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패션 거장 NIGO가 제안하는 패밀리마트 최초의 플래그십 스토어

Wed, 22 Jul 2026 03:45:27 GMT

All Images ⓒ FamilyMart Co.,Ltd.

NIGO와 원더월이 설계한 패밀리마트 최초의 플래그십 스토어 ‘FAMIMA PARK AZABUDAI’

일본의 편의점은 오랫동안 속도와 효율을 중심으로 발전해왔다. 제한된 면적 안에 식품과 생활용품, 각종 서비스를 촘촘하게 배치하고, 누구나 비슷한 방식으로 이용할 수 있도록 운영 체계를 표준화했다. 어느 지역에서든 익숙한 동선과 상품 구성을 만날 수 있다는 점은 일본 편의점이 가진 가장 큰 경쟁력이었다. 하지만 편리함이 이미 일상이 된 지금, 편의점은 다음 단계의 가능성을 고민하기 시작했다. 필요한 물건을 빠르게 구입하는 장소를 넘어, 방문 자체가 하나의 경험이 될 수 있을까. 매장의 효율성을 유지하면서도 새로운 발견과 즐거움을 제공할 수 있을까.

패밀리마트는 이러한 질문을 바탕으로 ‘Next FamilyMart Project’를 시작했다. 창립 45주년을 맞아 기존 편의점의 틀을 다시 살펴보고, 새로운 매장 경험과 상품, 공간 디자인의 가능성을 탐색하는 프로젝트다. 특히 이번 프로젝트에는 HUMAN MADE의 창립자이자 KENZO의 아티스틱 디렉터로 활동하고 있는 NIGO가 크리에이티브 디렉터로 참여해 주목을 모았다. 스트리트 패션에서 출발해 럭셔리 브랜드와 글로벌 기업의 크리에이티브 영역까지 활동 범위를 넓혀온 그가 새롭게 선택한 무대는 일본의 대표적인 생활 인프라인 편의점이었다.

그 첫 번째 결과물인 ‘FAMIMA PARK AZABUDAI’가 2026년 7월 도쿄 아자부다이에 문을 열었다. 패밀리마트가 선보인 최초의 플래그십 스토어로, NIGO가 전체적인 브랜드 방향과 세계관을 이끌었으며 건축과 인테리어, 매장 디자인에는 가타야마 마사미치가 이끄는 원더월(Wonderwall)이 참여했다. 패밀리마트는 이번 프로젝트를 통해 단순히 고급스러운 편의점을 만드는 데 그치지 않았다. 일본 편의점이 50여 년간 축적해온 합리성과 기능성을 유지하면서도, NIGO의 문화적 감각과 원더월의 공간 설계를 더해 사람들이 ‘편리해서 들르는 곳’이 아닌 ‘일부러 가보고 싶은 곳’으로 만들고자 했다.

FAMIMA PARK AZABUDAI는 기존 편의점의 편리함을 부정하지 않는다. 주먹밥과 도시락, 음료, 생활용품 등 일상적으로 필요한 상품을 갖추고 24시간 운영되는 일반 점포의 기능도 그대로 유지했다. 대신 그 위에 발견과 체류, 브랜드 경험이라는 새로운 층위를 더했다. 편리해서 잠시 들르는 장소에 머무르고 둘러보는 시간을 더함으로써, 편의점의 역할을 한 단계 확장한 것이다. 가타야마 마사미치는 일본 편의점이 축적해온 합리성과 기능성을 존중하면서도, 그 너머에 있는 즐거움과 풍요로움을 구현하는 데 집중했다고 설명했다. 아자부다이 힐즈와 인접한 가미야초역 앞이라는 입지도 이러한 시도와 맞닿아 있다. 업무시설과 주거, 상업 공간이 밀집하고 해외 방문객의 비중도 높은 지역적 특성을 반영해 최대 5개 언어로 응대할 수 있는 운영 체계를 마련했으며, 외관 역시 기존 편의점의 직선적인 박스 형태에서 벗어났다. 곡선형 파사드에는 미장 마감재인 모르텍스를 적용하고, 넓은 유리면을 통해 내부 풍경이 자연스럽게 드러나도록 했다. 옥상에는 숲을 연상시키는 녹지를 조성했으며, 그 위에 NIGO와 함께 개발한 FAMIMA 공식 캐릭터의 대형 입체 사인을 배치했다. 지상에서는 건물 모서리의 상징물로, 주변 고층 건물에서는 옥상 정원 위에 떠 있는 그래픽 아이콘처럼 보이도록 설계해 보행자와 도시의 시선을 함께 고려했다.

