다. 오히려 가장 순수하고 매력적인 형태로 디자인을 드러낼 수 있죠. 사용자가 제품과 상호작용하며 예상치 못한 디테일을 발견하고, 그 단순함 속에서 미소를 짓게 만드는 것이 이번 컬렉션의 핵심입니다." 실제로 이번 컬렉션은 만지고, 구부리고, 흔들고, 심지어 부풀릴 수 있는 다채로운 요소들로 가득하다. 주요 라인업으로는 다음 제품들이 눈길을 끈다.

이케아의 PH collection (출처: 이케아)

렉스 포트(Lex Pott): 조형미가 돋보이는 다기능 램프
마르타 크루핀스카(Marta Krupińska): 부드럽게 흔들리는 휴식을 선사하는 목재 벤치
미카엘 악셀손(Mikael Axelsson): 90년대 감성과 현대의 친환경/경량화 니즈를 결합한 팽창식(Inflatable) 의자 및 스툴
마리아 빈카(Maria Vinka): 유머러스한 의인화 형태가 돋보이는 유리 불기 공예 화병

특히 PS 컬랙션은 이케아의 '데모크래틱 디자인(Democratic Design: 형태, 기능, 품질, 지속가능성, 낮은 가격의 5가지 요소를 충족하는 디자인)'을 가장 잘 보여주고 있다는 평가를 받는다. 이는 이케아가 단순히 저렴한 물건을 대량으로 파는 것을 넘어, 모든 사람이 훌륭한 디자인을 누릴 자격이 있다는 철학을 담고 있는 것이다. 이번 PS 2026 컬렉션은 경제성과 심미성이 결코 반비례하지 않음을 증명하며, 합리적인 가격이 타협을 의미하지 않는다는 점을 보여주고 있다.

참고링크:

https://www.ikea.com/global/en/stories/design/ikea-ps-2026-collection/

https://vogueadria.com/ikea-ps-collection/

https://www.livingetc.com/shopping/ikea-ps-rocking-bench

스톡홀름의 아이웨어 브랜드 CHIMI, 현대 사회의 허례허식을 심판대에 올리다: SS26 캠페인 'The Trial'

Sat, 13 Jun 2026 21:15:43 GMT

스웨덴 스톡홀름에서 시작 된 아이웨어 브랜드 CHIMI(치미)의 글로벌 행보가 심상치 않다. 패션과 기능성의 교차점에서 디자인 중심의 접근 방식을 고수하며, 트렌드에 민감한 전 세계 패션 피플들의 이목을 사로잡고 있기 때문이다. 현재 CHIMI는 뉴욕, 파리, 스톡홀름, 오슬로, 케이프타운, 예테보리 등 세계 주요 도시에 오프라인 매장을 성공적으로 오픈하며, 단순한 선글라스 브랜드를 넘어 문화를 선도하는 글로벌 아이콘으로 빠르게 성장하고 있다.

CHIMI의 캠페인, The Trial (출처: CHIMI)

이러한 상승세에 힘입어, CHIMI는 브랜드의 확고한 철학을 담은 2026년 봄/여름 컬렉션 캠페인, ‘The Trial’을 공식적으로 선보였다. 이번 프로젝트는 마크 제이콥스(Marc Jacobs), 장 폴 고티에(Jean Paul Gaultier), 뮈글러(Mugler) 등 세계적인 패션 하우스들의 바이럴 필름을 탄생시킨 크리에이티브 디렉터 샤드린스키(Shadrinsky)가 만들어 더욱 화제를 모으고 있다. ‘The Trial’은 단순한 패션 화보를 넘어, 현대 사회의 ‘보여주기식 문화(Performative culture)’와 정체성을 정면으로 겨냥하는 날카로운 문화적 비평을 담고 있다. 법정 증언을 모티브로 한 이 영상 시리즈는 선서 후 증언에 나서는 다양한 증인들의 모습을 비춘다. 화려하고 무거운 연출은 과감히 배제하고 고정된 카메라 앵글과 최소한의 세팅으로 실시간 촬영된 이 캠페인은 인물들이 가진 모순과 내면을 자연스럽게 보여주고 있다.

