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[안전]한 기업에서 시작된 안전디자인, 관계사로 확산되다! - k& corp 안전디자인 적용 사례

Wed, 12 Aug 2026 10:50:54 GMT

안전설비를 한눈에 찾을 수 있는 공간, 색상으로 명확하게 구분된 보행자 통행로와 지게차 운행로, 누구나 쉽게 이해할 수 있는 비상대피 안내체계.

산업현장에서 안전디자인은 단순히 보기 좋은 환경을 만드는 데 그치지 않습니다. 근로자가 위험요소를 빠르게 인지하고, 위급상황에서 필요한 정보를 쉽게 확인해 안전하게 행동할 수 있도록 돕는 중요한 역할을 합니다.

2026년 8월 6일, ㈜케이앤디·㈜케이앤이·㈜케이앤피의 안전디자인 적용성과를 확인하고 향후 확산 방향을 논의하기 위한 현장방문 및 간담회가 진행됐습니다.

이번 현장방문에는 산업통상부 엔지니어링디자인과 관계자, 고용노동부 산업안전기준과 관계자, 한국디자인진흥원 관계자, 디자인 전문기업 감성플랜 관계자가 참석했습니다. 기업에서는 ㈜케이앤피, ㈜케이앤이가 함께했습니다.

■ 세 기업의 소개로 시작된 현장방문

행사는 ㈜케이앤디·㈜케이앤이·㈜케이앤피의 회사 및 사업장 현황을 소개하는 것으로 시작됐습니다.

이후 ㈜케이앤이가 2023년 참여한 맞춤형 안전서비스디자인 지원사업의 추진 과정과 주요 개선사항, 현장에서 확인한 적용성과를 참석자들과 공유했습니다.

이날 일정은 다음 순서로 진행됐습니다.

㈜케이앤디·㈜케이앤이·㈜케이앤피 회사 및 사업장 소개

㈜케이앤이의 2023년 맞춤형 안전서비스디자인 지원사업 소개

안전디자인 적용성과와 향후 확산 방향에 대한 간담회

㈜케이앤이 안전디자인 적용 현장 투어

㈜케이앤피·㈜케이앤디 확산 적용 현장 투어

■ 현장의 안전문제를 디자인으로 개선하다

㈜케이앤이는 2023년 맞춤형 안전서비스디자인 지원사업을 통해 사업장 곳곳의 위험요소와 안전정보 전달체계를 점검했습니다.

당시 현장에는 비상대피로의 시인성이 낮고, 지게차 운행로와 보행자 통행로가 명확하게 구분되지 않는 등의 안전문제가 있었습니다. 교차구간에서는 지게차의 접근과 충돌 위험을 쉽게 인지하기 어려웠으며, 안전장비 착용에 대한 인식과 안전설비 보관공간도 개선이 필요한 상황이었습니다.

이에 따라 색상과 픽토그램, 방향 표시, 공간 구분 등 다양한 안전디자인 요소를 활용해 다음 사항을 개선했습니다.

비상대피로의 시인성 개선

현재 위치와 대피 방향을 쉽게 확인할 수 있는 피난안내도 구축

교차구간의 지게차 접근 및 충돌 위험에 대한 시각적 안내 강화

지게차 운행로와 보행자 통행로의 명확한 구분

안전장비 착용에 대한 인식 개선

노후화된 안전장비 보관공간 개선

소방·응급설비의 위치와 색상, 크기 및 시인성 개선

■ 안전설비를 한눈에 확인하는 안전 컨트롤센터

현장에서 눈에 띈 대표적인 개선 사례는 소화기, 구급함, 자동심장충격기(AED), 보호장비 등을 한곳에 모아 배치한 안전 컨트롤센터입니다.

소방설비는 빨간색, 응급처치 설비는 초록색으로 구분하고 대형 픽토그램과 안내 문구를 적용했습니다. 덕분에 멀리서도 안전설비의 위치와 용도를 쉽게 확인하고, 위급상황에서 필요한 장비를 신속하게 찾을 수 있게 됐습니다.

■ 더욱 쉽고 명확해진 피난안내도와 비상대피로

피난안내도에는 현재 위치와 비상구, 대피 동선, 소화기와 소화전, 구급함, 자동심장충격기 등의 위치를 체계적으로 표시했습니다.

비상대피로에는 바닥과 벽면의 색상, 방향 표시와 출구까지의 거리를 적용해 근로자가 어느 위치에서도 대피 방향을 쉽게 확인할 수 있도록 했습니다.

복잡한 안전정보를 직관적으로 이해할 수 있게 되면서 비상상황에서 더욱 빠르고 안전하게 대피할 수 있는 환경이 조성됐습니다.

■ 보행자와 지게차가 안전하게 이동하는 통로

기존에는 지게차 운행로와 보행자 통행로가 혼재해 충돌사고의 위험이 있었습니다.

이를 개선하기 위해 두 통로를 서로 다른 색상으로 구분하고 보행자 표시와 교차구간 안내 등을 적용했습니다. 작업자와 지게차 운전자가 각자의 이동 동선을 쉽게 인식할 수 있게 되면서 현장의 안전성도 높아졌습니다.

현장 근로자들은 “안전표시와 이동 동선이 확실히 눈에 들어와 좋다”며 개선 효과를 긍정적으로 평가했습니다.

■ 안전디자인의 발전 방향을 논의한 간담회

지원사업 소개 후에는 안전디자인의 현장 적용 효과와 향후 확산 방향에 대해 의견을 나누는 간담회가 진행됐습니다.

참석자들은 여러 사업장에서 공통으로 활용할 수 있는 표준형 안전디자인이 필요하다는 데 공감했습니다. 이와 함께 사업장마다 작업환경과 위험요소가 다른 만큼, 전문가의 현장 컨설팅과 임직원의 참여를 바탕으로 한 맞춤형 안전서비스디자인도 함께 추진돼야 한다는 의견을 제시했습니다.

더 많은 기업이 쉽게 사업에 참여할 수 있도록 지원 대상과 예산을 확대하고, 사업 완료 후에도 적용 시설을 점검하고 필요한 부분을 보완할 수 있는 후속 지원이 필요하다는 현장의 목소리도 전달했습니다.

■ 안전보건협의체와 거래처 방문을 통한 성과 공유

㈜케이앤이는 2023년 맞춤형 안전서비스디자인 지원사업에서 얻은 경험과 주요 성과를 ㈜케이앤피가 LG이노텍과 함께 참여하는 안전보건협의체 회의에서 소개했습니다.

또한 거래처 관계자들이 사업장을 방문할 때마다 안전 컨트롤센터, 피난안내도, 비상대피로, 보행자·지게차 통행로 등 안전디자인이 적용된 현장을 직접 안내했습니다. 개선 전의 문제점과 적용 후의 변화를 설명하며 안전디자인의 효과를 꾸준히 공유했습니다.

이러한 활동은 관계사와 거래처가 안전디자인의 필요성과 효과를 직접 확인하는 계기가 됐습니다. 또한 ㈜케이앤이에서 시작된 안전디자인 사례가 ㈜케이앤피와 ㈜케이앤디로 확산되는 데에도 긍정적인 역할을 했습니다.

■ ㈜케이앤피와 ㈜케이앤디로 확산된 안전디자인

간담회를 마친 참석자들은 먼저 ㈜케이앤이 사업장을 둘러보며 2023년 지원사업을 통해 개선된 주요 현장을 확인했습니다.

이어 ㈜케이앤이의 지원사업 경험과 성과를 바탕으로 안전디자인 요소를 확산 적용한 ㈜케이앤피와 ㈜케이앤디 사업장을 차례로 방문했습니다.

각 사업장에서는 현장의 환경과 특성에 맞게 적용된 응급처치·소방설비 안내와 안전정보 전달체계 등을 살펴봤습니다. 이는 한 기업에서 시작된 안전디자인이 관계사에 공유되고, 각 사업장의 여건에 맞게 확대 적용된 사례라는 점에서 의미가 있습니다.

■ 안전에서 근로자의 건강과 휴식까지

현장 투어에서는 직원 휴게실 개선 사례도 함께 소개했습니다.

해당 휴게실은 2023년 지원사업 당시 예산 부족으로 개선하지 못했던 공간입니다. 이후 2025년 구미시 지원사업과 기업 자체 비용을 활용해 밝고 쾌적한 휴게공간으로 리모델링했습니다.

또한 LG이노텍의 「대·중소기업 안전보건 상생협력사업」을 통해 지원받은 자동심장충격기와 혈압측정기를 직원 휴게실 등에 설치해 근로자들이 필요할 때 편리하게 이용할 수 있도록 했습니다.

이를 통해 안전한 작업환경뿐 아니라 근로자의 건강관리와 휴식·회복까지 고려한 근무환경을 조성했습니다.

■ 한 기업의 경험에서 함께 만드는 안전문화로

이번 현장방문과 간담회는 ㈜케이앤이의 안전디자인 적용성과를 확인하는 데 그치지 않았습니다.

㈜케이앤이가 지원사업을 통해 얻은 경험과 성과를 안전보건협의체와 거래처 방문을 통해 꾸준히 공유하고, 이러한 사례가 ㈜케이앤피와 ㈜케이앤디에 어떻게 확산됐는지를 함께 살펴보는 뜻깊은 자리였습니다.

특히 2026년 표준형 안전디자인 선정기업인 ㈜케이앤피 제2공장은 이번에 공유된 경험과 현장 의견을 바탕으로 사업장에 적합한 안전디자인을 구축해 나갈 계획입니다.

㈜케이앤디·㈜케이앤이·㈜케이앤피는 앞으로도 현장에서 효과가 확인된 안전디자인 사례를 지속적으로 발전시키고 공유하겠습니다. 근로자가 안심하고 일할 수 있는 작업환경과 안전문화가 정착될 수 있도록 꾸준히 노력하겠습니다.

출처 : k& corp. 블로그 https://m.blog.naver.com/kn_corp/224374778819

사진 : 김주완

관련 자료 :
1. 케이앤이 안전디자인활용가이드 - 감성플랜, 2023
2. 2023년 안전서비스디자인 적용 결과 사례집

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푸투라, 왜 지금도 가장 사랑받는 폰트일까?

Mon, 10 Aug 2026 02:00:23 GMT

100년을 이긴 서체의 비밀

디자이너라면 누구나 개성 있는 폰트를 좋아합니다. 레트로 스타일부터 미래적인 디자인, 거친 그런지 느낌부터 세련되고 우아한 스타일까지, 폰트 라이브러리에는 정말 다양한 서체가 담겨 있죠. 바우하우스 (Bauhaus) 감성의 디자인 폰트도 빠질 수 없습니다.

하지만 아무리 독창적인 컬렉션이라도 꼭 들어가는 대표 폰트들이 있습니다. 헬베티카(Helvetica) 계열, DIN, 그리고 빠질 수 없는 푸투라(Futura) 폰트가 바로 그런 존재입니다. 이번 글에선 글로벌 폰트 및 타이포그래피 전문 기업 모노타입이 1927년 처음 등장한 이후 지금까지도 현대적으로 사랑받고 있는 대표 전용서체 푸투라를 살펴봅니다.

푸투라의 탄생과 역사

독일 서체 디자이너 파울 레너(Paul Renner)는 1924년, ‘뉴 프랑크푸르트(New Frankfurt)’ 프로젝트의 일부로 푸투라 폰트의 디자인 작업을 시작했습니다. 당시 뉴 프랑크푸르트는 저렴한 주거 공간을 늘리기 위해 진행된 대규모 프로젝트였고, 여러 건축가와 디자이너들이 참여하고 있었습니다.

이후 1927년 푸투라는 Bauer Type Foundry를 통해 공개됐습니다. 당시 슬로건은 “우리 시대의 폰트” 그리고 “미래의 폰트”였습니다. 출시 직후부터 큰 성공을 거두었죠. 많은 사람은 푸투라를 보면 자연스럽게 바우하우스를 떠올립니다. 하지만 파울 레너는 실제로는 ‘뉴 타이포그래피 운동(New Typography Movement)’과 더 가까운 인물이었습니다. 두 흐름은 서로 영향을 주고받았지만, 완전히 같은 사조는 아니었습니다.

공개 이후 푸투라는 세계적으로 큰 인기를 얻었지만 독일 내에선 반발도 있었습니다. 레너가 나치당에 공개적으로 반대 의사를 밝혔기 때문입니다. 그는 결국 체포와 해임을 겪었고, 이후 한동안 스위스로 이주해야 했습니다.

당시 나치는 현대적인 ‘로만체(Roman typeface)’보다 전통적인 ‘블랙레터(Blackletter)’ 스타일의 폰트를 선호했습니다. 그래서 푸투라 같은 현대적인 서체를 ‘퇴폐 예술 (degenerate art)’이라고 비판하기도 했죠. 하지만 결국 시대의 흐름은 바뀌었습니다. 가독성이 좋은 현대 서체가 더 널리 사용되기 시작했고, 1941년에는 나치조차 블랙레터 사용을 포기하게 됩니다.

그 무렵 푸투라는 이미 전 세계로 퍼져나간 상태였습니다. 이후 푸투라는 그래프, 지도, 광고, 만화, 인쇄물 등 다양한 분야에서 빠르게 활용됐습니다. 깔끔하고 읽기 쉬우면서도 이미지와 잘 어울렸기 때문이죠.

푸투라의 인기에 수많은 모방 폰트가 등장했지만, 푸투라만큼 강한 영향력을 가진 서체는 드물었습니다. 특히 푸투라는 브랜드와 예술 분야 모두에서 오랫동안 활약한 대표적인 ‘워크호스 (workhorse)’ 폰트입니다. NASA 로켓에도 사용됐고, 아폴로 11호가 달에 남긴 명판에도 새겨졌습니다. 심지어는 지금 달에도 푸투라 폰트가 남아 있습니다.

아폴로 11호 달 착륙 명판에는 푸투라 폰트가 새겨졌습니다. 푸투라는 말 그대로 달에도 닿은 서체입니다(자료=모노타)

로고·광고·예술 속 푸투라

우주에서도 사용된 폰트라면 지구에서도 충분히 강력한 존재감을 보여줄 수밖에 없겠죠. 푸투라는 메르세데스 벤츠(Mercedes-Benz)와 폭스바겐(Volkswagen) 같은 세계적인 자동차 브랜드도 사용했습니다. 메르세데스 벤츠는 고급스럽고 정교한 이미지, 폭스바겐은 친근하고 대중적인 이미지로 두 브랜드의 성격은 꽤 다르지만, 둘 다 푸투라 폰트를 선택했습니다. 그만큼 이 서체의 활용 범위가 넓다는 뜻입니다.

패션 업계에서도 마찬가지입니다. 캘빈클라인(Calvin Klein) 같은 미니멀 브랜드는 물론, 돌체앤가바나(Dolce & Gabbana)처럼 화려한 브랜드나 슈프림(Supreme) 같은 스트리트 웨어 브랜드, 나이키 같은 스포츠 브랜드까지 폭넓게 사용해왔습니다.