매장 내부는 입구의 원형 집기를 중심으로 양쪽 진열대와 후면의 키오스크형 계산 공간까지 한눈에 들어오도록 시야를 열었다. 원형 집기에는 한정 상품과 시즌별 주요 제품을 팝업스토어처럼 전시해 방문자의 기대감을 높였으며, 일부 선반은 일반 점포보다 약 15cm 높게 제작하고 내부에 거울을 적용해 실제보다 깊고 넓은 인상을 만들었다. 전자레인지와 쓰레기통, 계산대, 의류 판매 공간 등은 매장의 네 모서리에 기능별로 나눠 배치해 중앙부의 동선과 시야를 정돈했다. 이처럼 서비스 설비를 흩어놓지 않고 영역별로 묶으면서 다양한 상품과 시설을 유지하되 시각적 혼잡은 줄였다. 패밀리마트는 이를 통해 VMD를 단순한 상품 진열이 아닌 매장 전체의 경험으로 확장했다. 입장부터 상품 발견과 선택, 결제에 이르는 흐름을 하나의 장면처럼 구성하고, 유리 파사드 앞에는 좌석을 마련해 상품을 구입한 뒤 잠시 머물 수 있도록 했다. 원더월은 이번 프로젝트를 위해 “FAMIMA에서만 할 수 있는 일을 더 많이”, “변화시킬 것과 지켜야 할 것”, “처음부터 끝까지 즐거운 편의점” 등 여덟 가지 디자인 스테이트먼트를 설정했다. 예상하지 못한 상품과 이미지, 공간적 장치를 곳곳에 배치해, 편의점을 “우연히 마주치면 조금 기분이 좋아지는 장소”로 만들고자 한 것이다.

편의점 안에 들어온 패션 부티크

매장 한쪽에는 패밀리마트의 자체 브랜드 ‘컨비니언스 웨어(Convenience Wear)’를 위한 숍인숍 공간이 마련됐다. 컨비니언스 웨어는 패션 디자이너 오치아이 히로미치와 공동 개발한 브랜드다. ‘좋은 소재, 좋은 기술, 좋은 디자인’을 콘셉트로 양말과 티셔츠, 속옷, 생활 잡화 등을 선보이며 ‘편의점에서 옷을 산다’는 새로운 소비 문화를 제안해왔다.

FAMIMA PARK AZABUDAI에서는 이 브랜드를 편의점 상품 코너가 아닌 하나의 패션 매장처럼 구성했다. 시즌별 전체 상품과 사이즈를 한자리에서 볼 수 있으며, 브랜드 최초로 피팅룸을 도입했다. 전신 스타일링을 제안하는 터치패널과 전담 직원도 배치해 소재와 착용감, 사이즈를 직접 확인할 수 있도록 했다. 대형 비주얼 패널과 플래그십 스토어 한정 상품을 함께 전개하면서 패션 브랜드의 세계관도 한층 선명하게 드러냈다. 편의점 진열대 일부에 의류를 배치하는 수준에서 벗어나, 브랜드를 독립적으로 경험할 수 있는 환경을 만든 것이다. 이는 편의점이 상품 카테고리를 확장하는 방식에도 새로운 가능성을 보여준다. 무엇을 판매하는가뿐 아니라, 그 제품을 어떤 맥락과 분위기 안에서 소개할 것인가를 중요하게 다룬 사례다.

건물 옆에는 외부에서 바로 이용할 수 있는 ‘FAMIMA STAND’가 자리한다. 매장 안으로 들어가지 않아도 커피와 차, 핫스낵을 구입할 수 있도록 별도의 판매 창구를 마련했다. 주변에는 공식 캐릭터를 형상화한 벤치를 배치해 작은 공원과 같은 분위기를 만들었다. 출퇴근길에 음료를 구입하거나 산책 도중 잠시 쉬어갈 수 있는 새로운 이용 장면을 제안한 것이다. 이 공간은 매장 이름에 포함된 ‘PARK’의 의미를 가장 직접적으로 보여준다. 편의점의 경계를 건물 내부로 한정하지 않고 거리와 연결하면서, 판매 공간의 일부를 도시의 휴식 장소로 확장했다.