뉴욕에 오픈한 CHIMI 스토어 (출처: CHIMI)

영상 속에서 구체적인 사건이 무엇인지는 명시되지 않지만, 진실보다는 ‘겉치레(Polish)’를, 존재 자체보다는 ‘보여주기(Performance)’를, 비판적 사고보다는 ‘타인의 인정(Approval)’을 중시하는 현대 사회의 풍조를 꼬집는다. 여기서 흥미로운 점은 CHIMI의 태도다. 이들은 자신들을 한 발짝 물러선 관찰자로 두지 않는다. 오히려 자사의 아이웨어 역시 개개인의 정체성을 연출하고 구축하는 능동적인 도구로 사용되고 있음을 인정하며, 이 과시적 시스템의 일부로서 브랜드 스스로의 역할을 성찰한다.

빠르게 확장 중인 CHIMI의 아이웨어 라인 (출처: CHIMI)

이번 캠페인의 출연진은 누군가를 연기하는 배우들이 아니다. 유럽의 패션, 음악, 나이트라이프 씬에서 활동하며 자신만의 뚜렷한 색깔을 가진 인물들이 본인 스스로의 모습으로 카메라 앞에 섰다. 프랑스 래퍼 쥴스(Jwles), 미국 피아니스트 프레셔스 르네 터커(Precious Renee Tucker)를 비롯해 크리에이티브 인플루언서 소피아 알바레즈(Sophia Alvarez)와 몰리 프레드릭슨(Molly Fredriksson) 등이 인상적인 모습을 남겼다. 총괄 프로듀서 존 리서트(John Lissert)의 지휘 아래, 스타일리스트 레베카 팔머(Rebecca Palmer)와 캐스팅 디렉터 한나 실버크란츠(Hannah Silfvercrantz)가 합류해 이토록 다양하고 생동감 넘치는 라인업을 완성해 냈다.

CHIMI는 이번 캠페인을 통해 현대 사회를 향한 단호한 개념적 메시지를 던지면서도, 최종 판결은 대중의 몫으로 남겨두었다. 끊임없이 기존의 틀을 깨고 질문을 던지는 독립 브랜드 CHIMI, 이들의 다음 행보가 더욱 기대되는 이유다.

출처:

https://chimi-online.com/uk/c/collections/the-trial

https://officemagazine.net/chimi-trial

https://hypebeast.com/2026/4/chimi-the-trial-spring-summer-ss-2026-campaign-info

https://www.teethmag.net/chimi-the-trial-campaign/

생산자를 알 수 있는 플라스틱이 있다면 어떨까? ‘Nikome Material’

Tue, 09 Jun 2026 05:22:18 GMT

All Images ⓒ Nimousak

최근 소재 산업에서는 친환경을 키워드로 한 다양한 시도가 이어지고 있다. 바이오 플라스틱과 재활용 소재 개발이 활발해지면서 건축과 제품 디자인 분야에서도 지속가능성은 더 이상 선택이 아닌 필수적인 과제가 됐다. 기업들은 석유 기반 플라스틱 사용량을 줄이기 위한 대체 소재를 개발하고 있으며, 디자이너들 역시 제품과 공간을 설계하는 과정에서 소재의 환경적 영향을 중요하게 고려하기 시작했다.

이러한 흐름 속에서 친환경 소재 시장은 빠르게 성장하고 있지만, 대부분의 논의는 탄소 저감 효과나 재활용률, 바이오매스 함유율과 같은 성능 지표를 중심으로 이뤄지고 있다. 소재가 얼마나 친환경적인지를 수치로 설명하는 데 집중하다 보니, 정작 그 소재가 어디에서 왔고 누구에 의해 생산되었는지에 대한 이야기는 상대적으로 주목받지 못했다. 우리가 식재료를 고를 때 생산지와 생산자의 정보를 확인하듯, 소재 역시 원료의 출처와 생산 과정을 알 수 있다면 어떨까. 일본 니가타에서 발표된 바이오매스 소재 브랜드 ‘Nikome Material’은 이러한 질문에서 출발했다. 단순히 플라스틱을 대체하는 친환경 소재를 만드는 것이 아니라, 생산자의 얼굴이 보이고 지역의 이야기를 담을 수 있는 소재를 만들고자 한 것이다. 비식용 쌀인 ‘자원미(資源米)’와 벼농사의 부산물인 왕겨를 활용해 개발된 Nikome Material은 소재의 환경 성능뿐 아니라 생산 배경과 지역성을 함께 전달하는 것을 목표로 한다. 식재료처럼 출처를 알 수 있는 소재를 통해 사람과 재료의 관계를 다시 생각해보려는 시도다.