테마파크와 엔터테인먼트 업계에서도 푸투라의 깔끔한 가독성이 빛을 발합니다(자료=언스플래쉬)

영화 업계 역시 푸투라를 사랑합니다. 스탠리 큐브릭(Stanley Kubrick) 감독은 특히 푸투라 폰트를 즐겨 사용한 감독으로 유명한데요. 실제 그는 <2001: 스페이스 오디세이>와 <아이즈 와이드 셧> 포스터 및 타이틀 디자인에 푸투라를 활용했습니다.

웨스 앤더슨(Wes Anderson) 감독 역시 여러 작품에서 푸투라를 사용했으며, <로얄 테넌바움> 세트 디자인에서도 쉽게 찾아볼 수 있습니다. 그 외에도 <아메리칸 뷰티>, <그래비티>, <인터스텔라>, <브이 포 벤데타> 에서도 푸투라를 확인할 수 있습니다.

물론 광고 업계에선 푸투라 폰트가 너무 자주 사용된 나머지 “푸투라가 과하게 남용되고 있다”는 비판도 받았습니다. 실제로 1992년에는 일부 아트 디렉터들이 푸투라 Extra Bold Condensed 사용을 보이콧하자는 광고를 내기도 했죠.

하지만 시간이 지나면서 푸투라는 단순한 광고용 폰트를 넘어 예술과 사회적 메시지의 도구로도 사용되기 시작했습니다. 바바라 크루거(Barbara Kruger), 제니 홀저(Jenny Holzer), 게릴라 걸스(Guerilla Girls) 같은 아티스트들은 푸투라를 활용해 강렬한 메시지의 작품을 만들었습니다. 이후 셰퍼드 페어리(Shepard Fairey)를 비롯한 수많은 현대 아티스트들도 푸투라를 적극 활용하게 됩니다.

앱솔루트 보드카의 라벨 타이포그래피에서도 푸투라의 영향을 찾아볼 수 있습니다(자료=piqsels)

스포츠 브랜드 광고의 카피에서도 산세리프 서체의 힘은 여전히 강렬합니다(자료=iStock)

푸투라는 왜 시대를 타지 않을까?

그렇다면 푸투라는 왜 시대를 타지 않을까요? 그 이유는 푸투라가 단순히 예쁜 폰트가 아니기 때문입니다. 이 폰트는 구조 자체부터 매우 탄탄하게 설계되어 있는데요. 실제 푸투라는 글자 끝에 장식이 달리지 않고 깔끔하고 현대적인 느낌을 주는 산세리프 기반의 기하학적 서체입니다.

보통 산세리프는 로고나 제목에 많이 사용되지만, 푸투라는 본문에서도 뛰어난 가독성을 보여줍니다. 타이포그래피 전문 매거진 Type365는 “푸투라의 비교적 낮은 x-height 덕분에 본문에서도 읽기 좋다”고 평가하기도 했죠.

또한 푸투라는 원, 삼각형, 사각형 같은 단순한 기하학 형태를 바탕으로 설계된 기하학 구조를 가지고 있습니다. 손글씨 느낌을 흉내 내기보다는, 정확한 비례와 대칭성을 강조합니다. 그래서 매우 정돈되고 현대적인 인상을 줍니다.

푸투라의 기하학적 letterform 구조. 원과 삼각형에서 비롯된 단순함이 이 서체의 핵심입니다(자료=모노타입)

푸투라의 낮은 대비의 획 역시 이 폰트가 시대를 타지 않고 유행할 수 있는 원인 중 하나입니다. 보통 캘리그래피 스타일 폰트는 획 굵기 차이가 큽니다. 때문에 보기에는 아름답지만 작은 크기에서는 읽기 어려울 수 있습니다. 하지만 푸투라는 거의 일정한 굵기의 획을 사용합니다. 덕분에 작은 크기에서도 선명하게 읽히며, 디지털 환경에서도 안정적인 가독성을 유지합니다.

1927년에 만들어졌지만, 푸투라는 지금도 여전히 “우리 시대의 폰트”처럼 느껴집니다.

푸투라의 미래는?

푸투라는 앱과 웹 디자인에서도 매우 잘 어울리는 폰트입니다. 읽기 쉽고 구조가 단순해 디지털 환경에 적합하죠. 푸투라는 이미 90년이 넘는 시간을 견뎌왔습니다. 그리고 앞으로도 쉽게 사라지지 않을 가능성이 큽니다.

1920년대 파울 레너가 추구했던 깔끔하고 현대적인 미학은 지금 봐도 여전히 세련됐습니다. 브랜드 광고, 예술 작품, 로켓, 소설 표지까지 다양한 분야에서 계속 활용되는 이유이기도 합니다. 결국 푸투라는 앞으로 또 다른 100년 동안 사랑받더라도 전혀 이상하지 않은 폰트입니다.

라틴어로 ‘미래’라는 이름처럼, 푸투라는 언제나 앞을 바라보고 있습니다(자료=모노타입)

👉 원문 링크: Futura, 왜 지금도 가장 사랑받는 폰트일까?

출처 : ( https://ditoday.com/news/ )

원문기사링크 : https://ditoday.com/%ed%91%b8%ed%88%ac%eb%9d%bc-%ec%99%9c-%ec%a7%80%ea%b8%88%eb%8f%84-%ea%b0%80%ec%9e%a5-%ec%82%ac%eb%9e%91%eb%b0%9b%eb%8a%94-%ed%8f%b0%ed%8a%b8%ec%9d%bc%ea%b9%8c/

AI 소음 속 ‘손맛’의 반격

Wed, 05 Aug 2026 00:19:06 GMT

장인정신과 AI는 공존할 수 있을까

완벽함이라는 지루함 … AI가 지배한 패션계의 풍경

결국 찾아야할 것은 아날로그의 미학

지금의 패션 산업은 역사상 그 어느 때보다 빠르게 이미지를 생산해 내고 있다.

미드저니(Midjourney), 스테이블 디퓨전(Stable Diffusion) 등 생성형 AI(Generative AI)의 등장은 디자이너가 스케치북을 펼치기도 전에 수천 가지의 무드 보드를 완성하고, 단 몇 줄의 프롬프트(Prompt)만으로 실사보다 더 실사 같은 패션 화보를 만들어낸다.

촬영 현장의 조명 세팅도, 모델의 스케줄링도, 로케이션 수배도 필요하지 않다.

픽셀로 구성된 완벽한 피부의 AI 모델들은 기후와 공간의 제약을 받지 않은 채, 디자이너가 상상한 최적의 의상을 입고 모니터 너머로 미소를 짓는다.

이러한 기술적 혁신은 패션의 민주화와 효율성을 극대화한 것처럼 보였다.

중소 브랜드조차 거대한 제작 비중 없이도 럭셔리 하우스 수준의 시각적 연출을 선보일 수 있게 되었고, 디자인 프로세스의 시간과 비용은 획기적으로 줄어들었다.

그러나 이미지의 공급이 무한대에 가까워진 순간, 역설적으로 ‘이미지의 가치’는 폭락하기 시작했다.

완벽한 알고리즘이 불러온

‘감성 인플레이션’과 피로감

모든 것이 완벽하게 계산된 AI 생성물들은 초기에 대중에게 신선한 충격을 주었으나, 이내 정형화된 매너리즘에 빠졌다.

알고리즘이 학습한 빅데이터의 평균치는 매끄럽고 흠잡을 데 없는 ‘완벽함’을 지향하지만, 바로 그 완벽함이 대중에게 감성적 인플레이션과 심각한 피로감을 유발한 것이다.

패션은 불완전한 인간이 자신의 정체성을 표현하는 매개체라고들 한다.

주름 하나 없이 미끈한 옷감, 인공적으로 계산된 빛의 반사, 땀 구멍 하나 없는 AI 모델의 피부는 현실의 인간이 느낄 수 있는 오감과의 거리를 벌려놓았다. 시각적 자극이 매일 수만 건씩 쏟아지는 디지털 환경 속에서 소비자들은 더 이상 ‘정교한 이미지’만으로는 감동받지 않는다.

오히려 모든 것이 즉각적이고 매끈하게 가공되는 ‘AI 소음(AI Noise)’의 시대에, 소비자들은 역설적으로 손끝에 잡히는 촉감, 제작자의 시간과 노동이 축적된 질감, 그리고 인간적인 실수의 흔적을 갈망하기 시작했다.

완벽한 디지털 알고리즘의 범람이, 잊혀가던 아날로그적 ‘손맛’과 ‘장인정신(Craftsmanship)’을 패션의 가장 희소하고 강력한 가치로 되돌려 놓은 것이다.

디지털 패티시즘의 한계

실체적 감각의 부활

지난 십수 년간 패션 산업을 지배해 온 핵심 동력은 ‘시각적 스펙터클’이었다.

인스타그램 비율에 맞춰진 이미지, 틱톡의 15초짜리 짧은 숏폼 영상, 그리고 메타버스와 3D 가상 착장 서비스는 패션을 완전히 ‘눈으로만 소비하는 대상’으로 재구성했다. 이 매끈한 디스플레이 안에서 의류는 오직 화면에 잘 보이는가, 즉 ‘인스타그래머블(Instagrammable)’한가에 따라서만 가치가 평가받았다.

그러나 패션의 본질은 무생물인 이미지가 아니라, 인간의 생체적 피부와 직접 접촉하는 가장 가까운 물리적 인터페이스다.

AI와 디지털 기술이 극도로 발전하여 고해상도의 질감을 스크린 위에 구현해 낼지라도, 그것은 결코 패브릭이 피부에 닿을 때 느껴지는 온도감, 원단의 실재하는 무게감(Weight), 움직임에 따라 형성되는 드레이프(Drape)의 입체적 반응, 그리고 옷감 고유의 마찰음과 냄새를 대체할 수 없다.

화면을 통한 시각 위주의 소비는 극심한 감각적 불균형을 낳았다.

소비자가 화면 속 화려한 패션에 익숙해질수록, 실제 착용 시 느껴지는 물리적 만족감 사이의 갭은 더욱 커졌다. 픽셀로 처리된 완벽함은 모니터를 끄는 순간 사라지는 환상에 불과하다.

이로 인해 현대 소비자들은 시각적 자극의 범람 속에서 일종의 ‘감각적 기아(Sensory Starvation)’ 상태에 직면하게 되었다.

디지털 매체의 시각 중심 패티시즘이 임계점에 다다르자, 억눌려 있던 촉각, 청각, 그리고 물리적 공간 속에서의 실체적 체험에 대한 욕구가 폭발적으로 분출하기 시작한 것이다.

Z세대는 왜 아날로그 패브릭과

불완전함(Imperfection)에 열광하는가

가장 완벽한 디지털 환경에서 자란 태생적 디지털 네이티브(Digital Natives), 즉 Z세대가 역설적으로 아날로그 패브릭과 ‘손때 묻은 불완전함’에 열광하는 현상은 매우 시사하는 바가 크다.

이들에게 디지털 이미지와 AI 그래픽은 너무나 흔하고 당연하여 더 이상 희소한 가치를 지니지 못한다.

클릭 한 번으로 모든 매개변수가 매끄럽게 수정되는 세상에서, Z세대가 진짜 authenticity(진정성)를 느끼는 지점은 바로 ‘수작업의 흔적이 남은 오류’와 ‘세월의 흐름을 견뎌낸 질감’이다.

최근 젊은 층을 중심으로 거세게 불고 있는 비엔나 앤틱, 빈티지 데님 붐, 펠팅(Felting) 및 손뜨개 코바늘(Crochet) 아이템의 인기는 이러한 심리를 명확히 반영한다.

기계나 알고리즘이 쉽게 흉내 낼 수 없는, 실타래가 살짝 엉키거나 올이 불균일하게 풀려 있는 테스처는 그 옷이 누군가의 시간과 손길을 거쳤음을 증명하는 ‘인간적 지문(Human Fingerprint)’ 역할을 한다.

완벽하게 재단되어 공장에서 쏟아져 나오는 기성품이나 AI가 정밀히 계산한 그래픽 패턴은 정형화되어 있어 개인의 정체성을 돋보이게 하지 못한다.

반면, 염색 과정에서 자연스럽게 번진 얼룩, hand-stitching의 다소 불균일한 땀수, 세탁과 착용을 통해 자연스럽게 탈색된 텍스처는 세상에 단 하나뿐인 독창성을 부여한다.

Z세대에게 패션에서의 ‘불완전함(Imperfection)’은 더 이상 하자가 아니며, 알고리즘의 지루한 통제로부터 벗어나 자신의 개성을 증명하는 가장 강력한 수단으로 소비되고 있다.

‘손맛’의 패션학, 장인정신의 맛

생성형 AI의 등장 이후 럭셔리 하이엔드 브랜드들이 선택한 가장 뚜렷한 리포지셔닝 전략은, 역설적으로 그들의 뿌리인 ‘아틀리에(Atelier, 공방)’와 ‘장인정신’을 극적으로 조명하는 것이다.

AI가 디자이너의 비주얼 언어를 신속하게 복제하는 시대에, 브랜드가 가질 수 있는 최고이자 유일한 진입장벽은 ‘흉내 낼 수 없는 노동의 깊이’라는 점을 간파했기 때문이다.

샤넬(Chanel)이 파리 외곽에 공방 전용 복합 공간인 ‘르19엠(le19M)’을 설립하고, 깃털, 자수, 단추, 모자 등을 만드는 전통 공방의 기술을 대중에게 공개하며 매년 메티에 다아트(Métiers d'art) 컬렉션을 선보이는 것이 대표적이다. 보테가 베네타(Bottega Veneta) 역시 브랜드의 정체성인 ‘인트레치아토(Intrecciato)’ 가죽 땋기 기법을 완성하는 장인들의 손길을 숏다큐멘터리 형태의 영상 캠페인으로 제작해 전면에 배치한다.

이러한 ‘아틀리에 마케팅’은 단순한 제조 과정의 홍보가 아니다. 소비자로 하여금 ‘내가 지불하는 고가의 비용은 단지 브랜드 로고 가격이 아니라, 한 인간의 숙련된 기술과 수백 시간에 달하는 압축된 삶의 가치’임을 설득하는 정교한 가치 부여 과정이다. AI가 1초 만에 렌더링을 끝내는 시대에, 하이엔드 브랜드들은 오히려 하나의 가방이나 드레스를 완성하기 위해 수백 시간이 걸리는 장인의 손길을 시각적·감각적으로 시위하면서 럭셔리의 정통성을 공고히 하고 있다.

해체주의, 손가락 자수, 불균일한 염색(Garment Dye)

불완전함의 미학

이러한 흐름은 하이엔드 럭셔리뿐만 아니라 컨템포러리 및 스트리트 씬 전체로 확장되어 ‘불완전함의 미학(Aesthetics of Imperfection)’이라는 하나의 커다란 스타일 트렌드를 형성하고 있다.

