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더치디자인위크 2026 | AI 감시를 피하는 옷부터 폐플라스틱 자동차까지

Tue, 20 Oct 2026 23:16:12 GMT

에인트호번 더치디자인위크, 올해 주제는 ‘R.A.W.’

요약

네덜란드 에인트호번에서 10월 17일부터 25일까지 더치디자인위크(DDW) 2026이 열리고 있다. 올해 주제는 ‘R.A.W.(Rebel·Authentic·Worth)’. 공식 프로그램과 현지 보도를 토대로, 현장에 간다면 챙겨 볼 만한 작품을 골랐다.

AI 카메라가 나를 사람으로 알아보지 못하게 하는 옷이 있다. 폐플라스틱을 넣으면 굴러가는 자동차도 있다. 지금 네덜란드 에인트호번에 가면 볼 수 있는 것들이다.

유럽을 대표하는 디자인 축제 더치디자인위크(DDW)가 10월 17일 개막해 25일까지 이어진다. 중심 전시장은 옛 필립스 공장 지대 스트레이프-S에 있는 클록헤바우다. 시청 광장과 산업 창고, 디자이너 작업실까지 도시 곳곳이 전시장으로 쓰인다.

클록헤바우에 차려진 졸업전 ‘클래스 오브 26’. 유럽 각국 디자인 학교의 졸업 작품이 한자리에 모였다(사진=Dutch Design Week)

올해 주제 ‘R.A.W.’

올해 주제는 ‘R.A.W.(Rebel·Authentic·Worth)’다. 주최 측인 더치디자인재단은 다듬어지지 않은 것, 아직 탐색 중인 것, 실험적인 것을 끌어안겠다고 밝혔다. 완성된 결과물보다 변화가 형태를 갖춰 가는 과정을 보여주겠다는 얘기다.

그래서인지 올해 작품 목록에는 물음표가 많이 붙어 있다. 첫 번째는 감시 카메라를 피하는 옷이다.

카메라를 속이는 옷, 관람객이 돌리는 풍차

베를린 디자이너 시몬 베커트의 《디지털 카무플라주》는 공공장소의 컴퓨터 비전 시스템을 속이도록 만든 옷이다. 어지러운 무늬가 기계가 읽는 시각 정보를 흐트러뜨려, 알고리즘이 사람 형체를 잡아내지 못하게 한다. 군복의 위장 무늬가 사람 눈을 속이려고 만든 것이었다면, 이 옷이 겨냥하는 건 기계의 눈이다. 쉘런스 공장의 ‘something.bigger’ 전시와 섹티-C 등에서 볼 수 있다.

시몬 베커트의 《디지털 카무플라주》 셔츠. 무늬가 컴퓨터 비전의 사람 인식을 흐트러뜨리도록 만들어졌다(사진=Simon Weckert·Dutch Design Week)

시청 광장에는 바퀴 달린 풍력 터빈 여러 대가 놓인다. 디자인 듀오 이자벨+헬렌의 참여형 설치작품 《필드》다. 관람객이 터빈을 하나씩 바람 쪽으로 돌려야 작동하고, 날씨와 사람 손길에 따라 풍경이 계속 바뀐다. 에너지가 어디서 오는지 글로 설명하는 대신 손으로 직접 돌려 보게 했다. 무료로 볼 수 있다.

이자벨+헬렌의 《필드》에 쓰인 풍력 터빈. 관람객이 직접 바람 쪽으로 돌려야 움직인다(사진=Isabel+Helen·Dutch Design Week)

폐플라스틱 자동차와 빛나는 창문

TX 빌딩에서는 헤이스 스할크스가 폐플라스틱으로 달리는 자동차, 늪지 가스로 가는 오토바이, 전기로 나는 ‘하늘 자전거’를 선보인다. 당장 도로에 나올 물건은 아니다. 우리가 얼마나 화석연료에 기대어 사는지 되묻는 작업에 가깝다.

헤이스 스할크스가 개조한 자동차. 폐플라스틱을 연료로 쓴다(사진=Gijs Schalkx·Dutch Design Week)

클록헤바우의 《비트윈 라이츠》는 크기가 훨씬 작다. 테레사 판 동언이 만든 이 장치는 창문에 붙이는 투명한 판이다. 유기 태양전지(OPV)와 인쇄 전자 기술로 낮에는 햇빛과 실내 빛을 모으고, 해가 지면 모아 둔 에너지로 내장 LED를 켠다. 낮에는 창, 밤에는 조명이다.

테레사 판 동언의 《비트윈 라이츠》. 창문에 붙인 투명한 판이 낮에는 빛을 모으고 밤에는 조명이 된다(사진=Teresa van Dongen·Dutch Design Week)

자투리와 원료에서 시작하는 디자인

‘무엇으로 만들었나’를 묻는 작업도 여럿이다. 그룹전 ‘에코’의 《01 알루 에디션》은 알루미늄 압출 프로파일과 가로등을 만들고 남은 자투리로 새 제품을 만든 프로젝트로, 주최 측에 따르면 15개 디자이너·스튜디오가 참여했다. 제조사가 버리던 자투리를 디자이너가 받아 제품으로 바꾸는 방식은 국내 기업과 디자이너가 함께 시도해 볼 만한 협업 모델이기도 하다.

크리스티엔 메인더르츠마의 《로컬 리놀륨》(클록헤바우)은 원료 쪽으로 거슬러 올라간다. 일상 소재가 어떻게 만들어지는지 오랫동안 추적해 온 그는 이번에 양모와 아마 같은 지역 원료로 만든 리놀륨 타일, 3D 프린팅한 양모 등을 내놨다. 우리 집 바닥재는 어디서 왔을까 하는 질문이다.

졸업전은 빼놓지 말 것

DDW에 가는 디자이너들이 꼭 들르는 곳이 졸업전이다. 사비너 마르설리스, 포르마판타스마, 헬라 용에리위스를 배출한 디자인아카데미 에인트호번(DAE) 졸업전은 해마다 관람객이 몰리는 곳이다. 클록헤바우의 ‘클래스 오브 26’에서는 베를린예술대학, 헤이그 왕립예술원, 부다페스트 MOME 등 유럽 여러 학교의 졸업 작품을 한곳에서 볼 수 있다.

직접 돌리고, 서 보고, 들여다보는 전시

AI 감시, 에너지, 재료. 올해 DDW가 다루는 주제는 무겁지만 보는 방식은 의외로 가볍다. 터빈을 손으로 돌리고, 카메라 앞에 서 보고, 창문에 붙은 조명을 들여다보는 식이다.

‘다듬지 않은 것’을 내세운 축제답게 답을 정리해 주지는 않는다. 질문을 들고 돌아가는 건 관람객 몫이다. 축제는 25일까지 열린다.

이런 분께 추천해요

• 기술과 사회 이슈를 다루는 ‘생각하게 하는 디자인’을 좋아하는 분
• AI·감시·에너지 문제를 디자인이 어떻게 다루는지 궁금한 분
• 졸업 작품이나 포트폴리오 방향을 고민하는 디자인 전공생
• 유럽 여행 중 디자인 축제를 경험해 보고 싶은 분 — 10월 17~25일, 주요 전시는 DDW 티켓 필요(《필드》는 무료)

참고 자료 더치디자인위크 공식 · DDW 필드 · DDW 디지털 카무플라주 · DDW 헤이스 스할크스 · DDW 비트윈 라이츠 · DDW 01 알루 에디션 · DDW 로컬 리놀륨 · Dezeen · This is Eindhoven

※ 이 글은 생성형 AI를 활용해 공개 자료를 바탕으로 작성했습니다. 오류나 수정이 필요한 내용은 designdb@kidp.or.kr로 알려주세요.

런던디자인페스티벌 2026 | 철거 건물 참나무부터 박테리아 타일까지

Mon, 19 Oct 2026 23:14:21 GMT

재료의 이력, 장인과 AI, 그리고 제약 — 2026 런던 디자인 트렌드

요약

지난 9월 12일부터 20일까지 런던 11개 디자인 디스트릭트에서 열린 제24회 런던디자인페스티벌(LDF 2026)을 현지 보도와 관람 후기를 바탕으로 살펴본다. 철거 현장에서 회수한 참나무 가구, 박테리아가 굳힌 타일, 우즈베키스탄 전통 자수와 AI의 협업, 텐트 폴로 만든 조명까지. 올해 런던에서 주목받은 디자인은 새것이 아니라 ‘어디서 왔는지’가 분명한 것들이었다.

디자인 축제라고 하면 반짝이는 신제품부터 떠올리기 쉽다. 그런데 올해 런던디자인페스티벌(LDF)에서 가장 많이 회자된 물건들은 하나같이 출신이 분명했다. 철거 현장에서 나온 나무, 공장에서 남은 자투리, 시든 슈퍼마켓 꽃까지.

지난 9월 12일부터 20일까지 열린 제24회 LDF는 런던 11개 디자인 디스트릭트에서 설치작품과 전시, 포럼을 선보였다. 주최 측은 올해의 흐름을 글로벌 교류와 공예의 부활, 미래 기술의 만남으로 요약했다. 현장을 따라가 보면 그 흐름이 어떤 물건으로 나타났는지가 선명하게 보인다.

LDF는 해마다 도심에 랜드마크 설치작품을 세운다. 올해 랜드마크 프로젝트 가운데 하나인 스튜디오 사르와 아틀리에 원의 ‘판골린 실드(The Pangolin Shield)’(사진=Mark Cocksedge·London Design Festival)

이 가구, 원래는 건물이었다

출발점은 쇼디치의 옛 산업 창고다. 올해 5회째를 맞은 소재 박람회 ‘머티리얼 매터스’가 이곳으로 자리를 옮겨, 9월 15일부터 17일까지 50여 개 참가사가 천연·재생·신소재를 들고 나왔다.

가장 눈길을 끈 건 디자인 스튜디오 프리마 마테리아의 가구 컬렉션 ‘철거에서 디자인으로(Demolition to Design)’다. 런던 홀번의 재개발 현장에서 회수한 참나무로 만들었는데, 나무에 남은 옛 고정 자국을 숨기지 않고 그대로 드러냈다. 제품마다 이력을 담은 디지털 제품 여권도 붙였다. 흠집이 결함이 아니라 이 가구가 어디서 왔는지 증명하는 표식이 된 셈이다.

같은 박람회에서 바이오 기업 바이오메이슨과 소재 플랫폼 프론트는 박테리아의 힘으로 굳힌 ‘미믹 타일(Mimmik Tile)’을 내놨다. 산호가 자라는 원리에서 착안해 박테리아가 탄소와 칼슘을 결합해 대리석처럼 단단한 소재를 만든다. 시멘트 기반 제품을 대신할 바닥·벽 타일이다. 파이타 바이오디자인은 건물 외벽에 야생동물이 깃들 수 있는 파사드 시스템을 선보였다. 재료가 어디서 와서 어디로 가는지까지 설계하는 시도들이다.

비늘처럼 겹친 판으로 덮인 ‘판골린 실드’. 도심 거리 한가운데 들어섰다(사진=Mark Cocksedge·London Design Festival)

장인의 손과 AI가 만났을 때

재료의 이력을 묻는 질문은 만드는 사람의 손으로 이어진다. 빅토리아 앤드 앨버트 박물관(V&A)은 LDF와 함께 박물관 곳곳에 설치작품 시리즈 ‘어웨이크닝스’를 펼쳤다.

그중 아지자 카디리의 《발신인 불명(Sender Unknown)》은 우즈베키스탄 전통 자수 ‘수자니’를 불러낸다. 수자니는 신부의 혼수로 만들던 정교한 자수 직물이다. 카디리는 직접 만든 AI 모델로 수자니에서 영감받은 새 문양을 만들고, 이를 우즈베키스탄 누라타의 여성 장인들이 손으로 수놓았다. 문화를 지울 수도 있는 기술을 보존과 교류의 도구로 쓸 수 있는지 묻는 작업이다.