브랜드명인 Nikome에는 ‘두 번째 쌀’이라는 의미가 담겨 있다. 식재료로 소비되는 것이 쌀의 첫 번째 역할이라면, 소재로 활용되는 것은 또 다른 가능성이라는 생각에서 붙여진 이름이다. 먹는 쌀에만 머물지 않고, 지역의 농업 자원을 새로운 방식으로 활용할 수 있는 선택지를 만들고자 한 것이다. 이 프로젝트의 또 다른 특징은 원료의 출처가 명확하다는 점이다. Nikome Material에 사용되는 자원미와 왕겨는 모두 니가타시에서 생산되며, 어떤 농가에서 재배되었는지까지 확인할 수 있다. 일반적인 플라스틱이 생산 과정을 알기 어려운 익명의 산업 소재라면, Nikome Material은 식재료처럼 생산자와 생산 지역을 인식할 수 있는 소재를 지향한다.

이는 일본의 식품 산업에서 중요하게 여겨지는 생산 이력 관리 개념을 소재 영역으로 확장한 사례로 볼 수 있다. 개발팀은 소재 역시 출처와 생산 과정을 알 수 있어야 하며, 이러한 이야기가 사용자와 소재 사이의 거리를 좁히고 물건에 대한 애착을 만드는 출발점이 될 수 있다고 설명했다.

‘도정’ 개념을 소재 디자인으로 번역하다

Nikome Material이 흥미로운 이유는 소재를 구분하는 방식에 있다. 일반적인 바이오 플라스틱이 바이오매스 함유율이나 물성 차이를 중심으로 설명되는 것과 달리, Nikome Material은 쌀 문화에서 익숙한 백미·오분도미·현미의 개념을 소재 디자인에 적용했다. 쌀을 도정하는 정도에 따라 색과 질감이 달라지는 것처럼, 소재 역시 쌀과 왕겨의 배합 비율에 따라 서로 다른 표정을 갖도록 설계한 것이다.

소재는 크게 세 가지 타입으로 구성된다.

> HAKU는 백미를 중심으로 구성된 타입이다. 백미가 소재화되는 과정에서 자연스럽게 형성된 따뜻한 색감을 지니며, 세 가지 라인업 가운데 가장 밝고 부드러운 인상을 준다.

> 5-BU는 쌀과 왕겨를 균형 있게 배합했다. 과도하게 밝거나 어둡지 않은 중성적인 표정이 특징으로, 소재 본연의 자연스러운 질감과 활용성을 동시에 갖춘 타입이다.

> GEN은 왕겨 비율을 높인 타입으로, 섬유질과 입자감이 더욱 뚜렷하게 드러난다. 세 가지 가운데 가장 유기적이고 거친 질감을 보여주며, 자연 소재에 가까운 질감을 느낄 수 있다.

흥미로운 점은 이러한 차이가 단순한 색상 변화에 그치지 않는다는 것이다. 쌀과 왕겨 입자가 표면에 그대로 드러나며, 소재마다 조금씩 다른 질감과 표정을 만들어낸다. 균일함을 추구하는 일반 플라스틱과 달리, 자연물이 가진 미세한 흔들림과 불규칙성이 오히려 소재의 매력으로 작용한다. 단순히 친환경 원료를 사용한 바이오 플라스틱이 아니라, 원료의 특성과 지역성을 시각적으로 드러내는 소재로 기능한다. 쌀이라는 익숙한 문화적 요소를 소재 디자인 언어로 풀어냈다는 점 또한 재미있는 요소이다.