해체주의와 노출된 봉제선: 옷의 완성된 겉면 대신 안감과 박음질 선, 마감되지 않은 시침실을 그대로 노출하는 디테일이 주목받고 있다.

메종 마르지엘라(Maison Margiela)나 아크네 스튜디오(Acne Studios) 등에서 자주 볼 수 있는 이러한 방식은 옷이 만들어지는 과정을 옷 자체에 기록해 두는 아날로그적 서사 방식이다.

기계 직조로는 도저히 불가능한 손뜨개 방식의 크로셰(Crochet) 및 정교하지 않은 느낌의 핸드 스티칭(Hand-stitching) 디테일이 대폭 늘어났다. 하나하나 다른 간격으로 놓인 손자수는 공장에서 찍어낸 공산품과의 명확한 차별화를 이뤄낸다.

옷을 모두 만든 상태에서 통째로 염색액에 담가 내는 가먼트다잉(Garment Dying) 기법이나 핸드 딥 다이(hand-dip dye) 기법은 옷마다 오묘하게 다른 색감과 자연스러운 주름, 부분적인 색 번짐을 만들어낸다.

이는 AI의 정교한 컬러 패치 시스템에서는 절대로 얻을 수 없는 ‘의도된 우연성’의 미학이다.

이처럼 패션계는 AI가 제시하는 ‘통제된 완벽함’의 맞은편에서, 인간의 손 끝에서만 발생하는 우연성, 실감 나는 질감, 그리고 시간의 축적을 디자이너의 가장 강력한 무기로 재설정하고 있다.

AI 디자인 시대

진짜 ‘희소성’은 무엇인가?

소비재 산업으로서 패션의 경제적 가치는 오랫동안 ‘희소성(Scarcity)’에 기반해 형성되어 왔다. 특정 브랜드의 옷을 소유한다는 것은 곧 남들과 차별화되는 희소한 가치를 점유함을 의미했다.

그러나 패스트 패션(Fast Fashion)의 대량 생산 체제를 지나 생성형 AI가 디자인 프로세스를 접수한 오늘날, 패션계에서 ‘디자인 형태의 희소성’은 사실상 소멸했다.

AI는 하이엔드 런웨이에 오른 독창적인 실루엣과 패턴을 몇 초 만에 스캔하고, 이를 살짝 변형한 수천 가지의 무한한 변주를 즉시 생성해 낼 수 있기 때문이다.

디자인의 수량적 복제와 시각적 구현이 무한대에 가깝게 쉬워진 시대에, 시장이 정의하는 진짜 희소성의 방정식은 완전히 새로 작성되고 있다.

과거의 희소성이 ‘무엇을 디자인했는가(What to design)’라는 시각적 결과물에 있었다면, 오늘날의 희소성은 ‘그 결과물이 어떠한 물리적 과정과 시간 속에서 완성되었는가(How and Time to make)’라는 제작의 서사로 이동했다.

AI 알고리즘이 1초 만에 최상의 효율로 제시하는 픽셀 형태의 디자인은 희소하지 않다.

반대로, 효율성을 극도로 저해하며 인간의 육체적 노동과 숙련된 기술, 그리고 기다림의 시간을 담아낸 아날로그 생산물이야말로 대체 불가능한 희소자산이 된다.

즉, '디자인 복제 불가능성'이 무너진 자리에서 '인간 노동 과정의 복제 불가능성'이 새로운 패션의 럭셔리 지표이자 경제적 프리미엄의 원천으로 부상한 것이다.

노동의 시간(Time of Labor)이 프리미엄을 결정한다

이러한 희소성 개념의 이동은 글로벌 패션시장의 가격 정책과 프리미엄 산정 방식에도 결정적인 영향을 미치고 있다. 브랜드들은 이제 단순히 원단의 품질이나 마케팅 비용을 넘어, 옷 한 점에 투여된 ‘노동의 시간(Time of Labor)’을 직접적인 가치 척도로 제시한다.

에르메스(Hermès)의 켈리 백, 버킨 백의 가치는 수십 년간 훈련받은 단 한 명의 장인이 수십 시간에 걸쳐 정교한 앙플라투(Enfilade) 사들스티치(Saddle stitch)를 고수하는 ‘압축된 시간’에서 나온다.

인공지능과 자동화 공정이 속도와 효율을 극대화할수록, 이처럼 시대에 역행하는 ‘의도적인 느림’과 ‘비효율적 노동의 시간’은 그 자체로 거대한 프리미엄을 형성한다.

로에베(Loewe)의 ‘크래프트 프라이즈(Craft Prize)’나 에르메스의 공방 전람회처럼, 현대 브랜드들은 제품의 가격표 뒤에 숨겨진 장인들의 노동 시간(Hours of Craftsmanship)을 소비자에게 적극적으로 교육한다.

소비자는 단순한 물리적 재화를 사는 것이 아니라, 장인의 삶과 숙련된 시간이 빚어낸 ‘시간적 유산(Temporal Heritage)’을 구매하는 셈이다.

기계화된 공장 생산 라인과 AI 렌더링 툴이 정교해질수록, 정작 현장에서 실을 잣고, 직조를 짜며, 손자수를 놓을 수 있는 숙련된 기술자의 수는 기하급수적으로 줄어들고 있다.

이로 인해 공급 측면에서의 희소성이 극대화되면서, 장인 및 스페셜리스트의 공예 기술이 적용된 라인업의 가격은 매년 상향 조정되고 있으며, 리세일(Resale) 시장에서도 훨씬 높은 가치 보존율을 보여준다.

결국 AI 소음 시대의 패션 경제학은 ‘얼마나 빨리, 완벽하게 만들어내는가’의 효율성 경쟁에서 벗어나, ‘얼마나 깊은 인간의 시간과 손길을 녹여냈는가’라는 정통성(Authenticity)의 경쟁으로 이동하고 있다.

AI와 장인은 공존할 수 있는가?

AI가 모든 것을 만들어주고 모든 것을 해결해 주는 시대에 장인정신은 어떤 의미를 가질까?

인공지능의 급격한 발전이 패션 산업에 던진 질문은 역설적이게도 기술 그 자체가 아닌, ‘패션이란 인간에게 무엇인가’라는 근본적인 철학적 물음이었다.

AI는 디자인의 효율성을 기하급수적으로 높이고, 생산 및 공급망 모델을 최적화하며, 아이디어를 시각화하는 장벽을 획기적으로 낮춰주었다. 그러나 아무리 뛰어난 알고리즘이라 하더라도 패션에 ‘영혼(Soul)’과 ‘진정성(Authenticity)’을 직접 주입할 수는 없다.

미래의 패션 생태계에서 AI와 장인정신(Craftsmanship)은 대립하는 이분법적 관계가 아니라, 고유의 영역을 분담하며 공존하는 새로운 협업 체계를 구축하게 될 것이다.

AI는 빅데이터 분석을 통한 수요 예측, 패턴 최적화, 무드보드 생성 등 디자인의 ‘기능적·생산적 도구(Analytical Tool)’ 역할을 맡는다.

반면, 인간 디자이너와 장인은 브랜드의 정체성을 정의하고, 패브릭과의 실체적 교감을 나누며, 옷에 역사적 서사와 인간적 감성을 입히는 ‘창의적 본질(Creative Soul)’에 집중한다.

AI가 3D 알고리즘으로 설계한 복잡한 실루엣을 아틀리에의 장인이 전통적인 드레이핑 기법과 핸드메이드 봉제 기술로 실물화하는 방식, 혹은 인간 장인의 정교한 자수 및 손염색 기법을 데이터화하여 AI 패턴에 결합하는 방식 등 ‘하이테크-하이터치(High-Tech, High-Touch)’의 시너지가 패션계의 새로운 정답으로 부상하고 있다.

패션이 증명해야 할 인간 고유의 정체성

결국 AI 소음 시대를 살아가는 현대 패션이 나아가야 할 최종 지향점은 ‘인간성(Humanity)의 회복’이다. 패션은 단순히 추위를 막거나 몸을 가리는 공산품이 아니며, 픽셀로 이루어진 매끈한 이미지의 조각도 아니다.

그것은 타인과 물리적 공간에서 만나는 순간 완성되는 입체적인 경험이자, 만드는 이의 시간과 신체적 노동, 그리고 입는 이의 삶이 겹쳐지는 가장 사적이면서도 강력한 정체성의 표현 도구다.

생성형 AI가 선사하는 ‘통제된 완벽함’과 ‘무한한 복제 가능성’의 소음 속에서, 소비자들은 오히려 불완전하고, 시간이 오래 걸리며, 누군가의 피와 땀, 손때가 묻어 있는 아날로그 패브릭에 더 깊은 감동을 느낀다.

AI가 모든 이미지를 1초 만에 렌더링할 수 있을지라도, 굵은 손마디로 바늘을 쥐고 실을 꿰는 장인의 한 땀, 직조기 앞에서 몇 날 며칠을 고뇌하는 디자이너의 시간, 그리고 세월의 흐름에 따라 자연스럽게 탈색되고 길드는 옷의 질감은 결코 알고리즘으로 대체할 수 없다.

완벽함이라는 지루한 소음의 시대, 역설적으로 패션을 가장 빛나게 만드는 것은 바로 이러한 ‘가장 인간적인 것들의 반격’이다.

출처 : ( https://fpost.co.kr/board/ )

원문기사링크 : https://fpost.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=special&wr_id=1797

“틱톡 따라가는 넷플?” UX 관점에서 본 넷플릭스 클립 영상 전략

Tue, 04 Aug 2026 00:21:51 GMT

“틱톡 따라가는 넷플?” UX 관점에서 본 넷플릭스 클립 영상 전략

그동안 온라인 동영상 서비스(OTT)의 콘텐츠 탐색 방식은 홈 화면 내 여러 장르와 추천 목록들을 중심으로 이뤄졌습니다. 사용자는 홈 화면에서 다양한 장르와 추천 콘텐츠를 살펴보고, 눈에 띄는 작품의 상세 페이지로 들어가 줄거리와 예고편을 확인한 뒤 시청 여부를 결정하는 구조였죠.

하지만 넷플릭스가 최근 한국 모바일 앱에도 세로형 숏폼 영상 피드 ‘클립 영상(Clips)’을 도입하면서 이런 익숙한 탐색 모델에 변화가 찾아왔습니다. 클립 영상은 시리즈와 영화, 스페셜 프로그램의 짧은 장면을 세로로 넘겨보며 작품을 발견하고, 마음에 들면 곧바로 ‘내가 찜한 리스트’에 추가하거나 공유하고 본편 시청으로 이동할 수 있는 기능입니다.

얼핏 보면 틱톡이나 인스타그램 릴스처럼 익숙한 숏폼 피드를 넷플릭스 안에 옮겨놓은 것처럼 보입니다. 실제 기능 공개 직후에도 여러 사용자가 넷플릭스가 마치 틱톡처럼 변하고 있다는 반응인데요. 하지만 전문가들은 이번 변화를 단순히 넷플릭스가 숏폼 유행 트렌드만을 좇는 결과로만 바라봐선 안 된다고 말합니다.

그렇다면 넷플릭스의 클립 영상은 기존 홈 화면 탐색 모델과 무엇이 다르며, 왜 전문가들은 틱톡과 닮았지만 결국 다른 서비스라고 평가하는 것일까요? 이번 글에선 UI·UX 디자인 관점에서 넷플릭스의 클립 영상 탐색 모델을 살펴봅니다.

빠르고 직관적인 탐색과 결정 피로 감소까지

넷플릭스는 탐색을 즐길 수 있는 새로운 방식으로 클립 영상을 소개한다(자료=넷플릭스)

기존 넷플릭스의 추천 모델은 사용자가 보고 싶은 장르나 작품을 알고 있거나, 콘텐츠를 고르는 데 충분한 시간과 의지가 있을 때 효과적인 탐색 구조였습니다. 반면 클립 영상은 사용자가 무엇을 보고 싶은지 명확히 정하지 못한 상태에서도 탐색을 진행할 수 있도록 설계된 모습인데요.

실제 넷플릭스 클립 영상의 경우 앱 하단의 별도 클립 영상 탭에 들어가 화면을 한 번씩 위로 넘기기만 하면 다음 장면이 이어지고, 피드 목록 역시 사용자가 시청하고 반응한 콘텐츠를 바탕으로 자동 개인화됩니다.

이에 따라 사용자의 시청 콘텐츠 선택 과정도 달라집니다. 기존 모델이 ‘목록을 탐색하고 정보를 비교한 뒤 시청을 결정하는 방식’이었다면, 클립 영상 모델은 ‘짧은 장면을 보고 감정적으로 반응한 뒤 시청 여부를 결정하는 방식’입니다.

댓글이나 좋아요 수 대신 볼륨 조절, 찜 추가, 공유 버튼만 존재하는 넷플릭스 클립 영상(자료=넷플릭스 갈무리)

결과적으로 넷플릭스 클립 영상 모델은 콘텐츠가 많아질수록 오히려 무엇을 골라야 할지 어려워지는 OTT의 선택 피로를 줄여줍니다. 사용자는 작품을 이해하기 위해 상세 페이지를 열고 다시 뒤로 돌아오는 과정을 반복하지 않아도 되며, 한 번의 익숙한 스와이프 동작만으로 다음 선택지를 확인할 수 있기 때문이죠.

실제 20년 경력의 스트리밍 디지털 미디어 마케팅 전문가 디나 나즈미(Dina Nazmy)는 “넷플릭스는 스트리밍 플랫폼의 가장 큰 문제인 발견 용이성을 해결하기 위해 숏폼 영상을 활용하고 있다”며 “이 디자인을 통해 사용자들이 콘텐츠를 소비하는 방식이 빠르고 스크롤 하기 편하며, 부담 없이 이용할 수 있는 점을 중심으로 완전히 재구성됐다”라고 평가했습니다.

틱톡과 비슷하면서도 다른 모습

좋아요 수, 댓글 수 추가 대생 목록, 구독 버튼 등 다양한 요소로 사용자들을 잡아두는 숏폼 플랫폼들(자료=틱톡 및 유튜브 쇼츠 갈무리)

이번 넷플릭스 클립 영상이 공개된 직후 가장 많이 언급되는 것은 틱톡 등 숏폼 영상 플랫폼입니다. 화면 전체를 채운 세로 영상과 위아래 스와이프, 개인화 추천이라는 문법이 틱톡과 유사하기 때문인데요. 하지만 전문가들은 두 서비스가 같은 형태의 인터페이스를 사용하더라도 사용자를 이끄는 목적과 도착 지점은 다르다고 분석합니다.