올해 신진 디자이너 커미션을 받은 스튜디오 플레이풀의 《더 서버》는 시선을 조금 비튼다. 박물관이 소장품을 닦고 관리하는 일상에서 출발해, AI 경쟁으로 빠르게 늘어나는 데이터센터에서도 자동화되지 않는 일, 곧 ‘청소’에 주목했다. 관람객은 게임처럼 유지·관리 노동에 직접 참여하게 된다.

특별 프로젝트 ‘크래프트×테크: 도카이 프로젝트’는 일본 장인과 해외 디자이너를 짝지은 여섯 개의 협업을 선보였다. 필립 말루앵, 베선 로라 우드 등이 참여해 전통 기법을 동시대 디자인으로 풀었다.

일본 장인과 해외 디자이너를 잇는 LDF ‘크래프트×테크’ 프로젝트의 지난 회차 전시(사진=Craft x Tech, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commons)

도심 스트랜드 거리에 선 랜드마크 파빌리온 ‘팽골린 실드’도 같은 흐름에 있다. 스튜디오 사르와 엔지니어링사 아틀리에 원이 만든 대나무 구조물로, 인도의 전통 대나무 방패와 야자잎을 엮은 우비 ‘크누프’로 외피를 덮었다. 모티프는 온몸이 비늘로 덮인 천산갑, 세계에서 가장 많이 밀거래되는 포유류다. 권위의 상징이던 방패를 모두가 쉬어 가는 공간으로 바꾸며 식민의 역사와 생태 착취를 함께 짚었다.

한계가 아이디어가 될 때

재료와 손에 이어 올해 LDF가 던진 세 번째 질문은 ‘조건’이었다. 가구 매장 아람 지하에는 ‘런던 젊은 디자이너의 집’이 차려졌다. 비영리 디자인 단체 디자인 에브리싱이 기획한 전시 《위드 리미테이션스(With Limitations)》다. 부엌과 거실, 침실로 꾸민 가상의 아파트를 신진 디자이너 102명이 만든 120여 점의 물건으로 채웠다. 조건은 하나, 공간·시간·예산·재료와 장비 같은 ‘제약’에 답하는 물건일 것. 참가비는 받지 않았다.

디진(Dezeen)의 현장 보도에 소개된 물건들은 제약을 그대로 이야기로 만들었다. 오래된 텐트 폴과 줄로 만든 활 모양 주방 조명, 시든 슈퍼마켓 꽃으로 셰어하우스에서 직접 구운 타일, 제작 자투리로 만든 침대가 대표적이다. 침대를 만든 디자이너는 전시가 끝날 때까지 바닥 매트리스에서 잔다고 한다.

손의 흔적은 다른 곳에서도 이어졌다. 브롬턴 디자인 디스트릭트를 직접 둘러본 한 관람기는 가구 제작자 바이런 프리처드 팀이 도면 없이 손 공구만으로 시카모어 원목 한 덩어리를 깎아 낸 작업을 가장 인상적인 장면으로 꼽았다. 나무가 결과를 이끌었다는 평이다.

LDF에서 가장 큰 디자인 디스트릭트로 꼽히는 쇼디치. 사진은 쇼디치 타운홀(사진=Tarquin Binary, 퍼블릭 도메인, Wikimedia Commons)

새것보다 ‘이력’이 디자인이 된다

철거 현장의 참나무, 박테리아가 굳힌 타일, AI가 그리고 장인이 수놓은 문양, 텐트 폴로 만든 조명. 올해 런던에서 주목받은 물건들은 결국 하나의 질문으로 모인다. 무엇으로, 누구의 손으로, 어떤 조건에서 만들었는가.

‘친환경’이라는 말을 붙이는 데서 끝나지 않고, 재료의 출신과 만든 사람의 사연이 곧 제품의 매력이 되는 흐름이다. 순환 소재를 실험하는 기업, 지역 공예와의 협업을 고민하는 지자체, 적은 예산으로 졸업 전시를 준비하는 디자이너 모두에게 참고할 만한 장면들이다.

이런 분께 추천해요

• 업사이클링·빈티지 가구, 친환경 소재에 관심 있는 분
• 공예와 AI 같은 새 기술의 만남이 궁금한 분
• 작은 방, 한정된 예산으로 집 꾸미기를 고민 중인 분
• 런던 여행을 앞둔 분 — 《발신인 불명》은 2027년 1월 10일까지 무료 관람

참고 자료 STIR · 런던디자인페스티벌 보도자료 · Dezeen(LDF 주요 전시) · Dezeen(위드 리미테이션스) · Luxiders · LDF(프리마 마테리아) · 머티리얼 매터스(프론트×바이오메이슨) · Design Insider Live · V&A(어웨이크닝스) · V&A(발신인 불명) · LDF(플레이풀) · Livingetc

※ 이 글은 생성형 AI를 활용해 공개 자료를 바탕으로 작성했습니다. 오류나 수정이 필요한 내용은 designdb@kidp.or.kr로 알려주세요.

다이슨 카메라젯 전동칫솔 디자인 | 칫솔에 카메라를 단 이유

Mon, 19 Oct 2026 23:08:00 GMT

치아 사이를 ‘보는’ 칫솔, 소리를 ‘보여주는’ 알람 — 다이슨이 일상 물건을 다시 설계하는 법

청소기와 헤어드라이어를 만들던 다이슨이 칫솔을 내놓았다. 칫솔모 한가운데 카메라를 숨겨 치아 사이 틈을 찾고, 그 틈에 구강 세정액을 쏘는 ‘카메라젯’이다. 떨리는 칫솔모 사이로 사진을 찍는 법부터 칫솔에 헤어드라이어 색을 입힌 이유까지, 6년에 걸친 설계 과정을 따라가 본다.

“많은 사람들이 치실이 중요하다는 걸 알면서도, 귀찮고 오래 걸린다는 이유로 하지 않는다.”

지난 9월 1일 프랑스 파리. 제임스 다이슨은 다이슨의 첫 구강 관리 제품을 소개하며 이렇게 말했다. 다이슨이 인용한 자료에 따르면 사람들의 평균 양치 시간은 45초로 권장 시간인 2분에 한참 못 미치고, 10명 중 9명은 권장만큼 치실을 쓰지 않는다. 양치와 치실, 헹굼이 각각 다른 도구로 나뉘어 있으니 매일 세 단계를 다 챙기는 사람은 드물 수밖에 없다.

다이슨이 주목한 곳은 플라그가 처음 쌓이는 ‘치아 사이’였다. 해야 하는 줄 알면서도 하지 않는 일이라면, 사람이 아니라 제품이 대신 하게 만들면 된다. 그렇게 나온 답이 칫솔에 카메라를 단 ‘카메라젯’이다.

내부 구조를 드러낸 다이슨 카메라젯. 손잡이 안에 모터와 회로 등 부품이 촘촘히 들어 있다 (사진=다이슨)

입안이라는 가장 까다로운 촬영장

카메라젯의 칫솔모 한가운데에는 10만 화소 매크로 렌즈 카메라가 숨어 있다. 이 카메라는 1초에 28장씩 입안을 찍고, 치아 이미지 47만 장으로 학습한 알고리즘이 사진 속에서 치아 사이 틈의 위치와 방향을 찾아낸다. 틈을 발견하면 0.1초 만에 본체에 담긴 구강 세정액을 쏜다. 칫솔질을 하는 동안 치실질까지 저절로 끝나는 셈이다.

말로는 간단하지만, 입안은 카메라에게 가장 까다로운 촬영장이다. 다이슨의 수석 엔지니어이자 창업자의 아들인 제이크 다이슨은 IT 매체 테크레이더와의 인터뷰에서, 입안에는 침이 있고 카메라 앞으로 무언가가 계속 움직이며 어둠과 그늘, 빛이 뒤섞인다고 설명했다. 그는 이 상황을 “눈 오는 날의 자율주행차”에 빗댔다. 주변 환경을 놓치는 순간 제대로 작동할 수 없다는 뜻이다. 그는 “2년 전에도 출시할 수는 있었지만, 모든 틈을 정확히 맞히지는 못했다”고 털어놨다.

가장 큰 방해꾼은 칫솔모 자신이었다. 칫솔모는 쉬지 않고 떨리며 렌즈 앞을 가린다. 다이슨은 조명과 카메라를 257Hz 주기로 깜빡이게 하고, 이 주기를 칫솔 진동과 일부러 살짝 어긋나게 맞췄다. 칫솔모가 렌즈 앞에서 비켜나는 찰나마다 치아를 선명하게 찍기 위해서다.

칫솔모 가운데 자리한 카메라가 빛을 비추며 치아 사이를 찾는다 (사진=다이슨)

이 과정에 661명의 엔지니어가 6년을 쏟았다. 특허 출원만 38건, 제품을 움직이는 코드는 1,600만 줄에 이른다. 전 세계 치과 전문가 30명과 함께 개발했고, 싱가포르국립대학교와는 치아 사이 플라그를 함께 연구했다. 기다린 시간이 오히려 도움이 된 면도 있다. 제이크 다이슨은 6년 전이었다면 카메라와 연산 칩 값이 너무 비싸 소비자 제품에 넣기 어려웠을 것이라며, 카메라젯을 “손에 쥐는 실험실 장비”라고 불렀다.

물줄기 하나, 치약 하나까지 다시 설계하다

틈을 찾은 다음에는 무엇을 어떻게 쏠지가 남는다. 기존 구강 세정기는 물줄기를 바늘처럼 가늘고 세게 쏜다. 카메라젯은 반대로 넓은 원뿔 모양으로 압력을 낮춰 뿌린다. 플라그를 뚫기보다 쓸어내고, 잇몸과 법랑질의 부담은 줄이려는 선택이다.

각도도 문제였다. 어금니 안쪽을 닦을 땐 칫솔을 거의 눕혀서 쓴다. 다이슨은 칫솔을 어떻게 기울여도 분사가 끊기지 않도록 12.5ml 탱크 안에 실리콘 막을 넣었다. 막이 부풀며 탱크 속 공기층을 최소화하는 구조다. 다이슨은 이를 ‘반중력 탱크’라 부르는데, 다이어프램 펌프와 함께 수직·사선·수평 어느 각도에서도 물줄기가 끊기지 않게 해준다.

치아 사이를 찾으면 가는 물줄기 대신 넓은 원뿔 모양으로 세정액을 분사한다 (사진=다이슨)

칫솔모도 두 겹이다. 안쪽의 단단한 모가 치아 표면의 착색을 닦고, 바깥쪽의 부드러운 모가 잇몸선을 맡는다. 브러시 헤드에는 진동 소음을 줄이는 ‘소닉 댐퍼’를 넣었다.

가장 흥미로운 결정은 치약이다. 거품은 카메라의 시야를 가린다. 그래서 다이슨은 거품이 거의 나지 않는 전용 치약을 함께 내놓았다. 핵심 기능이 제대로 작동하도록, 제품과 함께 쓰는 소모품까지 새로 만든 것이다.

입안을 찍는 카메라인 만큼 사생활도 설계의 일부가 됐다. 카메라는 앱으로 실시간 화면을 볼 때와 자동 분사를 할 때만 켜지고, 어떤 이미지도 제품이나 클라우드에 저장하지 않는다고 다이슨은 밝혔다.

칫솔에 헤어드라이어 색을 입힌 이유

카메라젯은 처음 보는 사람도 한눈에 다이슨 제품이라는 걸 알아챌 만하다. 색 조합을 헤어드라이어 ‘슈퍼소닉’과 스타일러 ‘에어랩’ 같은 뷰티 제품군에서 그대로 가져왔기 때문이다. 제이크 다이슨은 “칫솔도 뷰티 제품이라고 생각했다”고 말했다.

색상은 ‘세라믹 울트라 블루’와 ‘세라믹 핑크’ 두 가지다. 울트라 블루는 제임스 다이슨이 좋아하는 화가 이브 클랭의 파란색에서 영감을 받았는데, 같은 색을 쓸 수는 없어 다이슨만의 파란색을 따로 만들었다고 한다. 여기에 로즈골드 포인트와 헤더 퍼플 색 거치대를 더했다. 제이크 다이슨은 “다른 칫솔은 흰색, 검은색 아니면 촌스러운 분홍”이라며 색만 보고도 다이슨이라는 걸 알아보게 하고 싶었다고 했다. 욕실 선반 위의 칫솔을 브랜드를 보여주는 물건으로 다룬 셈이다.