Nikome Material은 단순히 시각적인 표현에 머무르지 않는다. 소재에 얼굴을 가까이 대면 은은한 쌀 향을 느낄 수 있으며, 표면에서는 쌀과 왕겨에서 비롯된 자연스러운 입자감이 손끝으로 전달된다. 플라스틱이라는 단어가 주는 차갑고 인공적인 이미지와 달리, 사용자는 시각과 촉각, 후각을 통해 원료가 가진 자연의 흔적을 경험하게 된다. 최근 소재 디자인 분야에서는 물성 자체를 하나의 경험으로 바라보는 움직임이 늘어나고 있다. 단순히 기능을 수행하는 재료가 아니라, 만지고 보고 사용하는 과정에서 어떤 감각을 전달하는지가 중요해지고 있는 것이다. Nikome Material 역시 이러한 흐름 속에서 소재를 하나의 감각적 매개체로 해석하고 있다.

이 프로젝트가 더욱 흥미로운 이유는 소재 개발을 환경 문제에만 한정하지 않는다는 점이다. 원료로 사용되는 ‘자원미(資源米)’는 식용이 아닌 산업용 품종으로, 상대적으로 적은 노동력으로 재배할 수 있어 고령 농가나 생산성이 낮은 농지에서도 지속적으로 경작을 이어갈 수 있다는 장점이 있다. 현재 일본 농촌에서는 고령화와 후계자 부족으로 인해 휴경지와 경작 포기지가 증가하는 것이 중요한 사회 문제로 떠오르고 있는데, Nikome Material은 이러한 상황에서 비식용 쌀에 새로운 역할을 부여한다. 식재료로 소비되지 않는 쌀을 산업 자원으로 활용함으로써 농지에 새로운 경제적 가치를 만들고, 농업과 제조업을 연결하는 구조를 구축하려는 것이다. 결국 이 프로젝트는 친환경 플라스틱을 개발하는 데서 그치지 않고, 소재 생산 과정을 지역 농업과 연결해 농지를 유지하는 하나의 방법으로 활용하고 있다. 환경 문제와 농업 문제, 지역 경제를 각각 별개의 이슈로 바라보는 것이 아니라 하나의 순환 구조 안에서 연결하고 있다는 점이 Nikome Material의 가장 큰 특징이다.

인테리어 마감재용 타일

소재의 역할은 어디까지 확장될 수 있을까

현재 Nikome Material은 건축과 인테리어 분야를 중심으로 활용 가능성을 넓혀가고 있다. 벽면 마감용 타일과 가구 표면재, 전시 집기 등 다양한 공간 소재로 사용할 수 있으며, 사출성형을 통한 제품 개발도 가능하다. 또한 니가타시에 문을 연 ‘Nikome Material Lab.’에서는 실제 소재 샘플과 프로토타입을 체험할 수 있으며, 건축가와 디자이너, 기업이 함께 참여하는 공동 개발도 추진하고 있다. Nikome Material은 친환경 소재 개발 사례인 동시에, 소재가 지역과 산업, 그리고 사람을 연결하는 매개체가 될 수 있는지를 보여주는 프로젝트다.

특히 생산자의 얼굴이 보이는 식재료 개념을 소재 디자인으로 확장했다는 점은 흥미롭다. 앞으로의 소재 디자인은 성능과 환경성뿐 아니라, 어떤 지역에서 어떤 과정을 거쳐 만들어졌는지까지 함께 전달하는 방향으로 발전할 가능성을 보여주고 있다.

RV계의 아이폰? 세련된 전동 캠핑 트레일러 '페블 플로우’

Sat, 06 Jun 2026 01:17:34 GMT

캠핑 트레일러를 한 번이라도 사용해 본 사람이라면 안다. 좁은 캠프장 진입로에서 대형 트레일러를 후진하는 공포감, 히치볼에 커플러를 정확히 맞추는 데 걸리는 30분, 레벨러를 조정하고 전기와 수도를 연결하는 복잡한 세팅. 수십 년간 RV 산업은 이 불편함을 당연한 것으로 받아들여 왔다. 이러한 불편함으로 인해 많은 사람들은 캠핑 자체를 포기하는 경우가 대부분이었다.