그 이유는 틱톡과 넷플릭스 클립의 핵심 목표와 도달 지점이 다르기 때문입니다. 기존 틱톡 등의 숏폼 영상 플랫폼의 피드는 서비스의 출발점이자 핵심 콘텐츠이죠. 사용자가 다음 영상을 계속 넘겨보며 새로운 크리에이터와 콘텐츠를 발견하는 것은 물론, 영상과 피드 안에 오래 머무르도록 만드는 것이 중요한데요.

반면 넷플릭스 클립 영상의 경우 기본 메인 홈 화면은 기존 이미지 추천 목록으로 유지하고, 화면 하단에 별도로 클립 서비스로 들어가는 입구를 배치했습니다. 사용자가 앱을 키기만 하면 클립 피드에 들어가는 틱톡 등의 타 숏폼 영상 서비스들과 시작점부터 다르죠.

넷플릭스 클립 영상은 메인 홈 화면과 별도로 클립 영상 버튼을 눌러야만 진입할 수 있다(자료=넷플릭스)

영상 UI에서도 차이점이 명확합니다. 틱톡 등 다른 숏폼 영상 플랫폼의 경우 사용자의 좋아요, 댓글, 저장, 공유 횟수 등을 보여주며 지속적인 영상 시청 및 댓글 작성, 알고리즘 고도화를 유도하는데요. 하지만 넷플릭스 영상 클립은 작품의 제목과 메인 포스터 이미지를 가장 크게 우하단에 배치하고, 버튼 역시 음소거, 찜 리스트 추가, 작품 공유 버튼밖에 없습니다.

일반적인 숏폼 영상 서비스들의 UI가 다음 영상으로 계속 이어지는 흐름을 강화한다면, 넷플릭스의 피드는 사용자가 피드를 벗어나 다른 행동으로 이동하도록 출구를 적극적으로 제시하는 형식인 겁니다.

실제 16년 경력을 지닌 버라이즌의 시니어 UX 디자이너 폴리나 프루슈코프스카(Paulina Pruszkowska)는 “익숙한 상호작용 패턴을 사용하고 있지만 비즈니스 및 UX 측면에서 둘은 다르다”며 “넷플릭스의 목표는 단순히 사용자를 끝없이 스크롤 하게 만드는 것이 아니라 사용자가 볼만한 콘텐츠를 더 빠르게 찾도록 돕는 것이다”라고 말하면서 제품 전략적 관점에서 둘은 큰 차이가 있다고 강조했습니다.

넷플릭스는 왜?

넷플릭스 로고. 전문가들은 넷플릭스가 모바일 사용자 맥락 및 환경 변화에 맞춰 클립 영상을 추가했다고 분석한다(자료=넷플릭스)

그렇다면 넷플릭스는 왜 오랫동안 유지해 온 기존 썸네일 이미지 목록 중심의 탐색 모델에서 숏폼 영상 피드를 더한 것일까요? 전문가들은 그 배경에 사용자들의 변화와 모바일 기기 환경의 특징이 자리 잡고 있다고 말합니다.

쉽게 말해 오늘날 모바일 기기 사용자는 출퇴근길, 점심시간 등 짧고 불규칙한 시간에도 스마트폰을 켜고 앱을 실행할 수 있으며, 이때 사용자는 특정 작품을 찾기보다 무엇이 재미있는지 가볍게 살펴보고 싶어 할 가능성이 높다는 것이 이야기이죠.

유명 IT 외신 테크크런치(TechCrunch)는 “이 아이디어의 핵심은 이동 중일 때, 지금 보고 있는 드라마의 다음 에피소드를 3분 시청하려고 휴대폰을 꺼낼 가능성은 낮다는 점이다. 하지만 잠깐의 재미를 위해 다른 넷플릭스 콘텐츠들의 짧은 클립 영상들은 충분히 볼 수 있다”라고 말했는데요.

다양한 넷플릭스 클립 영상. 클립 영상 피드는 사용자의 콘텐츠 시청 및 반응에 따라 자동으로 고도화된다(자료=넷플릭스)

글로벌 컨설팅 기업 캡제미니의 최고 영업 책임자 세디크 자마이(Seddik Jamaï) 또한 “수년간 넷플릭스는 장편 몰입형 시청 경험을 최적화 했다. 하지만 이전 모델은 더 이상 사용자의 행동 맥락에 완벽히 대응하지 못한다”며 “이제 사용자들의 집중력은 오래가지 않고 단편적이다. 이런 디자인 선택에는 소비 습관의 변화와 분산된 집중력 시대에 플랫폼이 어떻게 적응해야 하는지에 대한 전략적 통찰력이 담겨 있다”고 평가했습니다.

실제 이강이 넷플릭스 한국 프로덕트 머천다이징 디렉터 역시 지난달 30일 서울 서대문구 연세대학교에서 열린 ‘K-컬처 익스플레인드’ 컨퍼런스에서 클립 영상에 대해 “경험의 핵심은 수많은 콘텐츠 가운데 이용자가 자신에게 맞는 작품을 쉽고 재미있게 발견하도록 만드는 것”이라며 “무엇을 시청할지 찾는 과정 자체가 즐거워야 더 많은 이용자가 더 많은 콘텐츠를 만날 수 있다”고 설명했습니다. 콘텐츠 시청뿐만 아니라 콘텐츠를 고르는 과정까지 하나의 엔터테인먼트 경험으로 바꾸려는 것이 이번 개편의 목표라는 이야기입니다.

숏폼보단 전략적 디자인 행동에 주목해야

클립 영상 버튼이 추가된 넷플릭스 앱 하단(자료=넷플릭스)

물론 이번 넷플릭스 클립 영상 도입 사례가 모든 제품 서비스 디자이너들과 기획자에게 OTT 서비스를 만들 때 세로형 숏폼 피드를 추가해야 한다고 말하는 것은 아닙니다. 오히려 전문가들은 이번 사례에 주목할 점은 숏폼 피드 자체가 아닌 모바일 사용자의 행동과 맥락을 파악해 대응하는 넷플릭스의 전략적 디자인 행동 그 자체에 있다고 이야기합니다.

실제 폴리나 프루슈코프스카 디자이너는 “이번 사례에서 얻어야 할 교훈은 세로형 숏폼 피드를 추가하라는 것이 아니라, 그 패턴 뒤에 놓인 행동을 이해하는 것”이라고 강조했는데요. 이어 그는 모바일 사용자는 항상 충분한 시간과 뚜렷한 시청 의도를 갖고 앱을 실행하는 것이 아니며 짧은 순간 집중력 속에서 콘텐츠를 접하는 사용 맥락을 가지며, 넷플릭스는 이를 파악해 기존 탐색 경험을 재구성했다는 점에 주목해야 한다는 설명을 이어갔습니다.

아울러 전문가들은 기존의 장편 콘텐츠 시청 경험을 대체하지 않고, 변화한 모바일 사용자 행동 패턴과 환경에 맞는 새로운 탐색 경로를 더했다는 점도 강조하는데요.

글로벌 영상 플랫폼 최적화 솔루션 기업 Minute.ly의 CEO이자 공동 창립자인 아미트 골란(Amit Golan)은 “넷플릭스가 클립 영상을 통해 시도한 것은 장편 콘텐츠를 대체하려는 것이 아니라 콘텐츠 발견의 문제를 해결하려는 것이다. 클립 영상은 최종 목적지가 아니라 진입점”이라며 “이번 숏폼 영상은 장편 콘텐츠를 숏폼 콘텐츠 경험으로 전환해 새로운 경험을 제공하면서도, 사용자를 원본 콘텐츠로 유도하는 경험”이라고 평가했습니다.

출처 : ( https://ditoday.com/news/ )

원문기사링크 : https://ditoday.com/%ed%8b%b1%ed%86%a1-%eb%94%b0%eb%9d%bc%ea%b0%80%eb%8a%94-%eb%84%b7%ed%94%8c-ux-%ea%b4%80%ec%a0%90%ec%97%90%ec%84%9c-%eb%b3%b8-%eb%84%b7%ed%94%8c%eb%a6%ad%ec%8a%a4-%ed%81%b4%eb%a6%bd-%ec%98%81/

UX 디자인과 클로드 5, AI 컨텍스트 엔지니어링

Mon, 03 Aug 2026 00:58:18 GMT

2026년 하반기, 대규모 언어 모델(LLM) 시장에 또 한 번의 거대한 지각 변동이 일어났다. 방대한 컨텍스트 윈도우와 비약적으로 향상된 추론 능력을 장착한 앤트로픽(Anthropic)의 클로드(Claude) 5 모델이 본격적으로 등장하면서부터다.

과거의 AI가 사용자의 단편적인 질문에 정형화된 답변을 내놓는 수준이었다면, 클로드 5는 복잡한 작업 흐름을 파악하고 능동적으로 도구를 활용하는 ‘지능형 에이전트’로 진화하며 AI 활용의 패러다임을 송두리째 바꾸고 있다.

하지만 이 인공지능의 비약적인 도약은 역설적으로 현장의 기획자와 디자이너들에게 완전히 새로운 고민거리를 안겨주고 있다. 모델의 지능이 높아질수록, 역설적으로 몇 가지 단어로 구성된 단순한 지시문이나 기존의 ‘프롬프트 엔지니어링’ 방식으로는 이 뛰어난 지능을 100% 통제하고 활용하기 어려워졌기 때문이다.

질문을 잘 던지던 시대를 지나, AI를 위해 정보 생태계까지 구축해야하는 이 거대한 패러다임의 전환 속에서 우리는 이제 어떤 설계 방식을 취해야 할까?

이번 글에선 17년 넘게 다양한 기업과 함께 UX 연구를 수행해온 UX 전문가이자, 인공지능디자인협회의 회장을 역임하며 국내 AI 업계에서 활발히 활약 중인 유훈식 서울미디어대학원 교수가 클로드 5는 물론, 이와 함께 주목 받고 있는 ‘컨텍스트 엔지니어링’의 핵심을 살펴보고, 이를 디자인 실무에 적용시키기 위한 구체적인 방법을 이야기한다.

클로드 5 세대 모델의 등장과 변화

인공지능 기술의 진화 속도는 인류가 지금까지 경험한 그 어떤 기술 발전보다 가파르다. 대규모 언어 모델이 단순히 사용자의 질문에 답을 던져주던 단계를 넘어, 시스템 전반의 작업 흐름을 이해하고 스스로 도구를 활용 복잡한 과업을 수행하는 지능형 에이전트로 진화하면서 사용자들의 기대치 또한 크게 높아졌다.

이런 변화의 중심에는 클로드 5 세대 모델의 등장이 자리 잡고 있다. 방대한 컨텍스트 윈도우와 비약적으로 향상된 추론 능력을 무기로 삼은 클로드 5 세대 모델은 기존 언어 모델들이 가졌던 지능적 제약을 대폭 뛰어넘었다.

(자료=gagadget)

과거의 인공지능 모델들이 정형화된 지시문이나 짧은 맥락에 의존해 일회성 답변을 생성하는 것에 그쳤다면, 클로 5 세대 모델은 긴 맥락 속에 숨겨진 상호 작용의 맥락과 의도를 깊이 있게 파악한다. 모델 스스로 복잡한 환경을 탐색하고 작업을 분할하며 최적의 결과물을 도출하기 위해 필요한 맥락을 능동적으로 구성하는 능력이 비약적으로 상승한 것이다.

이에 따라 인공지능을 활용하는 개발자와 기획자, 디자이너들이 AI를 다루는 패러다임 역시 완전히 새로워졌다. 단순히 원하는 결과를 내놓으라고 명령하는 시대를 지나, 모델이 최적의 지능을 발휘할 수 있는 맥락과 환경을 어떻게 조성할 것인가가 핵심 화두로 떠올랐다.

컨텍스트 엔지니어링이란 무엇인가

컨텍스트 엔지니어링은 인공지능 모델이 특정 작업을 가장 정확하고 효율적으로 수행할 수 있도록 모델에 입력되는 모든 맥락과 데이터 구조, 상호작용 규칙을 체계적으로 설계하고 관리하는 기술적 프로세스를 의미한다. 이는 단지 질문 하나를 예쁘게 가다듬는 차원에 머무르지 않는다. 모델이 참조해야 하는 외부 지식베이스, 시스템 메시지, 툴 호출 정의, 이전 대화의 기록, 그리고 외부 시스템과의 연동 방식에 이르기까지 모델을 둘러싼 모든 정보 흐름을 총체적으로 디자인하는 것을 뜻한다.

(자료=Nimrita Koul)

우리가 사람 전문가와 협업할 때를 떠올려보면 컨텍스트 엔지니어링의 본질을 쉽게 이해할 수 있다. 아무리 능력이 뛰어난 전문가라 하더라도 아무런 업무 배경이나 파일, 관련 도구 없이 단순한 명령만 받는다면 최상의 결과물을 만들어내기 어렵다.

그 전문가에게 회사의 목표, 진행 중인 프로젝트의 역사, 사용할 수 있는 소프트웨어 권한, 참고해야 할 디자인 시스템 문서 등을 종합적으로 제공해야 비로소 역량을 100% 발휘할 수 있는 것과 같다. 컨텍스트 엔지니어링은 바로 인공지능이라는 최고의 전문가가 제 기량을 발휘할 수 있도록 최적의 환경과 정보 생태계를 구축해 주는 작업이다.

기존 프롬프트 엔지니어링과의 차이

기존의 프롬프트 엔지니어링이 단일 지시문이나 특정 텍스트 템플릿의 문구를 세심하게 조율하는 기술에 가까웠다면, 컨텍스트 엔지니어링은 시스템 전체의 구조와 정보 흐름을 다루는 하이레벨 설계 영역이다.

프롬프트 엔지니어링에선 모델이 정답을 맞히도록 유도하기 위해 단어를 어떻게 조합할지, 혹은 몇 개의 예시를 프롬프트 내에 어떻게 주입할지와 같은 미시적인 표현에 초점을 맞추었다. 이는 지능이 다소 부족하거나 맥락 이해 능력이 떨어진 초기 언어 모델을 어떻게든 원하는 답을 얻어내기 위한 땜빵식 접근 방식에 가까웠다.

(자료=앤트로픽)

반면 컨텍스트 엔지니어링은 거시적이고 건축적인 접근을 취한다. 고성능 지능을 가진 클로드 5 세대 모델이 주어진 과제를 해결할 때 필요한 정보를 어떤 시점에, 어떤 형식으로, 얼마만큼 유연하게 제공할 것인가를 설계한다.

즉, 단일 문장의 정교함보다는 모델이 작동하는 전체 애플리케이션의 메모리 구조, 동적 데이터 검색 방식, 툴 활용 인터페이스의 직관성 등이 핵심 고려사항이 된다. 프롬프트 엔지니어링이 잘 써진 지시문 한 장을 작성하는 일이라면, 컨텍스트 엔지니어링은 지능형 에이전트가 서식하고 일할 수 있는 완벽한 사무실 환경과 작업 도구를 세팅하는 종합 건축 프로젝트라 볼 수 있다.