칫솔을 꽂아 두는 거치대도 단순한 받침대가 아니다. 충전과 보관, 세정액 리필을 한 번에 하는 ‘3-in-1 리필 도크’로, 버튼을 한 번 누르면 약 3초 만에 탱크가 다시 찬다. 대신 본체는 두께 4.4cm, 길이 27.3cm, 무게 230g으로 일반 전동 칫솔보다 두툼하다. 카메라와 펌프, 탱크를 모두 손잡이에 넣은 대가다. 다이슨은 전원 버튼을 2초간 누르면 배터리를 아끼는 ‘여행 모드’와 여행용 케이스로 휴대성을 보완했다.

써본 사람들은 뭐라고 했나

영국과 아일랜드 매체들이 먼저 써본 후기는 “놀랍지만 아직은 길들이는 중”으로 모인다. 영국 IT 매체 엑스퍼트 리뷰는 양치 후 앱이 보여주는 ‘놓친 부위’ 지도가 놀라울 만큼 정확했다고 평가했고, 아일랜드 일간지 아이리시 타임스 기자는 양치 뒤 치실로 확인해 보니 남은 찌꺼기가 거의 없었다고 전했다.

아쉬움도 분명했다. 칫솔을 치아와 나란히 대는 새 습관을 익혀야 하고, 앞니를 닦을 때면 세정액이 거울까지 튄다는 후기가 공통적이었다. 소비자 단체 매체 위치(Which?)의 기자는 분사 소리가 커서 옆 사람이 자고 있을 땐 쓰기 어렵다고 했다. 그 기자의 치과의사는 “치간 칫솔이나 치실만큼 꼼꼼하지는 않다”며 치실을 완전히 대신하지는 못한다고 조언했다.

익숙한 물건을 뒤집는 건 다이슨의 오랜 방식이다. 1993년 먼지 봉투 없는 사이클론 청소기 ‘DC01’로 업계 표준을 바꿨고, 2016년 헤어드라이어 ‘슈퍼소닉’으로 미용 가전 시장을 흔들었다. 물론 매번 성공한 건 아니다. 디자인 매체 디진(Dezeen)은 두 개의 드럼이 반대로 도는 세탁기 ‘CR01’(제조비 부담으로 2005년 단종)과 상업성 부족으로 접은 전기차 프로젝트를 다이슨이 바꾸지 못한 제품으로 꼽았다. 칫솔이 어느 쪽에 이름을 올릴지는 지금부터의 이야기다.

소리를 빛으로 바꾼 학생 발명품, SIVO.GO

카메라젯이 보이지 않는 치아 사이를 보이게 만들었다면, 들리지 않는 소리를 보이게 만든 발명품도 있다. 다이슨이 매년 여는 국제 학생 엔지니어링 및 디자인 공모전 ‘제임스 다이슨 어워드’의 2026년 영국 수상작, 청각장애인을 위한 AI 알람 ‘SIVO.GO’다.

디자이너 가르기 아그라왈라는 인공와우를 쓰는 청각장애인이다. 잠잘 때나 샤워할 때는 외부 장치를 빼야 해서, 낯선 숙소에 묵을 때마다 화재경보나 노크 소리를 못 들을까 불안했다. 그 경험에서 SIVO.GO가 시작됐다. 500개 넘는 소리 샘플로 학습한 AI가 초인종과 경보음, 노크 소리를 구분해 빛과 진동으로 알려준다. 인터넷 연결 없이 기기 안에서만 작동해 사생활도 지킨다.

잠든 사이 울린 소리를 SIVO.GO가 빛과 진동으로 알려주는 장면 (사진=제임스 다이슨 어워드)

SIVO.GO는 상금 5,000파운드를 받았고, 지금은 시제품을 다듬는 단계다. 올해 국제 수상작은 11월 4일 발표된다.

SIVO.GO 시제품을 소개하는 모습 (사진=다이슨)

보이지 않는 것을 번역하는 디자인

카메라젯과 SIVO.GO는 크기도, 만든 사람도 다르지만 같은 질문에서 출발했다. 사람이 놓치는 것을 어떻게 감각으로 바꿔 전할 것인가. 칫솔은 보이지 않는 치아 사이를 카메라로, SIVO.GO는 들리지 않는 소리를 빛과 진동으로 바꿨다.

두 제품이 주는 힌트는 하나 더 있다. 카메라와 마이크처럼 일상을 감지하는 제품일수록 ‘저장하지 않는다’, ‘인터넷 없이 작동한다’는 약속이 기능만큼 중요해졌다는 점이다. 그리고 좋은 기능은 제품 하나로 완성되지 않는다. 카메라젯이 전용 치약과 리필 도크, 익숙한 브랜드 색까지 함께 설계했듯, 사용 환경 전체를 디자인할 때 비로소 사람의 습관이 바뀐다.

이런 분께 추천해요

• 전동 칫솔이나 구강 세정기를 고민 중인 분
• AI·센서를 생활용품에 접목하는 제품 디자이너
• 브랜드 컬러·CMF 전략에 관심 있는 디자이너
• 접근성·유니버설 디자인에 관심 있는 디자인 전공생

참고 자료 다이슨코리아 보도자료 · TechRadar(제이크 다이슨 인터뷰) · Yanko Design · AI 매터스 · Expert Reviews · Which? · The Irish Times · Dezeen(다이슨 제품사) · Dezeen(SIVO.GO) · 러프버러대학교 · 제임스 다이슨 어워드

※ 이 글은 생성형 AI를 활용해 공개 자료를 바탕으로 작성했습니다. 오류나 수정이 필요한 내용은 designdb@kidp.or.kr로 알려주세요.

헬싱키 디자인 위크 2026_도시 전체가 디자인의 무대가 되다

Wed, 30 Sep 2026 13:06:18 GMT

이미지: 헬싱키 디자인 위크

지난 8월 28일부터 9월 6일까지 열린 제21회 헬싱키 디자인 위크(Helsinki Design Week)는 올해 하나의 중심 행사장을 두지 않았다. 식물원과 부두, 거리, 옛 산업시설, 빵집과 시청까지 도시 곳곳에 프로그램이 펼쳐졌다. 올해 주제 ‘다가오는 타자(The Oncoming Other)’ 역시 서로 다른 사람과 아이디어, 장소가 만날 때 만들어지는 새로운 관계에 주목했다. 동시에 헬싱키 디자인 위크와 헬싱키시는 알렉산테린카투(Aleksanterinkatu) 일대를 중심으로 도심을 보다 활기찬 문화와 도시생활의 공간으로 만들기 위한 2년간의 협업을 시작했다. 올해 디자인 위크는 디자인을 전시하는 데서 나아가 도시에서 사람들이 어디에서 만나고, 무엇을 하며, 왜 머무르는 가를 다뤘다.

알토 90 파빌리온. 사진: 헬싱키 디자인 위크

카이사니에미 식물원에는 1960년대 후반 마티 수로넨(Matti Suuronen)이 설계한 푸투로 하우스(Futuro House)가 들어섰고, 부둣가에는 알바 알토의 꽃병 탄생 90주년을 기념한 알토 90 파빌리온(Aalto 90 Pavilion) 이 설치됐다. 새로운 건축·디자인 박물관이 들어설 지역도 시민들에게 문을 열었다. 클루비카투(Kluuvikatu)에서는 도심의 미래를 실험하는 헬싱키 디자인 위크 랩(HDW Lab)이 마련되었고, 쇼핑 거리에서는 셰프 사미 탈베리(Sami Tallberg)의 야생버섯 바(Wild Mushroom Bar) 팝업이 열렸다.

마리메꼬와 푸투로 하우스 이미지: 헬싱키 디자인 위크

마리메꼬와 푸투로 하우스 내부 사진: 헬싱키 디자인 위크

규모가 작은 독립 전시들도 도시의 기존 장소를 적극적으로 활용했다. 디자인 잡지 샐래(Sälä)와 이동형 갤러리 살롱키(Salonki)가 함께 만든 샐래 살롱키(SäläSalonki) 는 폐쇄된 전기 발전소의 옛 직원 공간에 자리 잡았다. 전시는 샐래 3호의 주제인 ‘영양과 돌봄(Nourishment)’ 을 다루면서 발전소의 기존 구조와 흔적을 전시의 일부로 활용했다. 작품을 중립적인 전시장으로 옮기기 보다 장소가 관람 순서와 작품 사이의 관계까지 결정하도록 한 것이다.

샐래 살롱키 전시. 사진: 서정애

빵집 카페 프리모 키친에서는 리싱크 리폼(Re-Think Re-Form) 전시가 열렸다. 핀란드에서 활동하는 디자인, 예술, 공예 가운데 하나로 명확히 구분하기 어려운 작업들을 소개하며 재료와 제작 과정, 작가와 사용자, 공간과 관객의 관계를 함께 다뤘다. 올해 주제 ‘우리(WE)’ 역시 개별 작가보다 이들 사이에서 형성되는 관계에 초점을 맞췄다.

리싱크 리폼 전시. 사진: 서정애

도시 곳곳의 전시를 따라가다 보면 같은 디자이너의 이름을 반복해서 만나게 되는 것도 흥미로웠다.

같은 시기에 열린 하비타레(Habitare)의 탤런츠(Talents) 에 선정된 작가들은 다른 곳의 전시에서도 만날 수 있었다. 하비타레에서는 새로운 세대의 특징을 예술과 디자인, 공예 사이를 넘나드는 다분야적 활동이라고 본다. 전시를 기획한 이무 디자인(Imu Design)은 산업 생산으로 가는 비용이 높아지는 동시에 개별성과 느린 제작 과정에 대한 관심이 커지면서 디자이너들이 대량생산에서 유일품과 컬렉터블 디자인(collectible design)으로 이동하고 있다고 분석했다. 대형 박람회와 독립 전시에서 같은 사람들이 활동하는 모습은 오늘날 디자이너의 활동 영역이 하나의 제품이나 플랫폼에 한정되지 않는다는 것을 보여준다. 박람회에서는 프로토타입을 선보이고, 도시의 작은 전시에서는 보다 실험적 이거나 예술적인 작업을 보여주는 방식이다.

하비타레 탤런트 전시. 사진: 서정애

올해 프로그램에서는 도심 활성화를 디자인의 문제로 직접 다뤘다는 점이 흥미로웠다.

헬싱키 시청에서 열린 ‘더 활기찬 도심을 향하여(Towards a More Vibrant City Centre)’ 세미나는 “헬싱키 도심을 어떻게 다시 상상할 수 있을까?”라는 질문에서 출발했다. 기존의 도심은 오랫동안 상점과 사무실, 공공 인프라를 중심으로 형성됐지만 전자상거래와 원격근무, 변화한 소비 습관과 생활방식으로 이 모델이 흔들리고 있다는 것이다.

세미나에는 도시전략가 카탸 린드로스(Katja Lindroos)를 비롯해 도시계획과 비즈니스, 디자인 분야 관계자들이 참여했다. 스웨덴 웁살라(Uppsala)의 도심 개발 사례를 소개한 리사 퇴른(Lisa Thörn)은 공공과 민간의 장기적인 협력 모델을 다뤘고, 더블유에스피(WSP)의 도시디자인 디렉터 피아 살미(Pia Salmi)는 헬싱키의 여러 프로젝트를 통해 장기적인 협업, 높은 디자인 품질, 사용자 중심의 접근이 도시 공간을 지속적으로 변화시킨 사례를 소개했다. 패널에서는 음식과 문화, 소규모 상점과 지역 사업자까지 포함해 실제로 사람들이 도심을 찾게 할 구체적인 방법이 논의됐다.

알렉산테린카투에 생긴 와일드 머쉬룸 팝업식당 사진: 헬싱키 디자인 위크

이와 연결된 헬싱키 디자인 위크 랩에서는 알렉산테린카투의 거리와 건물 1층 공간을 어떻게 새롭게 활용할 것인지를 시민과 전문가가 함께 논의했다. 여기서 중요한 것은 도심 활성화를 새로운 건축물을 짓는 문제로만 보지 않았다는 점이다. 거리와 광장을 정비하는 것만으로 활기찬 도시가 만들어지는 것이 아니라 그곳에서 사람들이 할 수 있는 활동과 만날 이유가 함께 필요하다는 관점이다.