편의점은 일반적으로 상품을 구입한 뒤 곧바로 떠나는 장소로 인식된다. 반면 FAMIMA PARK AZABUDAI는 체류를 허용하고, 상업 공간과 공공 영역의 중간에 가까운 환경을 만들었다.옥상 녹지와 외부 스탠드, 캐릭터 벤치가 연결되면서 건물 자체도 하나의 작은 도시 풍경으로 작동한다. ‘파크’라는 이름을 장식적인 콘셉트로만 사용하지 않고, 공간의 이용 방식으로 풀어낸 점이 인상적이다.

아자부다이의 라이프스타일을 담은 상품과 서비스

FAMIMA PARK AZABUDAI는 공간 디자인뿐 아니라 상품 구성에서도 지역의 특성을 적극 반영했다. ‘도시형 델리카’ 코너는 도심에서 생활하고 일하는 20~40대를 주요 이용자로 설정해 채소와 자연 치즈, 단백질과 식이섬유를 고려한 식재료를 사용했으며, 마라탕과 라이스 샐러드 등 현대적인 식생활을 반영한 메뉴를 선보였다. 커피는 2016년 월드 브루어스컵 우승자인 가스야 데쓰와 공동 개발해 취향에 따라 선택할 수 있는 다양한 블렌드와 싱글 오리진을 준비했고, FAMIMA STAND에서는 에스프레소 머신으로 추출한 차와 밀크티, 과일 티 등을 제공하며 기존 편의점과는 다른 카페 경험을 제안했다. 단순히 메뉴의 품질을 높이는 데 그치지 않고, 아자부다이에서 생활하고 일하는 사람들이 어떤 방식으로 식사하고 휴식하는지를 분석해 상품과 서비스를 함께 설계했다는 점이 특징이다. 점포 디자인과 상품 구성을 하나의 경험으로 연결한 것이다.

'편리한 곳'에서 '가보고 싶은 곳'으로

완성된 미래형 편의점을 제시하기보다, 앞으로의 편의점이 어떤 방향으로 변화할 수 있는지를 실험하는 플래그십 스토어 FAMIMA PARK AZABUDAI. 그동안 편의점은 표준화된 공간과 운영 시스템을 기반으로 성장해왔다. 어느 지역에서나 동일한 상품과 서비스를 제공하는 것이 가장 큰 경쟁력이었지만, 그만큼 매장마다 고유한 경험을 만들기에는 한계도 있었다. 패밀리마트는 이러한 틀 안에서 새로운 가능성을 탐색했다. 건축과 공간 디자인, VMD, 패션, IP, 식음료, 야외 공간을 하나의 브랜드 경험으로 통합하며, '일부러 찾아가고 싶은 편의점'이라는 새로운 목표를 제시한 것이다. 이는 단순히 매장을 고급화하거나 화려하게 꾸미는 데 의미가 있는 것이 아니다. 상품을 구매하기 위해 방문하는 공간을 넘어, 브랜드와 공간, 콘텐츠를 함께 경험하는 목적지형 리테일로 편의점의 역할을 확장하려는 시도에 가깝다. 이곳에서 선보인 공간 구성과 VMD, 상품, 캐릭터 IP 등은 향후 전국 패밀리마트 매장에도 단계적으로 적용될 예정이다. 결국 FAMIMA PARK AZABUDAI는 하나의 플래그십 스토어를 넘어 일본 최대 편의점 네트워크의 미래를 실험하는 테스트베드이자, 편의점이라는 일상적인 공간이 어디까지 문화적 경험을 담아낼 수 있는지를 보여주는 사례라 할 수 있다.

관련 사이트
https://www.family.co.jp/famima.html

순환을 '배달'하다

Wed, 22 Jul 2026 02:38:19 GMT

2026년 7월 22일, 일본 에히메현 마쓰야마시에 본사를 둔 주식회사 wead(대표이사 이가와 모모카, 2023년 8월 설립)가 이동식 자원순환 서비스 '모구쿠루'를 개시했다. 전시회, 이벤트, 축제 등의 현장에 차량으로 방문해 그곳에서 발생한 유기성 폐기물과 종이 자원을 그 자리에서 감용(減容)·자원화하는 서비스다.