©Pebble

캘리포니아 기반 스타트업 페블(Pebble)은 이 문제를 정면으로 돌파했다. 2026년 iF 디자인 어워드를 수상한 페블 플로우는 단순한 전동 캠핑카가 아니다. 애플, 테슬라, Zoox, BMW, 볼보 출신 엔지니어와 디자이너들이 만든 이 트레일러는 RV 경험 전반을 재설계 하겠다는 목표를 가지고 제작되었다. 페블의 창업자이자 CEO인 빙루이 양(Bingrui Yang)은 코로나19 팬데믹 초기, 가족과 함께 처음으로 RV 여행을 떠났다.

©Pebble

경험은 기대와 달랐다. 구식 설계, 복잡한 조작, 끊임없는 유지보수와 같은 불편함이 힘들게 다가왔다. 이 경험에 대해 빙루이 양은 "현재의 RV 설계는 구식이고 비효율적입니다. 견인과 히칭에 대한 전문 지식을 요구하고, 수십 년간 개선되지 않은 불편함을 사용자에게 강요하고 있습니다."라고 밝히며, 페블 플로우를 개발하게된 배경을 밝혔다. 어렵고 스트레스받는 경험을 자동화하고, 나머지 시간을 온전히 캠핑에 사용할 수 있도록 제작된 페블 플로우는 시각적으로나 기능적으로나 간단하고 아름답다.

©Pebble

페블 플로우의 외형은 기존 RV 트레일러의 디자인을 전면 부정한다. 각진 직육면체 대신, 곡선형 전면부와 매끄러운 금속·유리 외장이 결합된 유선형 실루엣이다. 이것은 미학적 선택이기 이전에 기능적 결정이다. 페블은 고급 전산유체역학(CFD) 시뮬레이션을 수백 시간 돌려 이 형태를 도출했다. 결과는 일반 트레일러 대비 공기 저항 300% 개선했으며, 트레일러의 무게는 약 2,800kg으로 동급 프리미엄 트레일러보다 가볍게 유지했다.

©Pebble

달리면서 끄는 짐이 아니라, 함께 달리는 구조물처럼 설계된 것이다. 외장 컬러는 자연과 경쟁하지 않고 어우러지도록 자연에서 영감을 받은 색조로만 구성되었다. 내구성 높은 자동차 등급 도장을 적용해 야외 환경에서의 장기 사용을 고려했다. 25피트(약 7.6m)의 차체 안에 페블이 구현한 공간은 캠핑카보다 도시형 아파트에 가깝다. 270도 파노라믹 창문과 투명 루프 패널은 주변 자연 환경을 자연스럽게 실내에서 느낄수있게 한다.

©Pebble

미니멀 인테리어와 전환 가능한 가구 시스템은 침실, 식사 공간, 모바일 오피스로 기능을 바꿀 수 있다. 퀸 사이즈와 풀 사이즈 침대가 있으며, 4인 까지 수용할 수 있다. 머피 베드 구조로 낮 동안 넓은 업무 공간으로 전환된다. 주방에는 실내외 모두 사용 가능한 이동식 인덕션 레인지, 4-in-1 컨벡션 전자레인지 오븐, 풀 사이즈 냉장고가 있다. 욕실은 투명도 조절이 가능한 스마트 글라스 샤워 부스와 LED 조명이 들어가 좁은 공간을 개방감 있게 구성했다.

©Pebble

페블 플로우는 트레일러와 견인 차량을 연결하는 과정을 자동화함으로써, 초보자에게 가장 큰 진입 장벽을 없앴다. 페블 플로우의 매직 히치는 트레일러가 스스로 위치를 파악하고, 견인 차량에 자동으로 연결된다. 한 번의 버튼 조작으로 수십 분의 스트레스가 사라진다. 나아가, 히치를 분리한 후, 앱을 통해 원격으로 조종 가능하다. 양쪽 바퀴에 장착된 독립 전동 모터가 정밀한 방향 전환을 가능하게 해, 좁은 캠프장에서도 후진 없이 원하는 위치에 정확하게 주차할 수 있다.