올해 헬싱키 디자인 어워드(Helsinki Design Award) 는 건축사무소 제이케이엠엠 아키텍츠(JKMM Architects) 가 수상했다. 심사위원단은 제이케이엠엠이 건축뿐 아니라 인테리어, 도시계획, 가구, 그래픽과 예술을 함께 다뤄온 통합적 접근과 핀란드 디자인 문화를 새롭게 만들어온 역할을 수상 이유로 들었다.

최근 레노베이션 마무리 단계인 핀란드 국립 박물관 전경. 사진: JKMM

사무소는 헬싱키에서 아모스 렉스(Amos Rex) 미술관과 라시팔라치 광장(Lasipalatsi Square)을 통해 기존 도심 공간에 새로운 공공적 기능을 더했다. 현재 핀란드 국립박물관 확장 프로젝트를 진행하고 있으며, 앞으로 새로운 건축·디자인 박물관 프로젝트에도 참여한다. 헬싱키시 최고디자인책임자 한나 해리스(Hanna Harris)는 특히 아모스 렉스와 라시팔라치 광장이 시민들에게 사랑받는 공공공간이 된 점을 강조했다.

제이케이엠엠의 아스모 약시(Asmo Jaaksi)는 건축이 여러 분야의 전문가와 사용자와의 협업을 통해 만들어지며, 좋은 건축은 사람들이 만나고 도시를 자신의 공간으로 경험할 수 있는 공동의 장소를 만든다고 설명했다.

헬싱키 어워드 시상식 사진: 헬싱키 디자인 위크

디자인 위크의 마지막에는 핀란드 최초의 의회건물인 역사적인 귀족회관(Ritarihuone, House of Nobility)에서 페차쿠차 나이트(PechaKucha Night)가 열렸다. 건축과 디자인뿐 아니라 기업, 음식, 영화, 문화 등 서로 다른 분야의 아홉 명이 20장의 이미지를 각각 20초씩 보여주는 형식으로 이야기를 나눴다. 전시뿐 아니라 토론과 음식, 강연까지 ‘만남’을 만드는 여러 형식이 디자인 위크의 일부가 된 것이다.

페차쿠차 나이트 이벤트 사진: 헬싱키 디자인 위크

2026년 헬싱키 디자인 위크에서 도시 전체가 전시장이 되었다는 것은 단순히 행사가 여러 장소에서 열렸다는 의미만은 아니다. 기존의 건물과 거리에는 새로운 쓰임을 만들고, 도심의 문제를 시민과 전문가가 함께 논의하며, 서로 다른 분야의 사람들이 만날 이유를 만드는 것까지 도시 디자인의 영역으로 확장됐다. 올해 디자인 위크는 디자인이 물건을 만드는 일을 넘어 도시에서 어떻게 함께 살아갈 것인가를 설계하는 방식이라는 것을 보여주었다.

https://helsinkidesignweek.com/?lang=en

Habitare 2026_변화와 우연을 받아들이는 핀란드 디자인 박람회

Mon, 28 Sep 2026 12:33:49 GMT

하비타레 테마를 표현한 컨셉 이미지 사진: 하비타레 2026

핀란드 최대의 가구, 인테리어, 디자인 박람회인 하비타레(Habitare)가 9월 2일 부터 6일까지 헬싱키 엑스포, 컨벤션 센터에서 열렸다. 5일 동안 4만 명이 넘는 관람객이 찾았으며, 올해는 450여 개의 기업과 단체, 150여 명의 연사가 참여했다. 2026년 하비타레의 주제는 '플롯 트위스츠(Plot Twists)', 즉 예상하지 못한 이야기의 전환이었다. 삶과 공간을 완성된 결과가 아니라 계속 변화하는 이야기로 바라보고, 계획대로 흘러가지 않는 순간이나 우연한 변화 역시 디자인의 일부로 받아들이자는 의미이다. 변화와 불확실성을 제거 하기보다, 적응하고 새로운 방향이 생길 가능성을 열어두자는 것이 올해 박람회 주제의 핵심이었다. 흥미로운 점은 이러한 주제가 단순한 전시 슬로건에 머물지 않았다는 것이다. 올해 하비타레에서는 말끔하게 완성된 신제품보다 정제되지 않은 재료, 만드는 과정, 손의 흔적, 오래된 것과 새로운 것의 관계, 재료가 가지는 고유한 성질을 잘 드러내는 작업들이 유난히 눈에 많이 띄었다.

사진: 하비타레 2026

올해의 주제 전시는 헬싱키에서 활동하는 아홉 명의 디자이너가 함께 운영하는 미네스트로네 워크숍이 맡았다. 입구에 들어서자 마자 눈에 들어 온 커다란 나무로 만들어진 전시 부스는 사실 아주 얇은 가문비나무 베니어 합판으로 만든 공간이었다. 바닥재 구조를 지지하는 내부 재료로만 사용되는 재료를 큰 공간을 구성하는 내면에 내세웠다. 전시가 끝난 뒤에는 다시 공장에서 원래 용도로 사용할 수 있도록 했다.

사진: 하비타레 2026

전시장은 완성된 제품을 진열하는 쇼룸이 아니라 실제 작업실을 연상시키는 하나의 개념적 워크숍으로 만들어졌다. 중앙에는 목재 공장에서 사용했던 대형 사포를 씌운 테이블이 공간을 채우고, 위의 조명은 목공 작업장에서 톱과 먼지를 빨아들이는데 사용하는 유연한 집진 호스로 만든 조명을 밝혔다.

이들이 보여주고자 한 것은 완성품 자체보다 아이디어가 아직 결정되지 않고, 실패나 우연한 발견에 의해 처음의 계획이 수정되는 미완성 상태를 보여주고자 했다. 이는 매끈하게 완성된 결과물을 보여주는 디자인 박람회와는 반대되는 태도이다. 재료를 원하는 형태로 완전히 통제하는 대신 때로는 재료가 디자인의 방향을 바꾸도록 허용한다. 이로써 실수와 우연 역시 제거해야 하는 문제가 아니라 새로운 아이디어가 시작되는 계기가 된다. 이는 핀란드 디자이너가 추구하는 하나의 디자인 방법론 중에 하나가 아닐까 생각한다.

시간이 쌓이는 집: 나푸릿(Naapurit:이웃)전시

사진: 하비타레 2026

올해 하비타레의 또 다른 중심 공간인 나푸릿(Naapurit:이웃)전시는 오울루의 건축 사무소 ‘아르키테흐티 타쿠넨(Arkkitehti Takkunen)’이 디자인했다. 공간은 전통적인 기술과 자연 소재를 활용해서 핀란드 북쪽의 라플란드 지역 건축적 분위기를 잘 보여주었다. 거친 작업 흔적을 과도하게 다듬지 않고 남겨두고, 나무와 자연석 등 소재 자체의 물성을 강조했다. 동시에 열린 마당과 작은 휴식 공간을 배치해 집을 단순히 사적인 내부 공간이 아니라 사람과 사람이 만나는 장소로 해석했다.

사진: 하비타레 2026

특히 이들이 이야기하는 집을 건축하는 시간에 대한 태도가 인상적이다. 집을 한번에 완성해야 할 대상으로 보는 대신, 필요에 따라 물건이 더해지고 생활의 흔적이 쌓이면서 서서히 만들어지는 공간으로 바라본다. 새로운 유행이 등장할 때마다 표면을 교체하는 대신 오래된 것과 새로운 것이 함께 존재할 수 있도록 여백을 남기는 것이다.

사진: 하비타레 2026

그동안 디자인 박람회가 새로운 트렌드와 무엇을 살 것인지를 보여주는 장소였다면, 하비타레에서 보여 준 가치는 이미 가진 것을 어떻게 오래 사용할 수 있는지, 자연 재료를 일상으로 얼마나 들여올 것인지, 그리고 모든 것을 처음부터 완벽하게 결정하지 않아도 되는 대안을 제시했다. 플롯 트위스츠라는 주제는 결국 예상하지 못한 변화를 긍정하는 데서 출발한다. 계획은 항상 틀어지게 된다. 재료에 따라 형태가 바뀔 수도 있으며, 오래된 물건에 새로운 역할이 생기기도 한다. 완벽한 결과보다 변화할 가능성을 남겨두는 디자인이 올해 하비타레가 보여주고자 한 가장 중요한 가치가 아닌가 생각한다.

https://habitare.messukeskus.com/en/

55년 만에 사라진 컵라면의 ‘뜨거운 물’

Fri, 18 Sep 2026 06:28:29 GMT

한국에서 차갑게 먹는 면은 그리 낯설지 않다. 냉면과 막국수는 물론이고 여름이면 비빔면이 계절 대표 상품처럼 등장하며, 라면을 삶아 찬물에 헹군 뒤 차갑게 즐기는 레시피도 다양하다. 하지만 어떤 방식이든 한 가지 과정은 빠지지 않는다. 차갑게 먹더라도 면은 먼저 뜨거운 물로 익혀야 한다는 것이다. 컵라면은 더욱 그렇다. 뚜껑을 열고 뜨거운 물을 부은 뒤 몇 분을 기다리는 과정은 오랫동안 하나의 공식처럼 자리 잡았다. 너무 익숙해서 굳이 다른 방법을 생각해볼 필요조차 없었던 조리법이다. 그런데 올여름 일본 닛신식품(日清食品)이 이 익숙한 공식을 뒤집었다. 지난 7월 출시한 ‘히야시 컵누들(冷しカップヌードル)’은 단순히 차갑게 먹는 컵라면이 아니라, 처음부터 끝까지 뜨거운 물을 사용하지 않는 제품이다. 냉장고에서 꺼낸 찬물을 붓고 5분을 기다리면 바로 먹을 수 있으며, ‘매콤한 김치맛(ピリ辛キムチ味)’과 ‘닭고기 소금 레몬맛(鶏塩レモン味)’ 두 종류로 출시됐다. 패키지에는 이러한 특징을 강조하듯 ‘뜨거운 물 금지’라는 문구를 큼직하게 내세웠다. 뜨거운 물과 찬물 중 하나를 선택할 수 있다는 의미가 아니라, 애초에 찬물로 조리하도록 만든 컵라면이라는 뜻이다. 방법만 놓고 보면 놀랄 만큼 단순하다. 컵라면에 찬물을 붓고 5분을 기다리는 것. 하지만 이 작은 변화는 우리가 오랫동안 당연하게 여겨온 컵라면의 조리법뿐 아니라, 어디에서 어떻게 먹을 수 있는지까지 바꿔놓았다.

All Images ⓒ NISSIN FOODS HOLDINGS CO.,LTD.