지금까지 자원순환 설비는 공장이나 처리시설 등 고정된 장소에서 운용되는 것이 일반적이었다. 폐기물을 시설까지 옮겨 자원화하는 기존 구조에 대해, wead는 폐기물이 발생한 장소에서 곧바로 자원으로 바꾸는 모델을 제안한다. 설비를 필요한 장소로 옮겨 감용·자원화까지 수행함으로써 순환을 '배달한다'는 것이 회사의 설명이다.

@wead

'모구쿠루'의 가장 큰 특징은 혼다의 상용 전기차 N-VAN e:를 이동수단이면서 동시에 전원으로 활용한다는 점이다. 차량에서 장치로 직접 급전하는 방식이어서, 상용전원을 확보할 수 없는 장소에서도 감용·자원화 시스템을 가동할 수 있다. 차량에 이미 실려 있는 배터리를 어디에 쓸 것인지 다시 정한 접근으로, 새로 더한 기술 요소는 없다.

현장 자원화가 그동안 확산되기 어려웠던 조건 가운데 하나가 전원 확보였다. 이벤트 회장, 공원, 하천부지, 지역 광장처럼 전기를 끌어오기 어려운 장소에서도 작동하게 되면서, 회사는 이벤트뿐 아니라 자치단체, 방재, 관광, 농업 등으로 활용 영역을 넓히는 것을 목표로 하고 있다.

이동식 처리 자체는 이전부터 상정돼 있었다. greevy 소개 자료는 활용 장면의 하나로 이벤트 회장에서 나오는 사용 후 종이컵과 종이접시, 먹다 남긴 음식의 현지 자원화를 '모바일 처리'라는 이름으로 제시해왔다. '모구쿠루'는 여기에 전원 문제의 해법을 더해 하나의 서비스로 묶어냈다.

@wead

고속분해촉진제 'greevy'

실제 분해를 담당하는 것은 wead가 자체 개발한 고속분해촉진제 'greevy®'다. 커피 찌꺼기와 목분 등 자연 유래 폐기물을 독자적으로 배합한 발효 자재로, 폐기물에서 나온 자재로 폐기물을 처리하는 구조다. 지금까지 소각과 매립이 전제였던 난분해성 쓰레기를 빠르게 분해·감용해 자원으로 되돌리는 것을 목표로 한다.

회사가 공개한 실증 결과는 세 가지다. 식물성 잔사 시험에서는 greevy 400L에 잔사 8,000L를 투입해 부산물을 최종 500L까지 줄였고, 그 가운데 약 400L는 greevy에서 유래한 양이다. 생분해성 종이컵은 투입 24시간 만에 분해와 퇴비화가 끝나 타사 대비 분해 기간이 약 90분의 1로, 종이 스푼과 포크, 접시 등 종이 커트러리는 약 180분의 1로 단축됐다. 종이가 분해되는 데 약 3개월, 종이 빨대는 1년 이상이 걸려 업사이클되지 못한 채 소각되는 현실을 놓고 비교한 수치다. 식물 잔사와 왕겨는 통상의 80분의 1에서 540분의 1 수준까지 감용된 사례가 보고돼 있다.

악취 저감도 함께 제시된다. 커피 찌꺼기는 활성탄의 약 8배 소취력을 지닌 것으로 알려져 있고, 분해 시점과 분해가 끝난 뒤의 악취를 크게 낮춘다는 설명이다. 사람이 밀집한 장소에서 유기성 폐기물을 다루는 서비스인 만큼, 이 항목이 실현 가능성을 좌우한다.

같은 자재는 다른 분야에도 적용되고 있다. 분해와 퇴비화에 3~5년이 걸리던 왕겨를 48시간 이내에 분해해 퇴비화하고, 이를 '코메토코히(쌀과 커피)'라는 토양개량재로 상품화했다. 축산 부문에서는 깔짚(敷料) '기비코'와 함께 사용해 퇴비화가 어려운 사용 후 깔짚을 빠르게 처리한다. 사용 후 종이 기저귀를 분해·감용해 재생 펄프와 연료·퇴비 원료로 되돌리는 연구는 '레이와 7년도 에히메현 제로카본 비즈니스모델 창출사업'에 채택됐다.