©Pebble

스트레스 받으면서 긴장감에 후진을 할 필요가 없어진다. 마지막으로 도착 후 버튼 하나를 누르면 레벨러, 안정화 장치, 계단이 자동으로 전개되고 차양이 펼쳐진다. 출발 시에는 반대 순서로 자동 정리된다. 캠핑카 세팅의 '30분 노동'이 단 1분으로 줄어든다. 페블 플로우는 45kWh 리튬인산철(LFP) 배터리와 1kW 통합 태양광 패널을 탑재해 발전기나 가스통 없이 최대 7일간 완전 오프그리드 캠핑이 가능하다. 냉난방(히트펌프), 조리, 냉장, 온수까지 모든 것이 전기로 작동한다.

©Pebble

듀얼 모터 견인 보조 시스템은 주행 중 견인 차량의 배터리 소모를 줄이거나 역으로 에너지를 회수할 수 있어, EV로 트레일러를 옮길때 배터리 방전 불안을 없앴다. 배터리는 DC 급속충전으로 0%에서 80%까지 약 1시간 만에 충전된다. 페블 플로우는 RV 산업이라는 수십 년간 혁신이 드물었던 공간에, 실리콘밸리의 사용자 경험 철학이 충돌했을 때 무엇이 만들어지는지 여실히 보여준다.

반려견의 말 없는 신호를 읽다, 'Pync 스마트 목줄'

Sun, 31 May 2026 22:43:21 GMT

반려동물을 키우는 사람이라면 누구나 한 번쯤 이런 불안을 느낀다. "우리 강아지, 오늘 왜 이렇게 조용하지?" 혹은 "평소보다 덜 먹는 것 같은데… 괜찮은 걸까?” 같은 생각을 한다. 동물은 말로 아픔을 전달하지 못하기 때문에, 보호자는 눈에 보이는 증상이 나타나야 비로소 무언가 잘못됐음을 깨닫는다. 그리고 그때는 이미 늦은 경우가 많다. 미국의 스타트업 핀크(Pync)는 바로 이 질문에서 출발했다.

©Pync

"왜 우리는 반려동물이 겪는 아픔을 제때 알기 어려운가?"라는 질문이 핀크 스마트 목줄을 만들었다. 2026년 iF 디자인 어워드 수상작으로 선정된 이 제품은 단순한 GPS 추적 장치가 아니다. 반려견의 행동 패턴을 지속적으로 학습하고, 일상의 미세한 변화를 건강 이상의 초기 신호로 해석하는 예방 지능 스마트 디바이스이다. 핀크의 CEO 클레어(Claire)는 2024년 뉴욕 유학 중 고양이 '첼시'가 고향에서 심장 질환을 앓고 있다는 소식을 들었다.

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수천 킬로미터 떨어진 곳에서, 그녀가 할 수 있는 것은 아무것도 없었고, 반려동물의 상태를 실시간으로 파악할 수 있는 기술이 없었고, 발을 동동 구르기만 했다. 이러한 경험을 바탕으로 핀크를 창업했다. 핀크는 움직임의 감소, 수면 패턴의 변화, 활동량의 저하 등 다양한 일상의 신호들을 예민하게 감지하여, 반려동물의 건강 악화 증상이 외부로 드러나기 훨씬 전부터 알아차린다. 핀크는 이 신호들을 데이터로 만들어 보호자에게 전달하는 것을 목표로 삼았다.

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핀크 스마트 목줄의 외형은 의도적으로 단순하다. '클라우드 화이트'와 '테라코타' 두 가지 색상, 0.75인치 너비의 실리콘과 면 코어 소재 밴드. 반려견의 목에 걸렸을 때 어색함이 없도록 설계된 이 목줄은 언뜻 봐서는 스마트 기기처럼 보이지 않는다. 핀크는 이질감이 드는 스마트 기기보단, 평소 사용하던 목줄 처럼 보이고 무게, 착용감도 비슷한 디자인을 통해 부담 없이 사용할 수 있는 반려동물 스마트 기기를 만들어냈다. 목줄 안에 내장된 트래커는 가로 8.1cm, 세로 2.7cm, 무게 39g으로 기존 GPS 목줄 대비 부담을 최소화했으며, 야간 LED 라이트와 IP67 방수 등급으로 생활 밀착형 내구성을 갖췄다.