히야시 컵누들이 등장한 2026년은 닛신에게도 특별한 해다. 1971년 9월 18일 세계 최초의 컵라면으로 출시된 ‘컵누들’이 올해로 55주년을 맞았기 때문이다. 닛신은 이를 기념하는 해에 브랜드 역사상 처음으로 찬물만으로 조리할 수 있는 제품을 선보였다. 오랜 역사를 되짚는 데 그치지 않고, 55년 동안 이어져 온 가장 기본적인 조리법에 변화를 준 것이다. 그 배경에는 최근 일본의 기록적인 폭염이 있었다. 기온이 오를수록 사람들은 자연스럽게 차가운 음식을 찾는 반면, 뜨거운 국물을 먹어야 하는 컵라면은 여름철에 손이 덜 갈 수밖에 없다. 닛신은 이러한 계절적 한계를 새로운 맛으로 보완하기보다, 아예 찬물로 만들 수 있는 컵라면을 개발하는 쪽으로 방향을 잡았다. 사실 차가운 컵라면에 대한 닛신의 실험은 이번이 처음은 아니다. 2012년에는 평소보다 적은 양의 뜨거운 물로 면을 익힌 뒤 얼음을 넣어 차갑게 먹는 ‘ICE 컵누들’을 선보였다. 당시에도 차가운 컵라면이라는 발상은 있었지만, 면을 익히기 위해서는 여전히 뜨거운 물이 필요했다. 2026년에는 그 마지막 조건까지 없앴다. 닛신은 약 5년에 걸쳐 특허 기술인 ‘콜드 리하이드 제법(コールドリハイド製法)’을 개발해 찬물에서도 면이 제대로 풀리도록 만들었다. 냉수를 붓고 5분이 지나면 면이 부드럽게 풀리면서도 탄력과 매끄러운 식감을 유지하도록 한 것이다. 뜨거운 물로 먼저 익힌 뒤 얼음으로 식힐 필요도, 별도의 조리 도구를 사용할 필요도 없다. 이 차이는 한국 독자의 입장에서도 흥미롭다. 한국은 비빔면을 비롯해 차갑게 즐기는 면 요리가 이미 하나의 식문화로 자리 잡았고, 여름마다 다양한 냉라면 레시피가 등장한다. 그럼에도 대부분은 ‘뜨겁게 익힌 뒤 차갑게 식힌다’는 순서를 따른다. 닛신은 차가운 라면을 새롭게 제안하기보다, 라면을 차갑게 만드는 과정 자체를 바꾼 셈이다.

새로운 맛보다 새롭게 ‘먹는 법’

오랫동안 사랑받아온 제품에 새로운 수요를 만드는 방법은 다양하다. 맛이나 패키지에 변화를 주거나, 특정 계절과 소비자층을 겨냥해 라인업을 확장하는 것이 대표적이다. 하지만 이번 신제품의 가장 큰 변화는 이보다 훨씬 기본적인 ‘먹는 방법’에 있다. 뜨거운 물 대신 찬물을 붓는 조리법은 더운 여름에도 부담 없이 컵라면을 즐길 수 있게 해준다. 여기에 물을 끓이는 과정까지 사라지면서 캠핑이나 야외활동에서도 한층 간편해졌다. 오랫동안 당연하게 여겨온 조리 과정 하나를 덜어내니, 생각보다 활용할 수 있는 범위가 넓어졌다.

그중 예상하지 못했던 쓰임은 재난 현장에서 나타났다. 히야시 컵누들은 처음부터 방재용으로 개발한 제품은 아니다. 닛신이 밝힌 개발 배경 역시 기록적인 폭염과 여름철 차가운 음식에 대한 수요였다. 그러나 출시 약 한 달 뒤인 8월, 닛신은 구마모토 지진 피해지역에 컵라면과 히야시 컵누들 등 약 3만 식을 지원했고, 현지 배식에는 이번 신제품도 포함됐다. 컵라면은 보관이 쉽고 조리가 간단해 재난 시 비축하기 좋은 식품이지만, 뜨거운 물이 필요하다는 한계가 있다. 수도나 가스, 전기가 끊기면 평소처럼 물을 끓이는 것조차 어려워질 수 있기 때문이다. 실제로 닛신은 한신·아와지 대지진과 동일본대지진, 노토반도 지진 등 대규모 재난이 발생할 때마다 급탕 설비를 갖춘 키친카를 현장에 보내 컵라면을 제공해왔다. 반면 히야시 컵누들은 별도의 열원 없이 물만 있으면 조리할 수 있다. 무엇보다 흥미로운 점은 재난을 위해 개발한 기술이 아니라, 폭염이라는 일상의 문제를 해결하려던 아이디어가 결과적으로 비상시에도 유용하게 쓰였다는 사실이다. 여름철 제품이라는 범위를 넘어 재난 상황에서도 활용될 수 있다는 점에서 이 제품의 또 다른 가치를 발견할 수 있었다.

익숙한 것에서 당연함을 걷어내다

한국처럼 이미 다양한 라면과 차가운 면 문화가 자리 잡은 곳에서 ‘차가운 라면’이라는 아이디어 자체는 그리 새롭게 느껴지지 않을 수 있다. 오히려 히야시 컵누들에서 흥미로운 것은 그동안 너무 당연해서 의문을 품지 않았던 ‘면은 뜨거운 물로 익혀야 한다’는 전제를 다시 들여다봤다는 데 있다. 물론 이를 현실로 만드는 일은 조리법에서 ‘뜨거운 물’을 ‘찬물’로 바꾸는 것만큼 단순하지 않다. 찬물에서도 면이 제대로 풀리고, 차가운 상태에서도 맛과 식감을 유지해야 한다. 닛신이 하나의 조리 과정을 덜어내기 위해 5년에 걸쳐 새로운 제법을 개발했다는 사실은, 겉으로 보이는 단순함 뒤에 상당한 기술적 고민이 있었음을 보여준다. 그렇게 없앤 하나의 조건은 예상보다 많은 변화를 가져왔다. 무더운 여름을 위한 아이디어에서 출발했지만 야외에서도 간편하게 먹을 수 있게 됐고, 실제 재난 현장에서는 열원이 필요 없다는 특징이 또 다른 가치를 만들어냈다. 여러 기능을 하나씩 더해 활용 범위를 넓힌 것이 아니라, 오히려 하나를 덜어냄으로써 새로운 쓰임을 만들어낸 셈이다. 오랫동안 사랑받아온 제품을 새롭게 만드는 방법은 꼭 새로운 맛이나 기능, 형태를 더하는 데에만 있지 않다. 때로는 너무 익숙해서 질문조차 하지 않았던 과정 속에서 하나의 전제를 발견하고, 그것을 다시 생각하는 것만으로도 변화는 시작될 수 있다. 55년 된 컵라면에서 닛신이 새롭게 디자인한 것은 제품의 형태가 아니라, 우리가 너무 당연하게 여겨온 ‘먹는 법’이었다.

관련 사이트
https://www.nissin.com/jp/company/news/13820/
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건축과 AI, 로봇이 하나가 된 ‘스스로 움직이는 집’

Thu, 17 Sep 2026 03:14:34 GMT

All Images ⓒ 株式会社MW

우리는 이미 스마트홈에 익숙하다. 스마트폰으로 조명을 켜고, 외출 중에도 에어컨을 조절하며, 음성으로 가전제품을 작동시킨다. 집 안의 기기는 빠르게 똑똑해졌지만, 정작 우리가 생활하는 ‘집’의 형태는 얼마나 달라졌을까. 최근 AI와 로보틱스 기술이 빠르게 발전하면서 이 질문은 새로운 단계에 접어들고 있다. 화면 속에서 정보를 제공하던 AI가 현실의 공간을 인식하고 직접 움직이는 ‘피지컬 AI(Physical AI)’로 확장되면서, 기술을 담는 그릇이었던 건축 역시 변화의 대상이 되고 있기 때문이다.

지난 9월 10일, 일본의 스타트업 MW는 도쿄 도요스에서 열린 브랜드 발표회 ‘MW “Living Home” Launch’를 통해 차세대 주택 프로젝트 ‘MW Living Home’의 전체 구상을 처음 공개했다. MW가 내건 슬로건은 ‘100년 만에, 집이 바뀐다(100年ぶりに、家が変わる。)’. 건축과 소프트웨어, AI, 로보틱스를 하나의 주거 환경 안에서 통합해 집 자체가 상황을 인식하고 판단하며 행동하는 새로운 형태의 주택을 만들겠다는 구상이다. 기존 스마트홈이 가전과 각종 기기를 네트워크로 연결하고 이를 보다 편리하게 조작하는 데 집중했다면, MW의 접근은 조금 다르다. 완성된 집에 기술을 하나씩 추가하는 것이 아니라, 처음부터 AI와 로봇이 함께 작동하는 것을 전제로 건축을 설계한다. MW는 이를 ‘Living Home’, 말 그대로 ‘살아있는 집’이라 부른다. 더 많은 기기를 갖춘 집이 아니라, 기술과 건축의 관계 자체를 다시 설계하려는 시도다.

집이 느끼고, 생각하고, 움직인다

MW가 제안하는 Living Home은 크게 세 가지 요소로 이루어진다. 주변 환경과 사람의 상태를 감지하는 ‘지각(Perception)’, 이를 이해하고 판단하는 ‘지능(Intelligence)’, 그리고 실제 행동으로 옮기는 ‘신체(Embodiment)’다. 사람이 눈과 귀로 주변을 느끼고, 머리로 상황을 판단한 뒤 몸을 움직이는 것처럼 집에도 비슷한 구조를 부여한 것이다. 먼저 집 곳곳에 설치된 센서는 사람의 움직임과 수면 상태, 온도와 습도 등 공간에서 일어나는 변화를 감지한다. 이렇게 모인 정보는 집의 두뇌 역할을 하는 ‘MW Intelligence’로 전달된다. AI는 거주자의 행동과 상황을 이해하고, 생활 패턴에 맞춰 주거 환경을 조정한다. 판단을 실제 행동으로 옮기는 역할은 주택 로봇 ‘MW bot’이 맡는다. 침구를 정리하거나 세탁물을 다루고, 식사 후 남은 물건을 정리하는 등 매일 반복되는 집안일을 대신하는 것을 목표로 개발되고 있다. 센서와 AI, 로봇은 각각 새로운 기술이 아니다. MW Living Home에서 흥미로운 것은 이들을 별개의 기기로 두지 않고 하나의 공간 안에서 연결된 시스템으로 바라본다는 점이다. 지금까지 스마트홈에서는 사람이 기술을 작동시키는 주체였다. 스마트폰 앱을 열거나 음성으로 명령해야 집이 반응했다. 반면 MW가 그리고 있는 집은 주변 상황을 먼저 파악하고 필요한 행동을 판단하는 방향으로 나아간다. 사람이 집을 조작하는 것에서, 집이 사람의 생활을 이해하는 것으로. 스마트홈을 바라보는 관점 자체가 달라지는 셈이다.

사람을 닮은 로봇 대신, 집의 일부가 된 로봇

MW Living Home에서 가장 눈에 띄는 것은 주택 로봇 ‘MW bot’이다. 최근 로봇 산업에서는 사람과 비슷한 형태의 휴머노이드 개발 경쟁이 활발하다. 인간이 사용하는 도구와 공간을 그대로 활용할 수 있다는 점에서 사람의 신체를 닮은 형태는 분명 장점이 있다. 하지만 MW는 다른 방향을 선택했다. MW bot은 두 발로 집 안을 걸어 다니는 휴머노이드가 아니다. 로봇팔을 갖춘 본체가 천장과 벽면에 설치된 레일을 따라 움직이는 갠트리형 구조를 사용한다. 필요하지 않을 때는 별도의 ‘Nest’에 수납되고, 집안일이 필요할 때 공간으로 나온다. 이러한 형태에는 주거 공간의 특성이 반영돼 있다. 사람과 비슷한 크기의 로봇이 좁은 복도와 가구 사이를 이동하려면 적지 않은 공간이 필요하다. 특히 면적이 제한적인 일본의 도시형 주택에서는 로봇 한 대가 차지하는 공간도 부담이 될 수 있다. 계단이나 단차에서 넘어지거나 사람과 충돌할 가능성 역시 고려해야 한다. 반면 천장 레일을 따라 움직이면 사람이 사용하는 바닥을 차지하지 않는다. 넘어질 위험을 줄일 수 있고, 이동 범위 역시 건축 단계에서 미리 계획할 수 있다. 휴머노이드에 비해 이동의 자유도는 제한적이지만, MW는 주거 환경에서 필요한 안전성과 효율, 공간과의 조화를 우선했다. 여기서 질문은 로봇의 성능을 넘어 공간으로 향한다. 로봇이 인간의 집에 적응해야 할까, 아니면 로봇과 함께 살아갈 집을 처음부터 새롭게 설계해야 할까. MW가 선택한 것은 후자에 가깝다. 기존 주택 안에서 자유롭게 움직이는 로봇을 개발하는 대신, 로봇의 이동 경로와 수납 위치, 작업 환경까지 건축과 함께 설계한다. 로봇을 독립된 가전제품이 아니라 주방이나 배관, 조명처럼 주택을 구성하는 하나의 시스템으로 바라보는 것이다. 사람을 닮는 것이 반드시 가장 좋은 로봇 디자인이라는 전제에서 벗어나, 어떤 공간에서 무엇을 해야 하는가를 먼저 생각한 결과가 MW bot의 형태로 이어졌다.