클로드 5에서 강조되는 컨텍스트 6가지 설계 원칙

클로드 5 세대 모델의 비약적인 추론 능력을 극대화하기 위해 기존의 프롬프트 작성 방식을 벗어나 새로운 차원의 설계 원칙을 적용해야 한다. 지능이 향상된 모델일수록 촘촘하게 통제하는 가이드라인보다 자율적인 판단을 내릴 수 있는 환경을 조성해 주는 것이 훨씬 더 뛰어난 결과를 가져오기 때문이다.

예시에서 인터페이스 설계로

기존 프롬프트 작성에서 가장 흔히 쓰이던 기법 중 하나는 퓨샷 샷 학습, 즉 여러 개의 입출력 예시를 프롬프트에 직접 넣어주는 것이었다. 하지만 예시에 지나치게 의존하면 모델이 예시의 형식이나 내용에 갇혀 새로운 맥락에 유연하게 대응하지 못하는 부작용이 발생한다.

클로드 5 시대에는 수많은 예시를 나열하는 것보다 모델이 다루어야 할 데이터의 구조와 입력 및 출력 인터페이스를 명확하고 직관적으로 설계하는 것이 훨씬 더 효과적이다. 스키마와 데이터의 의미론적 관계가 체계적으로 정의된 인터페이스를 제공받은 모델은 예시가 없더라도 복잡한 비즈니스 로직을 완벽히 이해하고 수행한다.

(자료=앤트로픽)

‘앞에 다 넣는다’에서 ‘점진적 공개’로

클로드 5 세대 모델이 수백만 토큰에 달하는 거대한 컨텍스트 윈도우를 지원한다고 해서 초기 프롬프트에 모든 정보와 문서를 한 번에 쏟아붓는 것은 매우 비효율적이다. 과도하게 비대해진 초기 맥락은 모델의 집중력을 분산시키고 관련성 낮은 정보로 인해 추론의 품질을 떨어뜨릴 수 있다.

따라서 모든 맥락을 처음에 다 밀어 넣기보다는, 작업의 진행 단계에 맞춰 필요한 정보만을 능동적으로 불러올 수 있도록 ‘점진적 공개’ 구조를 설계해야 한다. 기본 맥락은 가볍게 유지하되, 작업을 진행하면서 모델 스스로 툴이나 검색을 통해 필요한 깊은 정보를 차례로 조회하도록 유도하는 것이 정밀한 결과를 도출하는 핵심 전략이다.

(자료=작가)

반복해서 말하는 것에서 툴 설명을 단순하게로

과거 모델이 지시사항을 자꾸 잊어버리거나 도구 호출 시 실수를 저지를 때 연출되던 해결책은 프롬프트 내부에서 같은 명령을 여러 번 반복 강조하는 것이었다. 그러나 클로드 5 세대 모델에 이 반복적 강조가 오히려 불필요한 토큰 노이즈를 유발한다.

도구와 API에 대한 설명은 지극히 명료하고 단순하며 직관적인 언어로 정제되어야 한다. 툴의 이름, 파라미터의 명칭, 그리고 각 도구가 수행하는 명확한 역할 단 한 번의 단정한 정의만으로도 클로드 5는 툴의 활용법을 파악하고 정확한 시점에 최적의 매개변수로 도구를 호출해 낸다.

(자료=작가)

CLAUDE.md에 메모리 저장에서 자동 메모리 저장으로

개발 환경이나 특정 에이전트 구축 시 시스템의 규약이나 맥락을 유지하기 위해 고정된 텍스트 파일이나 문맥 저장 공간에 사람이 수동으로 메모리를 기록하고 업데이트하는 방식이 자주 사용되어 왔다.

하지만 클로드 5 세대 환경에선 이 수동 기록 방식에서 벗어나 에이전트 스스로 대화 과정과 작업 결과물에서 중요한 맥락과 지식을 추출하고 자동 업데이트하는 메모리 시스템으로 이행해야 한다. 모델이 수행한 작업의 성공과 실패 경험, 사용자의 선호도, 프로젝트의 변화된 상태를 스스로 판단 시스템 메모리에 능동적으로 반영할 때 비로소 진정한 장기 기억 기반의 컨텍스트 연동이 완성된다.

(자료=작가)

단순한 스펙에서 풍부한 레퍼런스로

단순히 “이러한 조건에 맞춰 작성하라”는 식의 드라이한 스펙 명세서만 제공하는 것은 모델의 상상력과 완성도를 제한한다. 세부 규격만 전달하기보다는 해당 작업이 도달해야 하는 완성도 높은 최종 결과물의 레퍼런스, 백그라운드 스토리, 스타일 가이드, 완성된 제품의 훌륭한 실제 사례 등을 풍부하게 함께 제공하는 것이 훨씬 뛰어나다.

클로드 5는 스펙 너머에 존재하는 고차원의 패턴과 맥락, 그리고 미묘한 뉘앙스까지 종합적으로 이해해 스펙 문서에 일일이 명시되지 않은 세부적인 품질 요소까지 알아서 완벽하게 채워 넣는 탁월한 능력을 보여준다.

(자료=작가)

규칙에서 판단으로

과거에는 모델의 오답이나 환각을 막기 위해 모든 조건과 수많은 ‘하지 말아야 할 일’을 상세한 규칙으로 작성 주입하곤 했다. 그러나 클로드 5 세대 모델처럼 뛰어난 맥락적 추론 능력을 갖춘 지능체에 지나치게 미시적인 규칙을 강제하는 것은 오히려 지능의 유연한 활용을 저해한다.

이제는 세세한 행동 수칙을 지정하는 대신 작업의 궁극적인 목표와 핵심 가치, 판단의 기준이 되는 철학을 전달하는 방향으로 전환해야 한다. 모델은 제시된 고차원의 기준을 바탕으로 다양하고 복잡한 예외 상황 속에서도 유연하고 타당한 최적의 판단을 스스로 내릴 수 있게 된다.

(자료=작가)

컨텍스트 엔지니어링의 한계와 주의점

컨텍스트 엔지니어링이 클로드 5 세대 모델의 성능을 극대화하는 강력한 열쇠인 것은 분명하지만, 이것이 모든 문제를 해결해 주는 만능열쇠는 아니다. 무엇보다 컨텍스트가 풍부해지고 복잡해질수록 이에 비례 발생하는 컴퓨팅 비용과 응답 지연 시간이라는 현실적인 제약을 명심해야 한다. 불필요하게 비대해진 맥락 정보는 모델의 처리 속도를 늦추고 시스템 전체의 호흡을 무겁게 만든다.

(자료=작가)

또한 정보의 우려스러운 과부하 현상도 주의해야 할 주요 대목이다. 상충되거나 너무 많은 맥락 정보가 한꺼번에 주어질 경우, 아무리 뛰어난 클로드 5 모델이라 하더라도 핵심 과제에서 벗어나 모호한 추론을 내리거나 맥락 간의 우선순위를 혼동하는 상황이 발생할 수 있다. 맥락의 양을 늘리는 것보다 훨씬 중요한 것은 정보의 밀도와 정밀함이다.

따라서 컨텍스트를 구성할 때는 항상 최소한의 꼭 필요한 정보만을 정제해 전달하고 있는지, 정보 간에 논리적 충돌은 없는지 주기적으로 검증하고 다듬는 린(Lean)한 맥락 관리 프레임워크를 유지하는 정성이 필수적이다.

UI·UX 디자인 작업에도 컨텍스트 엔지니어링을 활용하자

컨텍스트 엔지니어링은 단지 소프트웨어 엔지니어링이나 백엔드 시스템 개발자들만의 전유물이 아니다. 사용자의 경험을 설계하고 직관적인 인터페이스를 구현하는 UI·UX 디자인 작업 영역이야말로 컨텍스트 엔지니어링이 가장 파괴적인 혁신을 일으킬 수 있는 분야이다.

디자이너가 클로드 5 세대 모델을 디자인 파트너로 활용할 때 제품의 브랜드 가이드라인, 대상 사용자 페르소나, 디자인 시스템 토큰, 그리고 접근성 표준 등의 맥락을 체계적인 컨텍스트 프레임워크로 세팅해 둘 수 있다.

(자료=앤트로픽)

이처럼 풍부한 디자인 맥락이 사전 구성된 환경에서 클로드 5에 화면 설계를 요청하면, 단순히 예쁜 시각 요소를 배치하는 수준을 뛰어넘는다. 모델은 해당 브랜드의 디자인 언어를 완벽히 준수하면서도 특정 사용자 그룹이 느낄 페인 포인트를 완화하는 정교한 UI 와이어프레임과 기획안을 도출해 낸다.

나아가 반응형 레이아웃의 규칙이나 가독성 기준, 사용자 흐름상의 맥락까지 완벽히 고려된 컴포넌트 구조를 디자인 시스템 표준에 맞게 직접 코드로 변환해 주는 수준에 이른다.

결국 UI·UX 디자이너에게 컨텍스트 엔지니어링을 이해하고 적용하는 능력은 AI라는 강력한 도구를 단순한 합성 도구가 아닌, 제품의 본질적인 맥락을 함께 공유하는 똑똑한 수석 디자인 파트너로 탈바꿈시키는 핵심 자산이 될 것이다. 컨텍스트를 설계하는 능력이 곧 미래 디자인 경쟁력의 핵심 기준이 되는 시대가 이미 시작되었다.

👉 원문 링크: UX디자인과 Claude 5, AI 컨텍스트 엔지니어링

유훈식 교수

hsyoo@smit.ac.kr

출처 : ( https://ditoday.com/news/ )

원문기사링크 : https://ditoday.com/ux%eb%94%94%ec%9e%90%ec%9d%b8%ea%b3%bc-%ed%81%b4%eb%a1%9c%eb%93%9c-5-ai-%ec%bb%a8%ed%85%8d%ec%8a%a4%ed%8a%b8-%ec%97%94%ec%a7%80%eb%8b%88%ec%96%b4%eb%a7%81/

누구도 배제되지 않는 안전, 디자인이 만든다 - 강윤주 한국디자인진흥원장이 말하는 산업안전 컬러유니버설디자인(CUD). 월간안전보건 2026년 8월호

Thu, 30 Jul 2026 09:28:41 GMT

누구도 배제되지 않는 안전, 디자인이 만든다

강윤주 한국디자인진흥원장이 말하는 산업안전 컬러유니버설디자인(CUD)

월간안전보건 2026년 8월호
글. 김정덕

사진. Noon Studio

위험을 알리는 빨간색 표지가 어떤 노동자에게는 배경과 구분되지 않는 색으로 보인다. 같은 색이라도 모든 사람에게 똑같이 보이지 않는다는 사실에서 출발한 컬러유니버설디자인(CUD)은 고령 노동자와 외국인 노동자가 함께 일하는 오늘의 일터에서 재해 예방의 새로운 언어로 주목받고 있다. 지난 1월 취임 이후 디자인이 전문가의 담론에 머무르지 않고 일상에서 체감되는 변화로 이어져야 한다고 강조해 온 강윤주 한국디자인진흥원장은 그 변화가 가장 절실한 곳으로 산업현장을 꼽는다. 시각디자인을 전공하고 오랫동안 색과 시각정보를 다뤄 온 그에게 안전을 지키는 디자인의 힘을 물었다.

색은 단순한 장식이 아니라, 찰나의 순간에 생사가 갈리는 산업현장에서 가장 빠르게 작동하는 생명 신호다.

위험을 한눈에 알아차리게 하는 안전디자인

고용노동부의 ‘2024년 산업재해 현황 분석’에 따르면 산업재해로 인한 경제적 손실 추정액은 연간 38조 원에 달한다. 강윤주 원장은 이 손실의 상당 부분이 설비나 기계의 결함이 아니라, 노동자가 위험을 제때 알아차리고 피할 수 있느냐는 아주 기초적인 문제에서 비롯된다고 진단한다. 안전디자인은 바로 이 지점을 파고든다. 복잡한 매뉴얼을 읽지 않아도 보자마자 위험을 알아차리고 행동하게 만드는 것이다.

산업현장에서 안전디자인이 맡는 역할은 세 가지로 요약된다. 첫째, 직관적인 디자인으로 사람의 실수를 막는다. 둘째, 현장의 조건에 맞게 설계한다. 시각 신호가 잘 보이지 않는 곳이라면 진동이나 경고음처럼 촉각과 청각을 함께 쓴다. 셋째, 처벌과 규제로 강제하는 대신 자연스럽게 안전한 행동을 선택하도록 이끈다(넛지 디자인). 결국 안전디자인은 화려한 포장이 아니라 생명을 지키는 시각 언어이자 행동을 바꾸는 설계다. 작업자가 매일 잡는 손잡이의 각도, 매일 걷는 통로의 색상 같은 작은 변화가 모두의 안전을 지킨다는 것이 그의 생각이다.

디자이너의 눈으로 볼 때 색은 단순한 장식이 아니라, 찰나의 순간에 생사가 갈리는 산업현장에서 가장 빠르게 작동하는 생명 신호다. 문자는 읽고 해석하는 시간이 필요하지만 잘 설계된 색은 언어의 장벽을 넘어 곧바로 행동을 이끈다. 다만 색 하나만으로 안전이 완성되지는 않는다. 선과 위치, 동선, 표지, 형태와 함께 설계해야 누구나 같은 의미로 이해하며 안전 행동을 하도록 한다는 것이다.

색각이상 노동자까지 배려하는 산업안전 CUD

색이라는 신호는 모든 사람에게 똑같이 보일 때 그 힘을 발휘한다. 하지만 일터에는 색을 다르게 보는 사람들이 함께 일하고 있다. 우리나라 남성의 약 5%가 색약이나 색맹 같은 색각이상자이다. 적록색각 이상자에게는 기계의 정지를 알리는 빨간 표시등과 운전을 알리는 녹색 표시등이 모두 비슷한 황갈색으로 보일 수 있다. 멈춘 줄 알고 손을 넣었다가 끼임 사고를 당할 수 있고, 색으로만 구분된 화학물질 배관을 잘못 조작하면 큰 사고를 초래할 수 있다.

CUD는 이 문제를 푸는 열쇠다. 기존의 안전표지가 법적 기준에 따라 위험을 표시하는 데 그쳤다면, CUD는 색에 문자와 기호, 형태, 위치를 함께 쓴다. 빨간 표시등에는 ‘정지’ 문자와 X 기호를, 녹색 표시등에는 ‘운전’ 문자와 ○ 기호를 나란히 붙이는 식이다. 여러 단서를 함께 주면 색각이상 노동자의 인식 오류는 물론 어둡거나 분진이 많은 곳에서의 사고 위험도 줄어든다.