@wead

'모구쿠루'라는 명칭에는 두 가지 의미가 담겨 있다. 하나는 greevy에 포함된 미생물이 쓰레기를 '모구모구(우물우물)' 분해해 자원으로 되살린다는 것이고, 다른 하나는 '쿠루마(車, 자동차)'로 순환을 실어 나르며 자원이 '쿠루쿠루(빙글빙글)' 도는 사회를 만들겠다는 것이다. 분해 원리와 서비스 형태, 지향하는 가치가 짧은 의성어 하나에 함께 들어가 있다.

회사가 내건 미션은 "捨てる。を捨てる(버린다, 를 버린다)"다. 버리는 양을 줄이는 데서 한 걸음 더 나아가 '버린다'는 개념 자체를 폐기 대상으로 지목한 문장이다. 축산 자재와 농업 자재, 이번 이동식 서비스가 모두 여기에서 출발한다.

@wead

'모구쿠루'의 첫 실증은 7월 23일부터 26일까지 열리는 FUJI ROCK FESTIVAL '26에서 이뤄진다. 회장 내 에코스테이션에서 분별된 종이 용기와 먹다 남긴 음식, 마시다 남긴 음료 등을 대상으로 greevy를 활용한 감용·자원화를 실시한다. greevy 자체는 스포츠 이벤트에서 사용된 종이컵을 회수해 분해·퇴비화하는 등 이전에도 현장 실증이 진행돼 왔으며, 이번에는 그 설비를 차량에 실어 전원 없는 환경에서 운용하는 방식이 검증 대상이 된다.

후지록은 오랜 기간 관객과 스태프, 자원봉사자가 함께 분리배출에 참여해온 일본의 대표적인 환경배려형 페스티벌로 알려져 있다. wead는 자사의 역할을 그 분별의 다음 단계를 맡는 것으로 규정하고, 자원으로 활용할 수 있는 것을 현장에서 새로운 자원으로 연결하는 실증에 나선다. 이미 분리배출 문화가 자리 잡은 장소를 택함으로써 검증 대상을 자사 기술로 좁힌 구성이다.

회사는 이번 실증을 통해 '이벤트에서 발생한 쓰레기는 그 자리에서 자원으로 만든다'는 순환 모델의 유효성을 검증하고, 이후 전국의 이벤트와 자치단체, 관광지, 농업 현장, 방재 현장으로 서비스를 확대할 계획이다.

'모구쿠루'는 서비스로서 이제 첫 실증에 들어선 단계다. 차량 한 대가 감당할 수 있는 처리 용량, 현장에서 나온 산물의 품질과 활용처, 위생 및 폐기물 규제와의 정합, 기존 수거·운반 체계와 비교한 처리 단가 등은 앞으로의 데이터가 답해야 할 부분이다.

다만 처리 설비의 위치를 조정 가능한 변수로 다뤘다는 점에서, 이 사례는 순환경제 영역에서 설계가 개입할 수 있는 지점을 하나 더 보여준다. 소재와 분해 용이성에 집중해온 논의 곁에, 처리가 이뤄지는 장소를 어디에 둘 것인가라는 질문이 하나 더해진다.

https://www.wead-inc.com/

https://prtimes.jp/main/html/rd/p/000000003.000181726.html

몰입형 리테일 경험디자인, Gustaf Westman × The Corner Shop, Selfridges

Sun, 19 Jul 2026 07:41:40 GMT

Selfridges의 The Corner Shop은 런던 플래그십 스토어 1층에 위치한 상설 팝업 플랫폼으로 시즌마다 하나의 브랜드 또는 크리에이터가 공간 전체를 새롭게 해석하는 실험적인 리테일 프로젝트이다. 일반적인 팝업스토어가 신제품을 소개하거나 판매를 촉진하는 데 초점을 맞춘다면 The Corner Shop은 브랜드의 철학과 정체성을 공간 경험으로 구현하는 데 목적을 둔다. 매 프로젝트마다 외관, 인테리어, 디스플레이, 동선, 그래픽 요소까지 모두 새롭게 디자인되며 방문객은 쇼핑을 하기 위해 매장을 찾기보다 하나의 문화 콘텐츠를 경험하기 위해 공간을 방문하게 된다. 이러한 운영 방식은 Selfridges가 추구하는 경험 중심 리테일 전략을 보여주는 대표적인 사례이며 브랜드와 소비자가 감각적으로 소통할 수 있는 플랫폼으로 기능한다.