기술과 함께 변화하는 건축

MW Living Home에서 또 하나 주목할 부분은 기술을 건축에 적용하는 방식이다. MW의 공동창업자이자 Chief Architect인 마쓰다 요시키(松田仁樹)는 도쿄대학교에서 건축을 공부한 뒤 OMA New York과 닛켄세키(日建設計)를 거쳐 자신의 건축사무소 YMA를 설립했다. 건축가가 기술 개발이 끝난 뒤 이를 공간에 적용하는 역할로 참여하는 것이 아니라, 프로젝트 초기부터 건축과 기술을 함께 설계한다는 점은 MW의 중요한 특징이다. 이러한 방향은 MW가 제시한 ‘MW 건축의 5가지 원칙(MW建築5つの原則)’에서도 드러난다.

・Timeless 시간이 흐를수록 깊이를 더하는 소재와 공간을 의미한다. 오래됨을 단순한 노후화로 보지 않고, 시간에 따른 변화를 공간의 매력으로 받아들인다.

・Updatable 생활과 시간의 변화에 따라 유연하게 바뀌는 공간이다. 하나의 형태와 용도에 고정하지 않고, 거주자의 삶이 달라지면 집 역시 그에 맞춰 변화할 수 있도록 한다.

・Fluid 특정한 용도에 얽매이지 않는 공간 구성을 뜻한다. 거실, 주방, 작업실처럼 공간의 역할을 명확하게 구분하기보다 움직임과 연속성을 바탕으로 다양한 사용을 가능하게 한다.

・Biophilic 건물이 자리한 땅의 역사와 생태계, 자연환경과의 관계를 고려하는 원칙이다. 자연을 장식적인 요소로 끌어들이는 데 그치지 않고, 주변 환경과의 관계 속에서 사람의 감각이 열리는 공간을 지향한다.

・Integration 기술을 별도의 장치로 드러내지 않고 건축 속에 자연스럽게 녹여내는 개념이다. 센서가 공간을 감지하고 AI가 이를 이해하며 로봇이 행동하는 일련의 과정이 하나의 주거 환경 안에서 연결된다.

이 다섯 가지 원칙은 미래주택이라고 해서 기술만을 전면에 내세우지 않는다는 점에서 흥미롭다. 오래 사용할수록 깊어지는 건축과 빠르게 변화하는 기술을 어떻게 하나의 집 안에 공존시킬 것인가라는 고민이 함께 담겨 있기 때문이다. 그중에서도 MW Living Home의 성격을 가장 잘 보여주는 것은 ‘Updatable’과 ‘Integration’이다. 집은 일반적으로 설계와 시공이 끝나고 입주하면 완성된다. 이후 가족 구성이나 생활 방식이 달라져도 구조를 바꾸려면 상당한 공사가 필요하다. 반면 스마트폰과 소프트웨어, AI는 끊임없이 업데이트된다. MW는 이처럼 서로 다른 속도로 변화하는 건축과 기술을 하나의 집 안에서 함께 움직이게 하려 한다. 구조벽을 외곽에 집중시켜 향후 내부 공간을 변경하기 쉽게 만들고, MW Intelligence와 MW bot 역시 지속적인 업데이트를 전제로 한다. 가족이 늘어나거나 아이가 성장하고, 일하는 방식이 바뀌거나 노년기에 접어드는 등 삶의 변화에 맞춰 공간과 기술이 함께 달라질 수 있도록 하는 것이다. 집을 구입하는 순간을 완성으로 보는 대신, 시간과 생활에 따라 계속 달라질 수 있는 환경으로 바라본다는 점에서 ‘업데이트’는 소프트웨어만의 이야기가 아니다.

집 전체를 하나의 제품처럼

MW가 Living Home을 ‘주택 프로덕트(住宅プロダクト)’라고 부르는 것도 이러한 접근과 연결된다. 일반적인 주택이 건축과 설비, 가전, 소프트웨어를 서로 다른 단계에서 조합한다면, MW는 건축 설계부터 AI와 로봇 개발까지 하나의 시스템으로 연결한다. 센서가 어디에 놓일지, 로봇이 어떤 경로로 움직일지, AI가 어떻게 공간과 사람을 인식할지까지 집을 설계하는 조건에 포함된다. 그 목표는 의외로 단순하다. 사람이 집안일에 사용하는 시간을 줄이는 것. MW bot은 사람이 없는 공간을 중심으로 움직이며 침구 정리나 세탁, 식사 후 정리와 같은 반복적인 일을 대신하는 방향으로 개발되고 있다. 기술을 눈에 띄게 드러내기보다 생활의 뒤편에서 자연스럽게 작동하도록 하는 것이다. 아직은 개발 단계다. 현재 MW bot은 트레일러하우스에서 가사 작업을 시연하는 프로토타입이며, MW는 2027년 자율제어 로봇을 적용한 목조주택 데모를 거쳐 2028년 MW bot 탑재 주택 판매를 목표로 하고 있다. 주택 환경에 특화된 로봇 AI 연구는 일본 경제산업성과 NEDO가 추진하는 ‘GENIAC’에도 채택됐다. 완성된 건축에 기술을 집어넣는 것이 아니라, 기술을 개발하는 과정과 집을 설계하는 과정이 동시에 진행되고 있는 셈이다.

MW Living Home을 단순히 ‘AI가 들어간 미래주택’으로 보면 이 프로젝트에서 가장 흥미로운 부분을 놓치기 쉽다. MW가 제안하는 변화는 새로운 기능을 얼마나 많이 넣을 수 있는가보다 기술이 달라졌을 때 공간은 어떻게 달라져야 하는가에 가깝다. MW bot이 이를 가장 직관적으로 보여준다. 사람을 닮은 로봇을 기존 집 안에 들여놓는 대신, 천장과 벽면을 이동하도록 만들고 그 동선까지 건축과 함께 설계했다. 로봇의 형태를 먼저 정한 뒤 공간에 넣은 것이 아니라, 주거 환경에서 어떤 방식이 적합한지를 고민한 결과 로봇의 형태가 달라졌다. 집을 ‘Updatable’한 환경으로 바라보는 시선도 같은 흐름에 있다. 사람의 생활은 달라지고 기술은 계속 발전한다. 그렇다면 그 둘을 담는 공간 역시 처음 모습 그대로 유지될 필요는 없다는 생각이다. 물론 MW Living Home은 아직 개발 과정에 있다. 실제 생활 속에서 AI와 로봇이 얼마나 자연스럽게 작동할지, 오랜 시간 사용하는 주택과 빠르게 변화하는 기술을 어떻게 함께 유지하고 업데이트할지는 앞으로 검증해야 할 부분이다.

그럼에도 MW가 던지는 질문은 흥미롭다. 사람과 AI, 로봇이 함께 생활하는 시대의 집은 어떤 모습이어야 할까. AI가 화면을 벗어나 현실의 공간에서 직접 보고, 판단하고, 움직이기 시작한다면 디자인해야 할 대상도 달라진다. 제품이나 화면만이 아니라 AI가 활동하게 될 공간과 사람의 생활 방식까지 함께 설계해야 하기 때문이다. MW Living Home은 아직 그 답을 만들어가는 과정에 있다. 하지만 완성된 집에 기술을 하나씩 더하는 대신, 처음부터 기술과 함께 살아갈 공간을 고민한다는 발상의 변화는 분명하다. 어쩌면 앞으로 달라지는 것은 집 안의 기기가 아니라, 우리가 ‘집’을 디자인하는 방식 자체일지도 모른다.

캘리포니아 샌디에고-멕시코 티후아나 국경 연결! 쿠퍼 휴잇 2026 ‘커뮤니티 스테이션’ 수상

Fri, 11 Sep 2026 02:31:27 GMT

쿠퍼 휴잇(Cooper Hewitt) 국가 디자인 어워드는 2000년 백악관 밀레니엄 협회(White House Millennium Council)의 공식 프로젝트로 출발해, 디자인의 우수성과 혁신을 장려하기 위해 제정됐다. 주관 기관인 쿠퍼 휴잇, 스미스소니안 디자인 박물관(Smithsonian Design Museum)은 미국에서 디자인만을 전문으로 다루는 유일한 박물관이다. 1897년 미국 산업가 피터 쿠퍼(Peter Cooper)의 손녀들인 사라와 엘레노어 휴잇이 설립했으며, 1968년 스미스소니언에 편입됐다. 현재 뉴욕 어퍼 이스트 사이드에 위치한 앤드루 카네기 맨션에 자리하고 있으며, 64개 방을 갖춘 저택은 1899년부터 1902년 사이에 건설됐다.

미국 최초의 철골 구조 민간 주택이자 뉴욕 최초의 주거용 엘리베이터를 갖춘 건물 중 하나로, 건물 자체가 디자인 혁신의 사례로 여겨지는 역사적인 공간에서 매년 쿠퍼 휴잇 국가 디자인 어워드가 열린다. 쿠퍼 휴잇 국가 디자인 어워드는 일상 속 디자인의 영향력에 대한 국가적 인식을 높이는 것을 목표로, 매년 10개 부문에서 디자인 혁신과 영향력을 인정한다. 수상자는 실무자, 교육자, 다양한 디자인 분야 리더들로 구성된 학제 간 심사위원단이 선정하며, 후보 추천은 일반 대중도 참여할 수 있다. 올해 쿠퍼 휴잇 국가 디자인 어워드 기후 행동 부문 수상작은 건물도, 제품도, 캠페인도 아니다. 샌디에이고-티후아나 국경을 따라 미국과 멕시코 양쪽에 자리한 협력적 시민 공간 네트워크, UCSD 커뮤니티 스테이션이 수상을 차지했다.

이 프로젝트를 개발한 것은 건축가이자 캘리포니아 대학교 샌디에고 캠퍼스(이하 UCSD) 교수인 테디 크루즈(Teddy Cruz)와 정치이론가이자 UCSD 글로벌 정의 센터 창립 디렉터인 포나 포만(Fonna Forman)이 2011년 공동 설립한 에스튜디오 테디 크루즈 + 포나 포어만(Estudio Teddy Cruz + Fonna Forman)이다. 국경 양쪽에 물리적으로 존재하는 이 프로젝트가 디자인 어워드의 기후 행동 부문을 수상했다는 사실은, 기후 위기에 대한 응답이 에너지 기술이나 소재 혁신만의 영역이 아님을 시사한다. 기후 취약성은 불평등하다. 가장 큰 피해를 받는 것은 언제나 가장 적은 지원, 힘을 가진 소외된 공동체다. UCSD 커뮤니티 스테이션은 그 현실을 정면으로 다루는 건축적 해답을 보여준다. 이 프로젝트를 이해하려면 테디 크루즈라는 인물을 먼저 알아야 한다.

1962년 과테말라 시티에서 태어난 테디는 과테말라 내전을 피해 1982년 스무 살의 나이에 미국으로 이주했다. 이후 캘 폴리 산 루이스 오비스포(Cal Poly San Luis Obispo)에서 건축학 학사를, 하버드 디자인 대학원에서 석사를 취득했다. 그의 이민 경험은 "부유층을 위한 부티크 호텔이나 갤러리, 주택을 설계하고 싶지 않았다"는 정체성을 확립했다. 대신 그는 국경 지역 이민자 공동체의 시민적 경험을 건축의 중심 문제로 삼았다. 크루즈는 로마 건축상(1991), 포드 재단 비저너리 어워드(2011), 미국 예술문학 아카데미 건축상(2013), Vilcek 건축상(2018)을 수상하며 단연 떠오르는 건축가로 주목받았다. 파트너 포나 포만은 시카고 대학교에서 박사를 취득한 정치이론가로, UCSD 글로벌 정의 센터 창립 디렉터이며, 기후 정의, 국경, 이주, 참여형 도시화를 연구한다.