2024년 화성 배터리공장 화재는 ‘보이는 안전’만으로는 부족하다는 사실을 확인시켜 준 사건이다. 고령화되고 외국인 노동자가 빠르게 늘어나는 산업현장에서는 안전수칙 등 안전 정보를 글보다는 색과 그림으로 전달하는 것이 훨씬 효과적이다. 강 원장이 안전디자인의 의미를 ‘누구도 배제되지 않는 안전’이라고 말하는 이유다. 일본은 NPO 컬러유니버설디자인기구(CUDO)를 중심으로 CUD 인증제를 사회적 기준으로 정착시켰다고 한다. 하지만 우리나라는 아직 초기 확산 단계이다. 그는 일본 제도를 따라 하기보다 우리 현장에 맞는 한국형 산업안전 CUD 체계를 만드는 일이 가장 시급하다고 본다. 안전디자인을 ‘현장을 예쁘게 꾸미는 일’로 오해하는 시선도 여전하다. 강 원장은 경영자를 만나면 감성적인 말 대신 비용과 효율, 리스크 관리라는 그들의 언어로 설득한다.

“산재 사고의 80% 이상은 하드웨어가 부실해서가 아니라 작업자의 순간적인 판단 착오 같은 휴먼 에러로 발생합니다. 산업안전 CUD는 현장을 예쁘게 만드는 미화가 아니라 작업자의 착오율을 제로에 가깝게 만드는 인지적 안전장치입니다.”

다만 안전디자인이 CUD에 그치는 것은 아니다. 안전디자인은 위험 저감, 위험 인지, 행동 유도, 신체 보호, 비상대응과 회복의 다섯 영역을 포괄하고 색채 외에도 소재, 형태, 구조, 공간, 정보, 소리 등 다양한 요소로 구현되는 만큼 광범위한 영역에서의 접근이 필요하다는 설명이다.

현장의 위험을 디자인으로 바꾸는 안전서비스디자인 사업

강 원장의 설득을 뒷받침하는 것은 말이 아니라 실적이다. 한국디자인진흥원은 2021년부터 한국산업단지공단과 함께 산업단지 안전서비스디자인 사업을 하고 있다. 노동자가 무엇을 위험으로 인지하지 못하는지, 어떤 동선과 행동이 사고 가능성을 높이는지 찾아내 디자인으로 안전하게 바꾸는 사업이다. 지원 기업에서는 중대재해가 한 건도 발생하지 않았다고 한다. 그는 예쁘게 꾸며서가 아니라 위험을 인지하는 속도를 높이도록 설계한 결과라고 설명했다. 올해는 중소기업의 투자 부담을 완화해 참여 문턱을 낮췄다. 안전에 투자할 여력이 부족한 현장일수록 사고 위험은 크고 작은 변화의 효과는 더 크게 나타나기 때문이다.

강 원장은 달라진 현장의 사례도 들려줬다. 2025년 이 사업에 참여한 동양메탈공업은 지게차와 보행자 동선이 뒤섞여 충돌 위험이 컸는데, 고대비 색상의 안전표지와 구획선, 횡단보도로 동선을 분리해 통행 환경이 한결 안전해졌다. 같은 해 참여한 대건테크는 한 공간에서 여러 공정이 동시에 돌아가 흐름을 파악하기 어려웠다. 이에 진흥원은 인공지능(AI) 시뮬레이션으로 안전한 동선을 찾아 작업 배치를 다시 짜고 숫자(Number)·색상(Color)·선(Line)으로 구분하는 NCL 시스템으로 시각화했다. 그 결과 노동자들이 어디로 가야 하고 어디를 조심해야 하는지 한눈에 알 수 있게 됐다.

표준화와 전문인력 양성으로 안전디자인 확산

강 원장은 개별 기업 지원만으로는 전국 산업현장의 수요를 감당할 수 없다고 본다. 진흥원은 안전디자인 사인 시스템 가이드라인을 만들었고, 어느 현장에서나 쓸 수 있는 표준모델을 고도화해 인증과 교육, 컨설팅으로 연계할 계획이다. 안전보건공단과의 협력에도 기대를 감추지 않았다. 그는 공단의 위험성평가 체계와 진흥원의 안전서비스디자인 방법론을 연계하면 위험 요인을 찾는 데서 그치지 않고, 그 위험을 현장에서 어떻게 보이게 하고 어떻게 피하게 할지까지 설계할 수 있다고 강조했다.

사람 이야기도 빼놓지 않았다. 안전디자인이 현장에 뿌리내리려면 결국 이를 수행할 전문인력이 있어야 한다. 강 원장은 진흥원이 운영하는 국가자격인 ‘서비스경험디자인기사’에서 그 가능성을 찾는다. 이는 사용자의 불편과 문제를 분석해 서비스와 환경을 개선하는 능력을 검증하는 자격이다. 안전디자인에서는 노동자가 곧 사용자다. 노동자가 현장에서 어떻게 움직이고 어디서 위험을 놓치는지 읽어내는 일이기에, 이 역량이 현장에서 그대로 쓰인다는 것이다.

기술이 열어 줄 가능성도 언급했다. AI로 재해 사례와 동선 데이터를 분석하면 사고 가능성이 높은 구역을 미리 찾아낼 수 있다. 또한 디지털 트윈 시뮬레이션을 활용하면 노동자가 위험 상황을 가상으로 경험하는 체감형 교육도 가능해진다. 다만 산업안전을 포함해 안전디자인이 전국으로 빠르게 확산되려면 개별 사업을 넘어 이를 총괄하는 디자인 컨트롤타워가 필요하다고 그는 말했다.

디자인진흥원이 지난 5년간 안전디자인을 지원한 기업은 36곳이다. 안전디자인 도입 후, 참여 기업들에 중대재해가 단 한 건도 발생하지 않았으며, 기업들의 만족도 역시 높았다. 현재 안전디자인이 필요한 기업은 6만 6,000곳이 넘는다. 지금의 속도와 예산으로는 모든 현장에 닿기 어렵기에 표준 가이드라인을 만들고 있다. 하지만 그보다 정부의 더 많은 관심과 투자가 필요하다고 그는 호소했다.

“인간의 생명과 안전에 대한 기본적인 욕구를 해결하지 않고 할 수 있는 일은 많지 않습니다. 대통령께서도 날마다 산업현장의 안전을 강조하고 계신 만큼, 국민의 생명과 안전을 최우선으로 하는 시스템을 서둘러 구축해야 합니다.”

작업장 안의 색과 표지, 동선, 보호구 위치 하나하나가 노동자의 판단과 행동을 좌우한다. 위험을 더 잘 보이게 하고 안전한 행동을 더 쉽게 선택하게 만드는 것이 강 원장이 강조하는 사람 중심의 안전이며, 안전디자인이 나아가야 할 방향이다.

출처 : 월간안전보건(한국산업안전보건공단)

“브랜드 경험 핵심? 타이포그래피!” 모노타입 브랜드톡 2026

Thu, 30 Jul 2026 05:18:00 GMT

삼성전자, KB국민카드, 야놀자 사례 공유

지난 13일, 무더운 7월 여름 날씨에 불구하고도 서울 강남 가빈 아트홀에 마케터, 디자이너, 기획자 등 다채로운 실무자들이 모였다. 글로벌 폰트 디자인 기업 모노타입이 주최한 브랜드톡 코리아 2026(Brand Talks Korea 2026)이 개최된 것이다.

올해로 3회째를 맞이한 브랜드톡 코리아는 국내 브랜딩·디자인·마케팅 업계 관계자들과 타이포그래피의 가치와 가능성을 공유하기 위해 마련된 행사다. 올해는 ‘타이포그래피로 설계하는 브랜드’를 주제로, 타이포그래피를 브랜드의 목소리와 경험을 만들고 지속시키는 핵심 시스템으로 조명했다.

오늘날 우리는 매일 수많은 브랜드의 글씨를 접하고 다양한 느낌을 받지만, 그 경험이 어디에서 비롯되는지 깊이 생각하는 사람은 많지 않다. 하지만 서체와 타이포그래피의 힘을 아는 전문가들은 같은 메시지라도 어떤 글자로 쓰였는지에 따라 전혀 다른 인상을 남기고, 익숙한 브랜드조차 어느 순간 낯설게 느껴지는 이유는 그 안에 숨어 있는 ‘타이포그래피’의 변화라고 말한다.

그렇다면 실제 비즈니스 현장에서 타이포그래피는 어떻게 브랜드 운영의 핵심 시스템으로 작동하고, 브랜드를 글로벌 무대로 확장시키고, 낡은 브랜드에 새로운 가치를 불어넣는 리브랜딩의 핵심이 될 수 있을까? 이 질문에 대한 답을 얻고자 <디지털인사이트>가 현장을 찾았다.

체계적으로 관리해야 할 브랜드 인프라, 타이포그래피

찰스 닉스 모노타입 크리에이티브 디렉터. 헬베티카 나우의 리드 디자이너로도 유명한 그는 서체 디자인뿐 아니라 출판, 마케팅, 교육 분야를 두루 경험한 베테랑 타이포그래퍼다(사진=모노타입)

처음 단상에 오른 찰스 닉스 모노타입 수석 크리에이티브 디렉터는 서체와 타이포그래피를 생태계로 바라보는 관점을 공유했다. 이날 그는 서체 즉, 타입페이스가 제작되고 배포된 뒤 조직에 도입·관리되고 다양한 고객 접점에서 사용되는 전체 과정을 소개하며 설명을 이어갔다.

특히 그는 글로벌 브랜드가 다양한 지역과 조직, 플랫폼, 파트너 환경에서 일관된 목소리를 유지하기 위해선 서체를 단순한 감성적 장식이나 표현 수단이 아닌 ‘핵심 운영 인프라’로 바라봐야 한다고 강조했다. 서체의 선택뿐만 아니라 배포-관리-정책-업무 흐름-외부 파트너와의 협업까지 함께 설계해야 브랜드의 일관성과 신뢰를 지속할 수 있다는 이야기였다.

제작부터 고객 접점까지의 서체가 거치는 여정(사진=디지털인사이트)

아울러 그는 서체가 조직 내부로 들어온 이후의 관리 필요성도 중요하게 짚었다. 여러 부서와 외부 파트너가 체계 없이 각자 폰트를 다운로드, 복사해 사용하는 구조에선 폰트 사용 현황을 파악하기 어렵고, 라이선스 관리 역시 복잡해지며, 브랜드 규모가 커질수록 이런 문제는 더욱 심화되기 때문이다.

이에 찰스 닉스 디렉터는 폰트를 중앙에서 관리하고, 동일한 기준으로 사용할 수 있는 체계를 구축해야 한다고 조언했다. 이미지나 음악처럼 폰트 역시 명확한 사용 규정과 관리 시스템이 필요하다는 것이다.

또한 세션 후반 찰스 닉스 디렉터는 “타이포그래피 디자인은 장식이 아니라 의미를 만드는 구조”라며 “서체를 관리하고 운영하는 일은 결국 브랜드의 의미를 구축하는 과정”이라고 말하며 타이포그래피가 만들어내는 경험이 문화와 시장까지 영향을 미칠 수 있다고 설명했다.

찰스 닉스 디렉터는 타이포그래피는 혼잡한 상황에서도 제품을 돋보이게 만들 핵심 요소라 강조한다(사진=디지털인사이트)

삼성전자, 글로벌 브랜딩 핵심 도구로 활용

김초롱 디렉터. 그는 풍부한 경험을 바탕으로 각 국가의 디자이너들과 협업해 디자인과 서비스 품질을 향상시키며, 폰트 관련 교육자 및 강연자, 심사위원 등으로 활동하고 있다(사진=모노타입)

이어 단상에 오른 김초롱 모노타입 크리에이티브 타입 디렉터는 앞선 찰스 닉스 디렉터의 주장을 뒷받침할 실제 사례를 제시했다. 이날 김초롱 디렉터는 모노타입과 삼성전자가 협업해 제작한 전용서체 ‘삼성 샤프 산스(Samsung Sharp Sans)’ 프로젝트를 통해 하나의 브랜드 목소리를 다양한 언어와 환경으로 확장하는 과정의 핵심을 짚었다.

그는 먼저 삼성 샤프 산스 프로젝트의 첫 작업은 삼성전자의 글로벌 브랜드 경험을 통합·정리하는 작업이었다고 설명했다. 서체 디자인보다 먼저, 기존 브랜드가 고객 접점에서 글자를 어떻게 사용하고 있는지를 진단하는 과정이 진행된 것이다. 이를 통해 브랜드 보이스의 일관성과 문제를 파악하는 것이 출발점이었다.

이후의 작업 역시 ‘사용 환경과 맥락’을 중심으로 진행됐다. 다양한 매체와 화면에서 안정적으로 읽히는 구조를 만들고, 굵기나 스타일이 달라져도 레이아웃이 크게 흔들리지 않도록 조정하는 등 실제 활용 상황을 고려한 설계가 핵심이었다. 또한 제목 중심으로 쓰이던 기존 서체를 보완해 장문에서도 사용할 수 있는 체계를 구축하면서, 브랜드 전반에서 활용 가능한 서체 패밀리로 확장했다.

짧은 글뿐만 아니라 장문에서도 사용할 수 있는 삼성 샤프 산스(사진=디지털인사이트)

다국어 확장 역시 단순한 형태 복제가 아닌 ‘브랜드 메시지’에 초점이 맞춰졌다. 김초롱 디렉터는 라틴 서체의 형태를 그대로 다른 문자에 적용하는 것이 아니라, 각 언어의 구조와 문화적 맥락을 존중하면서도 동일한 브랜드 톤을 느낄 수 있도록 설계하는 것이 중요하다고 강조했다.

실제 기존 라틴 폰트엔 기하학적 특징인 완벽한 원형을 한글의 ‘ㅇ’에 그대로 이식할 경우, 글자 내부의 속공간이 좁아져 장문에서 가독성이 훼손되는 등의 한계가 있었다. 이를 극복하기 위해 모노타입은 ‘ㅇ’을 타원형으로 다듬어 시각적 면적을 라틴 서체와 조화롭게 맞추는 한편, ‘ㅈ’이나 ‘ㅅ’ 등의 획에 둥근 형태를 부여해 브랜드 특유의 기하학적 인상을 보완했다. 더불어 한글의 모아쓰기 특성을 고려해 네모 틀 안에 꽉 차도록 뼈대를 설계함으로써, 영문과 혼용되는 글로벌 환경에서도 이질감 없이 견고한 시각적 일관성을 확보해 냈다.

이런 접근 방식을 통해 만들어진 삼성의 샤프 산스는 오늘날 다양한 문자 체계와 언어로 확장됐고,전 세계 글로벌 광고, 제품 UI, 오프라인 공간 등 여러 고객 접점에서 일관된 경험을 창출하는 기반으로 사랑받고 있다.

실제 이날 김초롱 디렉터는 명동 신세계 스퀘어부터 시작해 태국 및 그리스 현지 TV 광고를 거쳐 런던 피카딜리 광장까지 글로벌 마케팅 캠페인에 사용되는 서체의 모습과 함께 “글로벌 브랜드일수록 동일한 목소리를 유지하는 것이 중요하다”며 “서체는 이를 가능하게 하는 핵심 도구”라고 강조하고, 전용서체가 브랜드 개성의 시각적인 표현을 넘어 다양한 언어와 환경에서 일관된 브랜딩 경험을 제공하기 위한 시스템으로 작동한다고 설명했다.