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기술적으로 가장 주목할 만한 것은 탈착식 배터리로, 충전 중에도 반려견이 칼라를 벗을 필요 없이, 배터리 팩만 교체하면 된다. 핀크 허브를 통한 자동 충전 방식을 채택해 일상의 흐름을 최대한 방해하지 않도록 설계해 지속적인 건강 데이터를 수집한다. 핀크의 차별점은 수집된 데이터를 그대로 보여주는 것이 아니라, 각 반려견의 '개인화된 기준선(Behavioral Baseline)'을 학습해 의미 있는 변화를 해석한다는 데 있다. 예를 들어, 어떤 개는 원래 활동량이 많고 어떤 개는 조용한 편이다.

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단순히 오늘 많이 걸었다 혹은 안 걸었다를 넘어, 이 개에게 있어 오늘 활동량은 평소 대비 얼마나 달라졌는가를 분석한다. AI는 움직임, 수면 패턴, 일상 루틴의 변화를 지속적으로 모니터링하고, 이상 징후가 감지될 때 보호자 앱에 알림을 보낸다. 핀크가 주목받는 이유는 제품 자체의 완성도만이 아니다. 이 목줄은 반려동물 케어의 방식이 변화하고 있다는 흐름의 상징이기도 하다. 미국 반려동물 테크 시장은 2026년 들어 급속도로 진화하고 있다.

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단순한 GPS 추적을 넘어 바이오센서, AI 분석, 행동 예측 알고리즘이 결합된 웨어러블 기기들이 등장하면서, 수의학계도 이를 보조 진단 도구로 활용하기 시작했다. 전문가들은 반려동물의 수면 리듬, 이동 패턴, 심박수 변화에서 골관절염이나 심장 질환의 초기 징후를 읽을 수 있다고 한다. 핀크는 이 흐름 속에서 '모니터링'보다 '이해'에 방점을 찍는다. 반려동물이 보호자에게 전달하지 못하는 신호를 기술이 대신 번역해 주는 것, 그것이 이 제품이 iF 디자인 어워드 심사위원단의 눈길을 끈 이유일 것이다.

도심 속 웰니스 생태계, Six Senses London

Sat, 30 May 2026 14:43:08 GMT

한때 웰니스는 휴식의 다른 이름이었다. 바쁜 일상에서 벗어나 몸과 마음을 쉬게 하는 것, 스파에서 시간을 보내거나 자연 속에서 며칠을 머무는 것이 웰니스 경험의 핵심이었다. 그러나 오늘날 웰니스는 조금 다른 방향으로 진화하고 있다. 사람들은 단순히 쉬고 싶어 하는 것이 아니라 자신을 이해하고 싶어 한다. 왜 피곤한지, 왜 집중력이 떨어지는지, 왜 불안한지 알고 싶어 한다. 최근 한국에서 주목받는 콘텐츠인 The Decode가 인기를 얻는 이유 역시 여기에 있다. 현대인은 삶을 소비하는 데서 나아가 자신의 몸과 감정, 생활 방식을 분석하고 해석하려 한다. 이러한 시대적 변화 속에서 Six Senses London은 단순한 럭셔리 호텔 이상의 의미를 가진다. 이곳은 호텔의 부대시설이라기보다 도시 한가운데 자리한 웰니스 플랫폼에 가깝다. 특히 브랜드 최초의 프라이빗 멤버십 클럽인 Six Senses Place를 중심으로 호텔, 스파, 커뮤니티, 웰니스 프로그램이 유기적으로 연결된다. 이는 웰니스가 더 이상 휴양지에서만 경험하는 특별한 이벤트가 아니라 일상 속에서 지속적으로 실천하는 라이프스타일이 되고 있음을 보여준다.

@Six Senses London

디자인적으로도 Six Senses London은 흥미로운 접근을 보여준다. 가장 상징적인 공간인 스파는 런던 지하철의 역사와 구조에서 영감을 받았다. 일반적으로 지하 공간은 폐쇄적이고 답답한 이미지로 인식되지만 이곳은 오히려 도시의 지층 아래 숨겨진 웰니스 세계를 구현한다. 런던이라는 도시의 기억을 현대적으로 재해석하면서도 외부 세계와 단절된 몰입감을 만들어내는 것이다. 이는 단순한 테마 디자인이 아니라 분주한 도시 생활에서 벗어나 자신에게 집중하는 심리적 전환 장치로 기능한다.