두 사람은 2018년 베니스 건축 비엔날레에서 미국을 대표하며 승승장구했다. 이 둘은 샌디에이고-티후아나 국경 도시에 집중했다. 샌디에고와 티후아나는 세계에서 가장 큰 대도시권 중 하나로, 미국-멕시코 국경 지대 중 가장 많은 통행량을 가지고 있다. 북미 지역의 어떤 국경 검문소보다도 많은 일일 통행량을 기록한다. 그러나 동시에 이 지역은 극심한 불평등, 비공식 주거, 이주민 밀집, 기후 취약성이 교차하는 곳이기도 하다. 테디와 포나는 샌디에고-티후아나 국제 대도시권을 도시화의 세계적 도전, 이주, 주거 공급, 비공식 정착, 기후 변화를 다루는 실험실로 바라보았다. 커뮤니티 스테이션은 미국-멕시코 국경을 따라 저소득 이민자 밀집 지역에 위치한 시민 공간의 협력 네트워크로, 기후 회복력과 사회적 형평성을 위한 참여형 설계와 연구를 지원한다. 현재 4개 거점이 운영 중이며, 각각 국경 양쪽에 2개씩 자리한다.

이곳은 비영리 단체 카사 퍼밀리어(Casa Familiar)와의 협력으로 개발됐으며, 역사적인 가치를 가진 교회를 지역 극장으로 개조했다. 10가구의 저렴한 주택과 문화 활동·사회 서비스 공간을 결합한 복합 개발 프로젝트 ‘국경의 거실(Living Rooms at the Border)'이 해당 거점에 자리한다. UCSD-디비나 커뮤니티 스테이션은 티후아나 외곽의 비공식 정착지인 로스 로렐레스 캐년에 위치하며, 건강 불평등, 국경 사이의 물·폐기물 관리, 환경 보전·복원, 기후 변화 가속의 영향에 대한 적응이 이 거점의 핵심 주제로 선정했다. UCSD-알라크란(Alacrán) 커뮤니티 스테이션은 가장 남쪽에 위치한 최신 거점으로, 티후아나의 '리틀 아이티'로 불리는 지역의 난민 캠프에 자리한다. 아이티와 중앙아메리카 출신 난민들이 미국과 멕시코 양쪽 모두에서 거부당한 채 머물며 자신들의 시민 인프라를 자체적으로 만들어온 공동체로서 난민 커뮤니티가 최소한의 인권을 보호 받으며 살아갈 수 있도록 한다.

이 프로젝트의 가장 진보적인 아이디어는 지도 위에서 드러난다. 포만은 이들이 만든 지도를 가리키며 "우리는 선을 시각적으로 지웠습니다. 국경은 그냥 일련의 유역(watersheds)이 됩니다. 금속 담장이 아닌, 유역으로 재개념화됐을 때 미국 대륙 전체의 국경선이 어떤 모습일지 상상해보세요"라고 말한다. 단순히 시적 제스처가 아니다. 기후 위기에서 물은 국경을 인식하지 않는다. UCSD-알라크란 커뮤니티 스테이션은 국경 담장 남쪽의 로스 로렐레스 캐년에, 이 지역에서 가장 오염된 물인 티후아나 강 유역 시스템에 인접해 있다. 강물이 흐르는 방향, 오염이 퍼지는 경로, 기후 위기가 만드는 피해는 국경 철책이 아닌 지형과 생태계의 논리를 따른다. 커뮤니티 스테이션들은 대학 연구자와 학생, 도시 청소년과 커뮤니티 리더들이 연결되는 현장 거점으로, 문화 동원을 통한 기후 행동 역량 강화를 위해 설계됐다. 각 거점은 지역 파트너와 공동 설계되고 운영되며, 기후 적응 전략, 즉 주거, 공공 공간, 환경 보전 프로젝트를 위한 대학 자원을 활용한다.

학생들이 비공식 정착지를 둘러싼 마킬라도라(글로벌 공장)를 연구하는 데 그치지 않고, 이 기업들과 직접 협력해 거주자들이 직접 짓는 현장 주택의 건축 자재를 보조받는 방식으로 연결하기도 했다. 쿠퍼 휴잇 국가 디자인 어워드 심사위원장 에릭 챈(Aric Chen)은 이 상이 "디자인의 잠재력과 가능성을 보여주며, 미국의 다원적 풍요로움을 보여주는 재능과 창의성을 가진 디자이너와 커뮤니티에 주목한다"고 밝혔다. UCSD 커뮤니티 스테이션이 기후 행동 부문을 수상한 것은 기후 회복력이 기술의 문제만이 아니라, 누가 설계 과정에 참여하며 지역 주민들의 이야기를 들을 것인지에 대한 문제임을 공식적으로 인정한 것이기도 하다.

건축이 공동체의 지식과 자원을 연결하는 인프라가 될 수 있다는 것, 국경은 생태적으로 재개념화될 수 있다는 것, 그리고 대학은 캠퍼스 안이 아닌 가장 취약한 현장에서 연구할 수 있다는 것을 보여주고 있다. UCSD 커뮤니티 스테이션은 이 세 가지 명제를 바탕으로, 20년에 걸쳐 연구를 이어갈 계획이다. 이처럼, 장기적인 연구 프로젝트와 디자인을 접목시켜 지속 가능성을 보여주는 UCSD 커뮤니티 스테이션은 향후 세계 각국에서 겪을 국가간의 국경과 환경, 지속 가능성 문제와 그 안을 살아가는 주민들이 함께 힘을 합쳐 해결해나가는 지표가 될 것으로 보인다.

오염된 뉴욕의 강, 철저한 컴퓨터 계산된 운하 구조물로 생태계+환경 '1석2조'

Tue, 01 Sep 2026 02:01:27 GMT

뉴욕 브루클린 고와누스 캐널(Gowanus Canal)은 미국에서 가장 오염된 수로 중 하나다. 1860년대 산업화 시대에 건설된 이 1.8마일 길이의 운하는 한때 뉴욕항과 브루클린을 잇는 핵심 물류 통로였다. 시멘트 공장, 화학약품 제조 공장, 페인트·잉크 공장, 가스 공장 등 운하 양쪽을 따라 즐비하게 들어서 있는 지역이었다. 폐수를 강에 직접 방류해 엄청난 오염을 일으켰다. 이와 같은 오염 속엔 석탄 타르, PCB, 납, 비소, 중금속, 생활 하수가 150년 넘게 쌓인 이곳의 수면 아래에는 지역 주민들이 ‘검은 마요네즈’라고 부르는 두꺼운 오염 침전층이 깔려있다. 2010년 미국 환경보호청(EPA)이 슈퍼펀드 사이트로 지정하면서 약 20억 달러 규모의 준설 및 오염 차단 공사가 시작될 정도로 뉴욕 주민이라면 다들 아는 오염물이 많은 곳이다.

©CSLab

그러나 여기서 새로운 문제가 드러났는데, 미국 환경청의 정화 계획은 운하 양쪽의 낡은 석재, 목재 옹벽을 매끈한 강철 벌크헤드로 교체하는 계획이 오히려 더 큰 환경 오염을 만들어낼 수 있다는 점이 드러났다. 아이러니하게도, 깨끗한 강철 표면에는 아무것도 달라붙을 수 없다. 조류도, 홍합도, 굴도, 수중 식물도 자생이 불가능하다. 고와누스 카날 보존 단체(Gowanus Canal Conservancy)의 경관 디렉터 다이애나 그루버그(Diana Gruberg)는 이 상황을 멸균 박스라고 불렀으며, 생태 다양성 조사에서 운하 내외부에서 확인된 1,140종의 생물, 대서양 홍합, 파란 게, 동부 굴, 줄무늬 농어, 미국 뱀장어를 포함한 그 모든 생물이 정화 이후 서식지를 잃을 수 있다고 했다. 즉, 오염된 물 속에서도 자생하며 조금씩 환경을 되돌릴 수 있도록 살던 생물들이 살 곳을 잃으며 오히려 심각한 상황을 초래할 수도 있는 것이다.

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립랩 잼(Riprap Jam)은 이 딜레마를 정면 돌파하는 프로젝트다. 뉴저지의 저지시티에 기반한 디자인 연구 스튜디오 CSLab의 센 쉔(Cen Shen)과 이찬성(Changsong Li)이 설계한 립랩 잼 바이오 제조 지구 복합재(Bio-fabricated Earthen Composite)는 2026 iF 디자인 어워드를 수상했다. 해안 인프라를 재생적 생태 엔진으로 전환하는 것을 목표로 한다.

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기존 립랩(Riprap)의 역할은 파랑 에너지를 분산시키고 제방 침식을 막는 것이다. 립랩(Riprap)은 강가나 해안가에서 파도와 물살로 인한 침식을 막기 위해 쌓아둔 거친 돌무더기 장벽을 말한다. 버텨야 하고, 유지돼야 하며, 변하지 않아야 한다. 립랩 잼 시스템의 핵심은 계획된 침식(Programmed Erosion)이다. 구조물이 시간이 지남에 따라 특정 방식으로 용해되도록 기하학적 형태와 소재를 설계해, 그 분해 과정 자체가 영양분을 수계로 방출하고 수생 생물을 먹이로 삼도록 한다. 립랩 잼 소재는 주변 환경에서 직접 조달된다. 현지 토양, 해조류, 굴껍데기가 주원료다. 고와누스 운하 인근에서 수백 년 전까지 번성했던 굴 서식지의 기억을 소재에 물질적으로 담은 것이기도 하다. 이 소재들은 소성(燒成), 즉 가마 굽기를 거치지 않는다. 구워지지 않은 채로 제작된다. 소성을 하지 않음으로써 소재가 수분과 접촉했을 때 서서히 용해되는 특성을 보존하고, 동시에 탄소 집약적인 고온 소성 공정을 생략해 제조 단계의 환경 부담을 낮춘다.

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CSLab은 계산적 설계(computational design) 방법론을 통해 각 블록의 기하학적 구조를 결정한다. 어느 부위가 먼저 용해될지, 어느 부위가 구조적 지지를 유지할지, 어느 방향으로 영양분이 방출될지가 모두 형태 안에 프로그래밍된다. 자연스럽게 유기적인 형태가, 철저히 컴퓨터로 계산된 디자인인 것이다.

얕은 깊이로 설계된 오목 구조는 빠르게 용해되어 수생 생물이 서식할 수 있는 미세 기공과 틈새를 만든다. 두꺼운 벽면 구조는 천천히 분해되며 구조적 안정성을 유지한다. 해조류 성분은 분해 과정에서 용해되며 알긴산과 미네랄을 방출해 조류와 플랑크톤의 성장을 촉진한다. 굴껍데기 성분은 탄산칼슘을 제공해 수계 pH를 안정시키고 굴 유생의 부착을 유도한다.

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립랩 잼의 시간 지평은 5년이다. 설치 초기에는 파랑 에너지를 분산하고 제방을 보호하는 기존 호안석의 역할을 수행한다. 동시에 소재의 미세 기공 구조가 홍합, 굴, 갯지렁이 같은 저서생물의 초기 정착지가 된다. 1~2년 차에는 외층 기하학 구조가 계획된 속도로 용해되기 시작하며 영양분을 방출하고 더 큰 생물들의 서식 공간이 형성된다. 3~5년이 지나면 구조적 기능을 하던 블록이 생물학적 기반으로 완전히 전환된다. 인공 호안 구조물이 살아 있는 생물 암초(biological reef)로 진화한다. 각 립랩 잼 블록의 분해 속도는 수온, 조류 속도, 생물 부착 상태에 따라 달라지며, 전체 시스템은 환경 조건에 반응하며 스스로를 조율한다. 컴퓨터로 철저히 계산한, 하이테크 제조가 자연을 능동적으로 치유할 수 있다는 것을 증명하는 실천적 방법이다.

©CSLab

고와누스 운하의 미국 환경보호청 슈퍼펀드 정화 작업은 오염을 제거하는 동시에 수십 년간 그 오염 속에서 형성된 생태적 다양성을 파괴하는 역설을 안고 있다. 립랩 잼은 오염을 차단하는 구조물이 동시에 생태계를 재건하는 기반이 될 수 있고, 계산된 디자인으로 썩으며 사라지는 과정에서 오히려 강 속 생태계를 살리는 힘이 되도록 했다. 호안석이 녹아 없어지며 암초가 되고, 인프라가 분해되며 생태계가 되는 이 역설 속에서, 립랩 잼은 "썩음을 설계한다"는 가장 급진적인 형태의 지속 가능성을 실천한다.