실제 마케팅 현장에서 사용되고 있는 삼성 샤프 산스(사진=디지털인사이트)

KB국민카드·포스코 리브랜딩 사례 공개

장준호 인터브랜드 크리에이티브 디렉터. 그는 다수의 리브랜딩 및 브랜드 구축 프로젝트를 이끌어온 베테랑 디자이너다(사진=모노타입)

작년에 이어 올해 세미나의 마지막 세션 역시 모노타입이 아닌 외부 연사가 담당했다. 마지막 연사로 단상에 오른 장준호 인터브랜드 크리에이티브 디렉터는 리브랜딩을 “없는 것을 새로 만드는 것이 아니라, 이미 존재하는 것에서 ‘새로운 가능성을 발견’하는 일”로 정의하며 브랜드의 가치를 발굴하고 이를 서체로 연계한 실제 프로젝트 사례들을 공유했다.

이날 장준호 디렉터가 처음으로 꺼낸 KB국민카드 프로젝트는 앞선 관점을 가장 직관적으로 보여준다. 당시 과제는 전용 서체를 유지하면서도 브랜드를 새롭게 느끼게 만드는 것이었다. 일반적으로 리브랜딩은 로고 교체로 이어지기 쉽지만, 이 프로젝트에선 오히려 로고를 고정 변수로 두고 주변 요소를 전부 재구성하는 전략이 선택됐다.

실제 인터브랜드는 KB를 상징하는 별을 다양한 형태로 확장하고, 그 안에서 색상 체계를 재정의하면서 시각적 맥락을 바꿨다. 그 결과 동일한 로고임에도 불구하고 전혀 다른 톤앤매너로 인식되기 시작했다. 로고 변경보다 ‘서체가 놓이는 환경의 변화’가 브랜드 인식에 더 큰 영향을 미칠 수 있음을 보여준 것이다.

기존 KB 카드 플레이트에서 발견한 별을 다양한 형태로 확장한 베리에이션(사진=디지털인사이트)

포스코 인터내셔널과 연계한 인도네시아 ‘프라임 아그리 리소시즈’ 프로젝트에선 서체의 또 다른 중요성이 돋보였다. 해당 프로젝트의 핵심은 현재의 사업 정체성을 명확히 하면서도 미래 확장 가능성을 제한하지 않는 것이었다. 즉, 브랜드가 ‘지금 무엇인가’를 설명하는 동시에 ‘앞으로 무엇이 될 수 있는가’를 열어두는 설계가 필요했다.

이를 위해 장준호 디렉터는 서체와 심벌을 단순한 식별 요소가 아니라 의미를 담는 구조로 활용했다. 팜나무라는 직관적인 상징을 그대로 재현하기보다, 생산·가공·유통으로 이어지는 사업의 흐름과 연결성을 글자와 형태 안에 녹여냈다. 서체와 브랜드 디자인이 기업의 비즈니스 구조와 전략을 해석하는 도구가 될 수 있음을 보여준 것이다.

장준호 디렉터는 “팜 오일 생산 가공 유통 사업 흐름과 연결성을 서체와 심볼에 녹여냈다”고 전했다(사진=디지털인사이트)

이어 숙박 앱을 넘어 글로벌 하이퍼 레저 플랫폼으로의 전환을 시도한 ‘야놀자’의 BI 리뉴얼 사례에선 ‘경험을 담은 타이포그래피’의 기획 과정을 통해 사용자 경험을 출반점으로 삼은 접근법이 강조됐다.

장준호 디렉터는 단순한 형태적 트렌드를 좇기보다 여행과 여가라는 업의 본질적 경험을 서체에 담아내는 데 주력했다고 밝혔다. 특히 그는 여행 중 길을 잘못 들었을 때 마주하는 ‘예상치 못한 경로와 즐거움’이라는 감정적 모티프를 도출하고, 이를 알파벳 디자인 등에 시각적으로 적용하여 브랜드의 새로운 지향점을 텍스트 자체에 부여했다.

새로운 브랜드 컬러를 선정하고 경영진을 설득하는 과정의 비하인드 스토리 역시 실무자들의 이목을 끌었다. 장준호 디렉터는 신규 컬러에 대한 당위성을 확보하기 위해 “비행기를 타러 가거나 콘서트를 기다릴 때 공통으로 마주하는 맑은 파란 하늘”을 감정선으로 제시했다고 설명했다. 누구나 공감할 수 있는 여행 직전의 설렘을 컬러로 정의함으로써 내부의 동의를 이끌어낸 것이다.

맑은 파란 하늘과 예상치 못한 경로가 감정적 모티프로 적용된 NOL 로고(자료=놀유니버스)

이처럼 브랜드 전략이 그래픽에서 머물지 않고, 다양한 접점에서 경험으로 구현돼야 한다는 발표를 진행한 그는 세션 후반 디자인 실무자들을 위한 조언도 잊지 않았다. 이날 장준호 디렉터는 세션을 마무리하며 “디자이너는 단순히 예쁜 형태를 다듬는 사람을 넘어, 브랜드의 숨겨진 의미와 가치를 발견하는 주체가 되어야 한다”고 역설했다.

브랜드 경험의 교두보 타이포그래피

브랜드톡 코리아는 매년 타이포그래피가 브랜드와 비즈니스에서 갖는 중요성을 강조하고 있다(사진=모노타입)

세 발표는 타이포그래피 생태계와 글로벌 전용서체, 리브랜딩이라는 서로 다른 주제를 다뤘지만 하나의 공통된 메시지로 이어졌다. 브랜드의 정체성은 한 번의 디자인 작업만으로 완성되지 않으며 조직과 채널, 시장의 변화 속에서 지속적으로 설계하고 운영해야 하고, 타이포그래피는 이를 연결하는 핵심 요소로 기능한다는 점이다.

찰스 닉스 디렉터가 서체의 제작과 유통, 관리 체계를 브랜드의 운영 인프라로 바라봤다면, 김초롱 디렉터는 하나의 브랜드 목소리를 서로 다른 문자와 문화에 맞게 확장하는 과정을 보여줬다. 장준호 디렉터는 이미 존재하는 브랜드 자산과 경험에서 새로운 의미를 발견하고 이를 여러 고객 접점으로 연결하는 방법을 제시했다.

타이포그래피 역시 아름다운 글자의 형태만으로 완성되지 않는다. 누가 어떤 목적으로 사용할 것인지, 조직 안에서 어떻게 공유할 것이며, 서로 다른 언어와 매체에서 어떤 경험으로 구현할 것인지까지 함께 설계해야 비로소 지속 가능한 브랜드 자산이 될 수 있다.

출처 : ( https://ditoday.com/news/ )

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코카콜라, 새로운 글로벌 비주얼 시스템 공개

Tue, 28 Jul 2026 00:23:08 GMT

따로 놀던 브랜드 자산 하나로 통합

(자료=JKR)

지난 20일(현지 시간) 코카콜라가 새로운 글로벌 비주얼 아이덴티티 시스템을 공개했습니다. 이번 프로젝트는 로고 리뉴얼 중심의 리브랜딩이 아닌, 코카콜라가 오랫동안 사용해 온 브랜드 자산을 하나의 시스템으로 통합하는 데 초점을 맞춘 재정비 작업입니다.

아르납 로이(Arnab Roy) 코카콜라 글로벌 카테고리 총괄 사장은 “이번 프로젝트는 우리 브랜드를 접하는 모든 곳에서 더욱 명확하고 일관된 모습을 보여주기 위한 것”이라며 “이미 대중이 잘 알고 사랑해 온 자산을 바탕으로, ‘누가 봐도 명확한 코카콜라’의 정체성을 유지하면서 성장을 위한 더욱 견고한 토대를 마련하고자 했다”고 밝혔습니다.

이 프로젝트는 새로운 캠페인을 위한 플랫폼 아이덴티티 작업에서 시작됐습니다. 하지만 제작 과정에서 개별 캠페인과 플랫폼을 중심으로 만들어진 기존 가이드를 정리할 필요성이 확인됐고, 전 세계 200개 이상의 시장에서 활용할 수 있는 글로벌 시스템으로 프로젝트 범위가 확장되었다고 해요. 어떤 작업이 이뤄졌는지, 아래에서 함께 살펴볼게요.

기존 브랜드 자산을 중심으로 재구성한 아이덴티티

(자료=JKR)

새로운 아이덴티티는 코카콜라의 빨간색과 흰색 컬러 팔레트, 스펜서리안 스크립트(Spencerian Script) 워드마크, 다이나믹 리본(Dynamic Ribbon) 및 아든 스퀘어(Arden Square)를 중심으로 구성됐습니다. 기존 요소의 형태를 크게 바꾸기보다 사용 기준과 서로의 관계를 정리하고, 패키지와 리테일 공간, 음료 장비, 디지털 환경에서 각 자산이 더욱 분명하게 드러나도록 했어요.

이번 리뉴얼을 통해 브랜드 마크로 돌아온 아든 스퀘어는 빨간색 사각형 안에 워드마크와 흰색 다이나믹 리본을 배치한 형태입니다. 코카콜라가 세계 시장으로 빠르게 확장하던 1969년 Lippincott & Margulies가 개발했으며, 워드마크와 다이나믹 리본을 하나의 구조 안에 담은 브랜드 마크로 사용됐습니다.

아든 스퀘어를 구성하는 다이나믹 리본 역시 같은 시기에 등장한 브랜드 자산입니다. 코카콜라의 컨투어 보틀에서 가져온 곡선을 바탕으로 만들어졌으며, 워드마크와 컬러 등 핵심 디자인 요소를 하나로 연결하는 역할을 맡았어요. 이번 아이덴티티에서는 아든 스퀘어 안에 포함된 형태와 화면이나 공간을 넓게 가로지르는 형태를 함께 사용합니다.

개별 제품보다 브랜드가 먼저 보이는 패키지 디자인

(자료=DIELINE)

글로벌 아이덴티티는 JKR에서 맡은 한편, 패키지 디자인 시스템은 The Superultrarare가 담당했습니다. 새로운 패키지에서는 빨간색과 흰색 워드마크를 공통적인 브랜드 자산으로 사용하고, 세부 컬러와 제품명으로 각 제품을 구분합니다. 제품별 차이를 유지하면서도 코카콜라라는 브랜드가 먼저 드러나도록 구조를 정리한 것이에요.

패키지 디자인에서 가장 눈에 띄는 변화는 캔 전면에 세로로 배치된 워드마크입니다. 캔의 길쭉한 비율을 따라 워드마크를 크게 적용해 좁은 면에서도 로고가 충분한 비중을 차지하도록 했어요. 여러 제품을 함께 진열했을 때는 동일한 스크립트 워드마크가 연속적으로 나타나며 하나의 브랜드 제품군을 형성합니다.

코카콜라 제로 슈거 역시 일반 코카콜라와 같은 빨간색 바탕과 흰색 워드마크를 사용합니다. 두 제품이 공통된 브랜드 인상을 공유하도록 한 것인데요, 제로 슈거를 구분하는 검은색은 다이나믹 리본과 페트병의 병뚜껑에 적용했습니다. ‘제로 슈거’의 표기도 이전보다 크게 확대해 공통된 패키지 구조 안에서 제품 종류가 바로 드러나도록 했어요.

멀티팩 전면에는 가로로 길게 배치했던 워드마크를 줄이고 옆으로 누운 코카콜라 캔 이미지를 크게 적용했습니다. 개별 캔의 디자인을 외부 패키지에서도 직접 보여주면서 안에 담긴 제품을 쉽게 확인할 수 있도록 한 구성이에요. 다른 면에는 다이나믹 리본과 아든 스퀘어를 넓게 배치해 패키지의 방향이 달라져도 코카콜라의 핵심 브랜드 자산이 이어지도록 했습니다.

스크립트 워드마크를 보조하는 새로운 전용 세리프 서체

(자료=Brody Associates)

타이포그래피 시스템도 새롭게 정비했습니다. 기존의 스펜서리안 스크립트 워드마크는 코카콜라를 대표하는 자산으로 유지하고, 이를 보조하는 전용 세리프 서체 Better With를 새롭게 도입했습니다. 스크립트 로고가 브랜드를 상징하는 역할을 맡는다면 세리프 서체는 제품명과 브랜드 메시지처럼 정보를 전달하는 영역에 활용되는 형태예요.

재밌는 점은 당초 코카콜라의 연말 캠페인을 위해 제작되었던 Better With가 글로벌 아이덴티티 전반에 사용되는 서체로 확장되었다는 점입니다. 코카콜라 브랜드 아카이브에 남아 있는 다양한 세리프 서체에서 영감받아 현대적인 사용 환경에 맞게 재구성된 폰트인데요, 다양한 환경에 대응해야 하는 글로벌 아이덴티티 안에서 기존 스크립트 워드마크를 보조하고, 제목과 메시지에 보다 다양한 표정을 더하는 역할을 합니다.

(자료=JKR)

이렇게 재정비된 새로운 비주얼 아이덴티티는 패키지를 비롯해 리테일 공간, 음료 장비, 디지털 경험 등 다양한 환경에 적용됩니다. 현재 라틴아메리카와 유럽, 중동, 아시아를 중심으로 도입되고 있으며, 북미를 포함한 나머지 시장에는 2027년부터 순차적으로 확대될 예정이라고 해요.

200개가 넘는 시장과 여러 브랜드 접점에서 같은 기준을 유지하려면 디자인 결과물과 함께 이를 공유하고 관리하는 환경도 필요합니다. 코카콜라는 내부 팀과 에이전시 파트너가 브랜드 자산과 적용 원칙을 한곳에서 확인할 수 있는 Brand Center를 구축했고, 제작 과정의 일관성을 관리하는 Design Intelligence 도구도 함께 도입해 글로벌 시스템의 운영을 지원하기도 합니다.

140년 동안 쌓아 온 브랜드 자산을 강화하고, 이를 전 세계에서 일관되게 활용할 수 있는 시스템으로 정리한 코카콜라의 글로벌 비주얼 아이덴티티. 더 자세한 내용과 적용 사례는 아래의 페이지를 참고해 주세요.