공간 전체에서 느껴지는 분위기 역시 과도한 자극보다는 안정감에 가깝다. 절제된 색채, 자연 소재의 질감, 부드럽게 조절되는 조명은 사용자의 감각을 진정시키는 방향으로 설계되어 있다. 최근 웰니스 디자인에서 중요하게 다뤄지는 Sensory Minimalism의 대표적인 사례라고 할 수 있다. 화려한 장식으로 시선을 사로잡기보다 불필요한 자극을 줄이고 감각을 정돈하는 데 집중한다. 이곳에서 럭셔리는 더 많은 것을 보여주는 것이 아니라 덜어내는 방식으로 표현된다. 흥미로운 점은 Six Senses London이 단순히 편안함만을 제공하지 않는다는 것이다. 오히려 이 공간은 사용자가 자신의 몸과 마음의 상태를 이해하도록 돕는다. 수영장과 사운드 테라피, 다양한 리커버리 시설은 단순한 휴식 공간이 아니라 신체와 신경계의 균형을 회복하기 위한 환경으로 설계되었다. 과거의 스파가 기분 좋은 경험을 제공했다면, 오늘날의 웰니스 공간은 상태의 변화를 목표로 한다. 사용자는 서비스를 소비하는 것이 아니라 자신의 몸이 어떻게 반응하는지를 관찰하게 된다. 이러한 특징은 최근 웰니스 산업의 핵심 키워드인 Decode Wellness와도 맞닿아 있다. 사람들은 이제 막연히 건강해지고 싶어 하지 않는다. 자신의 수면 패턴과 스트레스 수준, 에너지 상태를 이해하고 싶어 한다고 한다. Six Senses London이 제공하는 개인 맞춤형 진단 프로그램과 장수중심의 웰니스 서비스는 이러한 욕구를 반영한다. 중요한 것은 몸을 쉬게 하는 것이 아니라 몸을 읽어내는 것이다.

@Six Senses London

또 하나 주목할 만한 점은 이 공간이 웰니스를 개인의 경험으로만 다루지 않는다는 사실이다. Six Senses Place는 운동과 회복, 식음, 문화 프로그램이 결합된 새로운 형태의 웰니스 커뮤니티를 제안한다. 최근 웰니스 업계에서 Social Wellness가 중요한 화두로 떠오르는 이유도 여기에 있다. 건강은 더 이상 개인의 루틴만으로 완성되지 않는다. 좋은 관계와 대화, 소속감 역시 중요한 웰니스 자산으로 인식된다. Six Senses London은 호텔과 클럽, 스파와 커뮤니티 공간의 경계를 허물며 웰니스를 사회적 경험으로 확장한다.

무엇보다 이곳이 흥미로운 이유는 최첨단 웰니스 기술과 가장 원초적인 감각 경험을 동시에 다루고 있다는 점이다. 생체 데이터 분석과 맞춤형 건강 프로그램을 통해 자신의 몸 상태를 객관적으로 이해하는 한편, Alchemy Bar에서는 허브를 만지고 향을 조합하며 직접 리추얼을 만드는 경험을 제공한다. 하나는 몸을 데이터로 읽어내는 과정이고, 다른 하나는 감각을 통해 몸과 다시 연결되는 과정이다. 결국 Six Senses London이 제안하는 웰니스는 사용자가 자신의 상태를 인식하고 이해하도록 돕는 공간을 제공하는 것이다. 피로를 없애는 것보다 왜 피로한지를 아는 것, 스트레스를 해소하는 것보다 무엇이 스트레스를 만드는지를 이해하는 것이 중요해진 시대. Six Senses London은 웰니스의 미래가 잘 쉬는 법이 아니라 자신을 읽는 법에 있다는 사실을 공간을 통해 보여주고 있다고 전했다.

https://www.sixsenses.com/en/hotels-resorts/europe/united-kingdom/london/