'쉼'을 입다 — 일본 리커버리 웨어와 수면 경제의 디자인

Mon, 31 Aug 2026 13:44:41 GMT

경제협력개발기구(OECD) 조사에서 일본은 가맹국 중 수면 시간이 가장 짧은 나라다. 2021년 기준 하루 평균 7시간 22분으로 세계 평균을 1시간 이상 밑돌고, 수면 부족에 따른 경제 손실은 약 1,380억 달러, GDP 대비 비율로는 조사국 중 최하위로 추산된다. 후생노동성이 2023년 '건강 만들기를 위한 수면 가이드'를 내놓으며 국가 차원의 대응에 나선 것도 이런 배경에서다.

역설적이게도, 이 ‘수면이 부족한 나라'는 지금 세계에서 가장 앞서 '쉼을 파는 나라'가 되어가고 있다. 잠과 피로 회복이라는, 눈에 보이지 않고 손에 잡히지 않던 경험이 입는 옷, 덮는 이불, 신발 속 깔창으로 제품화되고 있다. 목욕이나 온천처럼 '장소'에 머물러야 얻던 회복을, 이제는 일상 속에서 몸에 걸치는 것만으로 취할 수 있는 제품으로 옮겨온 것이다. 흥미로운 것은 이 시장의 승부처가 단순한 기능이 아니라 '신뢰를 어떻게 설계하는가', 그리고 '쉼을 어떤 감각으로 브랜딩하는가'라는 디자인의 영역에 있다는 점이다.

보이지 않는 것을 사는 시장 — 수면 경제의 부상

먼저 시장의 크기를 보자. 일본리커버리협회는 휴양·항피로를 아우르는 '리커버리 시장'의 규모를 2025년 약 7.6조 엔, 2030년 약 14.3조 엔으로 내다본다. 그 하위 카테고리인 리커버리 웨어만 떼어 봐도, 일본능률협회종합연구소는 2024년 189억 엔이던 시장이 2030년 약 1,700억 엔, 즉 9배로 커질 것으로 전망한다.

여기에 센서·앱 같은 디지털 기술로 수면을 측정·분석해 개선하는 '슬리프테크(Sleep Tech)' 시장이 겹친다. 야노경제연구소에 따르면 일본 슬리프테크 시장은 2022년 약 60억 엔에서 2026년 약 175억 엔으로, 4년 만에 약 3배로 커질 전망이다. 수면이 하나의 산업으로 빠르게 자리 잡고 있는 셈이다.

이 시장이 뜨거운 이유는 명확하다. 만성적 수면 부족이 사회문제가 되고, 코로나를 거치며 '회복'과 '컨디셔닝'에 대한 지출 의향이 구조적으로 커졌기 때문이다. 소비의 무게중심이 '무엇을 성취하기 위해 몸을 쓰는가'에서 '어떻게 몸을 회복시키는가'로 옮겨가면서, 휴식은 미룰 수 있는 여백이 아니라 적극적으로 관리하고 투자하는 대상이 됐다.

제도가 곧 브랜딩이 되다 — 리커버리 웨어와 '일반의료기기'

리커버리 웨어의 원리는 이렇다. 특수 광석(세라믹 등)을 섬유에 짜 넣어, 피부에서 나오는 열을 흡수했다가 원적외선으로 되돌려 방사한다. 이를 통해 혈행이 촉진되고 어깨 결림·요통·근육 뭉침이 완화되며 이완 상태가 유도된다는 것이 각 회사의 설명이다.

국가에서 2022년 '가정용 원적외선 혈행촉진용 의류'라는 일반의료기기 분류를 새로 만들었다. 체열을 바탕으로 원적외선을 방사하는 의류를 '리커버리(회복)'라고 표방해 판매하려면, 후생노동성 산하 규제기관에 신고하는 것이 필수가 된 것이다. 인체 위험이 극히 낮은 등급이지만, 핵심은 '회복'이라는 모호한 감각적 효용에 국가 제도라는 객관적 신뢰의 뒷받침이 생겼다는 데 있다.

이 '제도적 신뢰'를 가장 영리하게 브랜드 자산으로 전환한 곳이 D2C 기업 TENTIAL(텐셜)이다. TENTIAL은 2020년 크라우드펀딩으로 리커버리 웨어 'BAKUNE(바쿠네)'를 선보였고, 2021년 4월 일반의료기기 인증을 취득했으며, 2024년 8월에는 제2종 의료기기 제조판매업 허가까지 받아 직접 제조판매 신고를 수행한다. 저가 경쟁 제품이 쏟아지는 가운데, TENTIAL은 "라이선스 취득은 골(goal)이 아니다"라며 의료기기로서의 관리 체제를 갖췄다는 점을 전면에 내세워 차별화한다. 눈에 보이지 않는 효용을 파는 시장에서 '어떻게 믿게 만들 것인가'라는 신뢰의 디자인이, 그 자체로 강력한 브랜딩 전략이 된 것이다.

카테고리를 짓다 — BAKUNE라는 생태계

TENTIAL이 보여주는 두 번째 디자인은 '카테고리 설계'다. 상하 세트가 약 2만 5천~3만 엔을 넘는 고가의 파자마임에도 BAKUNE는 개인 구매와 선물 수요를 동시에 공략하며 누적 판매 200만 벌을 돌파했고, 이 브랜드를 앞세워 2025년 2월 도쿄증권 그로스 시장에 상장했다.

성장세는 가파르다. 2026년 8월기 통기 예상 매출은 상방 수정을 거쳐 약 330억 엔, 영업이익 약 38억 엔에 이른다. 특히 주목할 것은 72%대에 이르는 높은 매출총이익률로, 이것이 높은 수익성의 토대가 되고 있다. 파자마 한 벌이 아니라 '고품질의 휴식'이라는 무형의 가치를 팔기 때문에 가능한 가격 설계이자 마진 구조다.

TENTIAL은 BAKUNE로 확보한 고객을 이불·침구, 평상복 'MIGARU', 인솔 'INSOLE', 그리고 워크웨어·풋케어 등 주변 카테고리로 확장해 간다. 2026년 8월기 2분기에는 주력인 웨어 외에 침구가 전년 동기의 약 2.3배, 워크웨어가 약 1.8배, 풋케어가 약 2.3배로 늘며 빠르게 성장했다. 하나의 히트 제품을 '컨디셔닝'이라는 상위 개념으로 감싸, 아침에 신는 인솔(깔창)부터 낮에 입는 옷, 밤에 덮는 이불까지 하루 24시간의 회복을 브랜드 생태계로 엮어내는 전략이다. J리그 미래육성 파트너, 사무라이재팬(야구 국가대표) 공식 파트너 취임 등 스포츠 영역의 신뢰 자산도 이 생태계의 확장을 뒷받침한다.

이 시장의 뿌리에는 일본 최초의 리커버리 웨어 전문 브랜드 VENEX(베네크스)가 있다. VENEX의 출발점은 뜻밖에도 간병용 욕창(床ずれ) 해소 제품 개발이었다. '인간이 본래 지닌 자기 회복력을 최대한 발휘시킨다'를 콘셉트로, 백금 등을 나노 수준으로 배합한 독자 소재 'DPV576'을 함유한 PHT(Platinum Harmonized Technology) 섬유를 개발해 2010년 2월 첫 제품을 내놨다.

@ 독자 소재 'DPV576'을 함유한 PHT(Platinum Harmonized Technology) 섬유를 착용 후 수면의 질이 달라짐을 나타내고 있다.

VENEX의 설계 철학에서 특히 눈여겨볼 것은 '조이지 않는다'는 원칙이다. 근육을 압박해 성능을 내는 스포츠 컴프레션 웨어와 정반대로, 몸을 전혀 조이지 않는 '논컴프레션(non-compression)' 디자인을 택했다. 소재가 피부의 감각 센서에 작용해 교감신경을 억제하고 부교감신경을 우위로 이끌어, 근육 이완과 혈관 확장, 수면의 질 향상을 유도한다는 설계다. '더 조여서 성능을 낸다'가 아니라 '완전히 풀어줘서 회복시킨다'는 발상의 전환이며, 착용 후 졸음을 느낄 수 있어 운전이나 위험 작업 시 착용을 삼가라고 안내할 정도다. 회복이라는 목적이 소재·실루엣·착용 상황까지 제품 디자인 전반을 규정하는, 명확한 디자인 언어를 보여준다.

개인에서 조직으로 — '건강 경영'과 격화되는 경쟁

리커버리 웨어와 수면 경제의 다음 무대는 개인을 넘어 조직이다. 야노경제연구소는 시장 확대의 열쇠를 '법인용 서비스'에서 찾는다. 종업원의 수면 개선이 기업의 이익률과 몰입도(engagement) 향상으로 이어진다는 점이 최근 시사되면서, 수면·회복이 '건강 경영(健康経営)'과 생산성 향상의 수단으로 주목받고 있는 것이다. 휴식이 개인의 사적 영역을 넘어 기업이 투자하는 경영 자원이 되는 셈이다.

시장이 커지자 경쟁도 격화됐다. 2024년경 미디어와 SNS를 통해 대중화되고 TENTIAL이 상장하는 사이, 워크맨·이온 같은 대기업이 잇따라 뛰어들며 '가격 파괴'와 '브랜딩'의 이중 전선이 형성됐다. 앞서 언급한 일반의료기기로 신고된 원적외선 혈행촉진용 의류 건수는 2023년 단 4건에서 2026년 4월 185건으로 46배 넘게 늘었다. 다양한 제조사가 진입하고 있다는 방증이다. 저가 공세 속에서 전문 브랜드들이 내세우는 무기가 결국 의료기기로서의 신뢰 관리, 소재 기술의 서사, 그리고 실내복으로도 손색없는 디자인 완성도라는 점은 시사하는 바가 크다. 최근 모델일수록 세련된 라운지웨어로도 통하는 디자인성을 전면에 내세우는 이유다.

왜 지금, '쉼'을 디자인하는가

최근 웰니스 시장에서는 제품의 성능·기능보다 사용자가 무엇을 느끼고 어떻게 머무는가가 경쟁력을 결정한다는 명제가 자리 잡았다. 리커버리 웨어와 수면 경제는 이 명제를 흥미로운 방향으로 확장한다. 이들은 '체험'을 파는 동시에, 그 반대편에 있던 '보이지 않는 회복'을 손에 잡히는 제품으로 만들어냈다.

이 흐름이 던지는 디자인적 함의는 세 가지다. 첫째, 무형의 제품화다. 잠, 피로 회복, 이완처럼 계량하기 어려운 감각을 '입고 덮고 신는' 사물로 번역하는 것 자체가 고도의 디자인 과제이며, 그 성패는 소재·실루엣 같은 물성 설계에 달려 있다. 둘째, 신뢰의 디자인이다. 효용이 눈에 보이지 않을수록 '어떻게 믿게 만드는가'가 핵심이 되고, 일본에서는 일반의료기기 분류라는 제도적 장치가 그 신뢰를 떠받치는 브랜드 자산으로 전환됐다. 셋째는 카테고리의 생태계화다. 하나의 히트 제품을 '컨디셔닝'이라는 상위 개념으로 감싸 하루의 회복 전체를 아우르는 브랜드 세계로 확장하는 방식은, 단품이 아니라 라이프스타일을 파는 웰니스 브랜드의 전형을 보여준다. 눈에 보이지 않는 '쉼'을 어떤 물성과 어떤 신뢰로 손에 잡히게 만들 것인가 — 웰니스에 대한 관심이 높아지는 한국의 웰니스·리테일·제품 디자인 업계에도 같은 물음이 놓여 있다.

관련 사이트 및 참고 자료

TENTIAL(BAKUNE) 공식 온라인스토어: https://tential.jp/
VENEX(베네크스) 공식 사이트: https://venex-j.co.jp/