👉 JKR에서 전체 케이스 스터디 보기

👉 원문 콘텐츠: 코카콜라, 핵심 브랜드 자산을 재정비한 새로운 글로벌 비주얼 아이덴티티 공개

출처 : ( https://ditoday.com/news/ )

원문기사링크 : https://ditoday.com/%ec%bd%94%ec%b9%b4%ec%bd%9c%eb%9d%bc-%ec%83%88%eb%a1%9c%ec%9a%b4-%ea%b8%80%eb%a1%9c%eb%b2%8c-%eb%b9%84%ec%a3%bc%ec%96%bc-%ec%8b%9c%ec%8a%a4%ed%85%9c-%ea%b3%b5%ea%b0%9c/

“인터페이스는 죽지 않는다” 피그마가 본 디자인 툴의 미래

Mon, 27 Jul 2026 00:45:14 GMT

유키 야마시타 피그마 CPO 방한 기자간담회

오늘날 AI의 발전으로 각종 앱 서비스와 디지털 콘텐츠를 만드는 일은 하루하루 쉬워지고 있다. 아이디어를 입력하면 디자인과 코드가 만들어지고, 이미지 몇 장만으로도 영상이 만들어진다. 최근엔 장기적이고 복잡한 프로젝트도 수행하는 AI도 다수 등장했다. 그런데 이렇게 AI로 만들어지는 결과물이 많아진 만큼, 사용자들에게 선택받는 제품도 늘어났을까?

최근 유키 야마시타 피그마 최고제품책임자(CPO)는 이에 대해 부정적인 조사 자료를 공유했다. AI 도입 이후 앱스토어에 등록되는 앱이 빠르게 증가했지만, 실제로 사용자들이 자주 사용하는 앱의 수는 늘어나지 않았다는 것이다. AI가 제품 제작의 장벽을 낮췄지만 비슷한 결과물을 양산하면서, 차별화는 오히려 어려워졌다는 조사 결과였다.

이런 상황에서, 피그마가 지난 14일 서울에서 기자간담회를 열고 대응 전략을 공개했다. 과연 AI 시대에 피그마의 전략은 무엇이며, AI가 만든 평균을 넘어서는 창작을 위해 어떤 새로운 도구들을 제시했을까? <디지털 인사이트>가 직접 현장을 찾았다.

AI 시대의 ‘직군 붕괴’와 ‘사일로 현상’

야마시타 CPO는 오늘날 AI로 인해 개발자와 디자이너 직군의 경계는 물론 소프트웨어와 크리에이터의 경계조차 허물어지고 있다고 밝혔다(사진=단군소프트)

작년에 이어 올해 또다시 한국을 찾은 유키 야마시타 CPO는 이날 첫 키노트 발표 세션에서 포춘 500대 기업의 95%가 피그마를 사용할 정도로 전 세계 디자인 표준으로 자리 잡은 성과를 공유함과 동시에, 한국 시장의 남다른 AI 적응력을 강조했다. 그는 “최근 조사 결과 한국의 제품 서비스 개발자의 76%가 지난 수개월간 AI가 업무에 큰 영향을 미쳤다고 답했으며, 이는 미국의 64%를 상회하는 수치”라고 말했다.

또한 그는 글로벌 디자인 실무 현장 현황도 공유했다. 피그마의 조사 결과에 따르면, 2025년에서 2026년 사이 개발 업무에 참여하는 디자이너의 비율은 2025년 21%에서 2026년 41%로 두 배 가까이 치솟았고, 디자인에 직접 참여하는 개발자의 비중 역시 2025년 44%에서 2026년 60%로 급증했다. 누구나 AI 에이전트의 도움을 받아 전문 지식 없이도 콘셉트 구상부터 제품 제작까지 해낼 수 있는 시대가 열린 것이다.

디자인과 개발의 경계가 낮아지고 있음을 보여주는 그래프. 2026년 더 많은 디자이너가 개발에, 더 많은 개발자가 디자인에 참여하고 있다(사진=디지털인사이트)

그러나 야마시타 CPO는 이런 기술의 발전이 여러 부작용도 낳고 있다고 지적했다. 그가 꼽은 대표적인 문제점은 ‘조용한 항복(Quiet Surrender)’현상이다. 그는 “AI로 무언가를 처음 만들었을 때는 과거보다 뛰어나다고 착각하지만, 사실 그것은 AI가 만들어낸 ‘새로운 평균‘일 뿐”이라며 “AI의 편리함과 그럴 듯한 결과물에 쉽게 타협하면서 제품의 독창성이 사라지고 있다”고 꼬집었다.

심지어 자신도 AI가 작성한 이메일을 그대로 사용한 뒤에야 특정 단어와 메시지가 정말 최선이었는지 의문을 느낀 적이 있다고 고백한 그는 실제 최근 애플리케이션 출시량은 기하급수적으로 늘었지만, 정작 사용자들이 자주 사용하는 앱의 숫자는 오히려 조금씩 하락세를 보이고 있다는 통계를 그 근거로 제시했다.

에이전틱 AI의 등장으로 더 많은 앱이 출시되지만 활발하게 사용되는 앱의 숫자는 점점 줄어들고 있음을 보여주는 그래프(사진=디지털인사이트)

또 다른 치명적인 문제는 조직의 ‘사일로 현상’이다. 실무자들이 각자의 AI 에이전트와 단독으로 깊은 대화를 나누며 강력한 시제품을 만들어내지만, 이를 팀원들과 초기에 공유하는 과정은 단절되었다는 것이다. 야마시타 CPO는 “비용 문제나 복잡한 절차 탓에 결과물을 다른 곳으로 옮겨 공유하다 보니 피드백이 사방으로 흩어진다”고 우려를 표했다.

피그마, 더욱 긴밀한 협업 환경 구축할 것

AI 시대 피그마는 인간과 AI 에이전트 모두를 위한 협업 환경을 제공할 계획이다(사진=단군소프트)

이런 문제 의식에서 출발한 피그마가 내놓은 해법은 ‘무한 캔버스’의 고도화였다. 개인이 고립된 환경에서 만들어낸 파편화된 결과물을 하나의 캔버스로 모두 불러들여, 인간 동료들은 물론, AI 에이전트까지 한 공간에서 상호작용할 수 있는 강력하고 긴밀한 협업 환경을 구축하겠다는 전략이었다.

현장에선 이를 위한 다양한 신규 기능들이 쏟아졌다. 그중에서도 가장 대표적인 것은 ‘코드 레이어’ 기능이다. 기존의 방식이 디자인 요소를 먼저 그리고 이를 코드로 변환하여 확인하는 단방향 방식이었다면, 코드 레이어는 디자인 레이어 자체에 실 프로덕션 코드가 내장되는 구조다.

신규 코드 레이어 기능 특징 소개 자료. 피그마는 새로운 코드 레이어 기능이 디자이너와 개발자의 긴밀한 협업과 사일로 현상 해결에 도움을 준다고 말한다(사진=디지털인사이트)

이를 통해 개발자와 디자이너는 코드 기반의 프로토타입을 피그마 캔버스 안에서 레이어 형태로 직접 다루며 실시간으로 공유하고 수정할 수 있다. 야마시타 CPO는 “이제 디자인과 코드 중 어디서 시작할지 고민할 필요가 없다”며 “코드는 구현의 결과물이 아니라 디자인을 위한 표현력이 풍부한 재료”라고 정의했다.

이외에도 값비싼 전문 툴에서만 가능했던 애니메이션 효과를 피그마 캔버스에서 구현하는 ‘모션(Motion)’, 평면적인 2D 디자인 도구에서 벗어나 디자인에 입체감을 더하는 ‘3D 변환(3D Transform)’, 애플의 리퀴드 글라스 같은 질감을 부여하는 ‘셰이더(Shaders)’ 기능도 소개됐다. 아울러 다수의 생성형 AI 모델을 연결해 이미지나 영상의 생성, 디자인 과정을 세밀하게 제어할 수 있는 ‘위브(Weave)’ 기능도 피그마 생태계에 편입됐다.

첫 발표 이후 이어진 대담에선 우상훈 네이버 콘텐츠 생산 도구 랩 책임리더가 피그마 주요 파트너사를 대표해 신기능들에 대한 현장의 목소리를 대변했다. 이날 우상훈 리더는 특히 위브의 가치를 높게 평가했다. 그는 네이버 사내 프로젝트에서 위브를 활용해 소규모 인원으로 단시간에 서비스 프로세스와 비주얼 콘셉트를 도출해 낸 경험을 공유하며, “위브는 단순한 생성 조율을 넘어 AI 디자인을 통제 가능한 엔지니어링으로 승화시키는 도구”라고 평가했다.

이날 우상훈 리더는 맹목적인 AI 의존을 경계하며 조언도 남겼다. 그는 “개발자들이 AI로 쉽게 UI를 만들게 되었지만, 그 결과물은 결국 그들이 가진 평균적인 미적 감각 수준에 그친다”며 “누구나 AI로 평균치를 쉽게 뽑아내는 시대일수록, 역설적으로 좋은 것을 구별해 내는 깊은 관찰 능력과 ‘확고한 취향’이 가장 중요한 역량이 된다”고 강조했다.

우상훈 네이버 콘텐츠 생산 도구 랩 책임리더(우측). 그는 AI 시대 누구나 평균치에 쉽게 도달하는 시대에 자신만의 취향이 가장 중요한 역량이라 강조한다(사진=단군소프트)

사스포칼립스 우려에 답한 피그마

야마시타 CPO는 AI 시대에도 인터페이스의 중요성은 사라지지 않을 것이라 강조했다(사진=단군소프트)

이후 이어진 유키 야마시타 CPO의 단독 질의응답 세션에선 AI 시대 치열해지는 디자인 툴 시장 경쟁 속 피그마의 핵심 가치 방향성과 시각화 디자인 툴의 미래 등에 이목이 집중됐다.

실제 이날 간담회 후반부에선 피그마의 차별화 전략에 대한 질문도 제기됐다. AI를 적극 도입하고 정교하고 다채로운 디자인 작업을 지원할수록 어도비나 컴피 UI, 더 나아가 클로드 코드 같은 전문툴과의 경쟁이 불가피하고, 이에 실무자들은 왜 다른 디자인 툴이 아닌 피그마를 선택해야 하는지 묻는 질의였다.

이에 대해 야마시타 CPO는 태생부터 갖춰진 다중 접속 협업 기반의 생태계를 핵심 경쟁력으로 꼽았다. 그는 “수년간 전문 툴 안에서 홀로 고립되어 작업하던 모션 디자이너들이 피그마 캔버스 안에서 다른 팀원의 마우스 커서가 들어와 작업을 돕는 것을 보고 워크플로우가 완전히 바뀌는 경험을 하고 있다”고 설명했다.

이어 “AI 시대에도 각자가 에이전트와 어떤 작업을 하고 있는지 동료들과 투명하게 공유하고 아이디어를 발전시키는 ‘협업 환경’이야말로 타 전문 툴이 모방할 수 없는 피그마만의 강력한 무기”라고 자신했다.

야마시타 CPO는 AI 에이전트에게 모든 것을 맡기는 방식은 불안정하다고 말한다(사진=단군소프트)

또한 AI 에이전트의 급격한 발전으로 AI와의 대화가 인터페이스를 대체할 것이며, 인터페이스 디자인에 필요한 피그마는 물론 여러 현존 전문 디자인 소프트웨어가 불필요해질 것이란 이른바 ‘사스포칼립스(SaaS-pocalypse)’ 우려에 대해선 야마시타 CPO는 확고한 입장을 밝혔다.

그는 “미래에는 에이전트가 훨씬 더 복잡하고 추상적인 업무를 수행하게 될 텐데, 그럴수록 인간은 에이전트가 무슨 일을 하고 있는지 직관적으로 이해하고 개입해 통제할 수 있어야 한다”고 반박했다. 단순히 대화창에 프롬프트만 입력하고 답변을 기다리는 방식은 너무나 불안정하며 비효율적이라는 것이다.

이어 야마시타 CPO는 “인간은 본질적으로 시각적인 사고방식을 가진 존재”라고 규정하며, “에이전트가 처리하는 방대한 작업 내역을 시각화하고 협업을 돕는 인터페이스와 인터페이스를 구축하는 디자인 툴의 중요성은 앞으로 더욱 커질 수밖에 없다”고 강조했다.

“AI 에이전트를 사용하더라도 AI가 무엇을 하고 있는지 살펴보기 위한 인터페이스는 계속 필요할 것이며, 이것이 저희가 여전히 SaaS의 미래를 낙관하는 이유입니다. 결국 인간은 시각적으로 사고 하는 생물이기 때문이죠.”

출처 : ( https://ditoday.com/news/ )

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AI 많이 쓸수록 “잘 모르겠다”는 말 못해

Mon, 27 Jul 2026 00:33:21 GMT

AI가 틀린 답 줘도 판단 유예 3% 불과

(자료=제미나이 제작)

AI 활용이 비판적 사고 능력을 약화시킨다는 연구 결과가 나왔다.

프랑스와 이탈리아 연구진이 3132명의 참가자를 대상으로 진행한 5단계 실험 결과에 따르면, AI 답변에 접근할 수 있었던 사용자일수록 “잘 모르겠다”고 답하는 비율이 급감한 것으로 나타났다.

연구진은 참가자들에게 논리적 착각을 유도하는 ‘인지적 반사 테스트(CRT)’ 방식의 질문을 제시했다. 대표적으로 “방망이와 공의 합계 가격은 1달러 10센트이고, 방망이가 공보다 1달러 더 비싸다면 공의 가격은 얼마인가?”라는 질문이 포함됐다. 직관적으로는 ’10센트’라는 오답을 떠올리기 쉬우나 실제 정답은 ‘5센트’인 문항이다.

연구진은 의도적으로 오답을 출력하도록 설계된 AI 모델을 제공해 AI의 조언과 실제 정확도를 분리해 관찰했다. 그 결과 AI 조언이 제공되지 않았던 그룹은 44%가 “잘 모르겠다”며 판단을 유예한 반면, AI를 활용할 수 있었던 그룹의 판단 유예 비율은 3%에 불과했다.

AI 답변을 그대로 수용함에 따라 AI를 활용한 참가자들의 정답률은 그렇지 않았을 때와 비교해 3분의 1 수준으로 떨어졌지만, 역설적으로 답변에 대한 자신감은 약 2배 상승한 것으로 나타났다.

연구진이 정답에 인센티브를 지급하는 경제적 유인을 제공하자 AI 수용률이 다소 줄어들었으나, AI가 없던 상태의 비판적 사고 수준을 회복하지는 못했다고 보고서는 밝혔다.

연구진은 “AI 답변에 접하는 것만으로도 인간이 판단을 유예하려는 의지가 사실상 사라졌다”며 “AI 조언이 보편화되는 환경에서 ‘잘 모르겠다’고 말할 수 있는 능력은 가장 먼저 훼손될 위험이 크다. AI 답변을 검증하는 교육과 함께 인간 고유의 비판적 사고를 강화할 필요가 있다”고 지적했다.

출처 : ( https://ditoday.com/news/ )

원문기사링크 : https://ditoday.com/ai-%eb%a7%8e%ec%9d%b4-%ec%93%b8%ec%88%98%eb%a1%9d-%ec%9e%98-%eb%aa%a8%eb%a5%b4%ea%b2%a0%eb%8b%a4-%eb%a7%90-%eb%aa%bb%ed%95%b4/