@Gustaf Westman@selfridges

이러한 플랫폼을 기반으로 진행된 Gustaf Westman × The Corner Shop 프로젝트는 스웨덴 디자이너 Gustaf Westman의 디자인 세계관을 오프라인 공간으로 확장했다. Gustaf Westman은 물결 형태의 유기적인 곡선, 선명한 원색, 그리고 일상적인 가구와 오브제를 조형 작품처럼 재해석하는 디자인으로 잘 알려져 있다. 그의 작품은 기능적인 제품을 만드는 것을 넘어 일상 속에서 즐거움과 유쾌함을 경험할 수 있도록 하는 데 초점을 둔다. Selfridges는 이러한 브랜드 철학을 The Corner Shop 전체에 Gustaf Westman의 집을 방문한 듯한 하나의 생활 공간으로 재구성하였다. 이를 통해 소비자는 제품을 구매하기 이전에 브랜드가 제안하는 라이프스타일과 감성을 공간 속에서 자연스럽게 경험하게 된다.

이번 프로젝트의 핵심은 리테일 공간을 하나의 집으로 재해석했다는 점이다. Gustaf Westman의 공간에서는 거실과 다이닝룸을 연상시키는 레이아웃을 통해 제품이 실제 생활 속에서 사용되는 장면을 연출하였다. 거울은 벽에 자연스럽게 걸려 있고 의자와 테이블은 하나의 생활 공간처럼 배치되며 화병과 오브제는 집 안의 소품처럼 구성되어 있다. 따라서 방문객은 제품을 하나씩 살펴보기보다 공간 전체를 둘러보며 브랜드가 제안하는 라이프스타일을 먼저 경험하게 된다. 이는 상품 중심의 판매 방식에서 벗어나 브랜드의 세계관을 경험하는 리테일을 제시한 사례라고 볼 수 있다. 공간 디자인 역시 Gustaf Westman의 디자인 언어를 그대로 반영하고 있다. 프로젝트 전반에는 직선보다 부드러운 곡선이 반복적으로 사용되었으며 물결 형태의 프레임과 둥근 모서리, 유기적인 구조물이 공간 전체를 구성한다. 이러한 형태는 제품과 공간의 경계를 흐리게 만들며 매장 자체를 하나의 거대한 조형 작품처럼 인식하게 한다. 특히 디스플레이 구조물과 가구는 별개의 요소가 아니라 하나의 통합된 설치미술처럼 연출되어 방문객이 공간을 이동하는 과정 자체를 하나의 전시 관람 경험으로 느끼도록 설계되었다. 컬러 전략 또한 브랜드 아이덴티티를 형성하는 중요한 요소로 활용되었다. Gustaf Westman을 대표하는 핑크, 블루, 그린, 오렌지 등의 선명한 색채는 공간 전반에 적용되어 밝고 유쾌한 분위기를 조성한다. 이러한 색상은 단순한 장식이 아니라 브랜드의 개성을 직관적으로 전달하는 시각적 언어이며 강렬한 대비와 독특한 형태가 결합되면서 방문객들의 시선을 자연스럽게 끌어들인다. 동시에 사진 촬영을 유도하는 환경을 만들어 SNS를 통한 자발적인 콘텐츠 생산과 확산 효과를 이끌어내며 공간 자체가 브랜드를 홍보하는 미디어의 역할을 수행하도록 한다. VM 방식 역시 기존 리테일과 차별화된다. 일반적인 매장이 상품을 종류별로 정리하거나 기능 중심으로 배열하는 반면 이번 프로젝트에서는 제품을 실제 생활 공간 안에서 함께 사용하는 장면으로 연출하였다. 각각의 제품은 하나의 공간을 완성하는 요소로 기능하며 소비자는 제품의 디자인뿐 아니라 그것이 만들어내는 분위기와 라이프스타일을 함께 경험하게 된다. 이러한 연출은 제품을 구매하는 행위보다 브랜드가 제안하는 삶의 방식을 이해하도록 유도하며 감성적인 브랜드 경험을 강화하는 역할을 한다.

@Gustaf Westman@selfridges

결과적으로 Gustaf Westman × The Corner Shop은 브랜드 세계관을 공간으로 구현한 몰입형 리테일 프로젝트라고 할 수 있다. Selfridges가 제공하는 유연한 팝업 플랫폼과 Gustaf Westman의 조형적인 디자인 언어가 결합하면서 매장은 상품을 판매하는 공간을 넘어 하나의 전시이자 라이프스타일을 제안하는 공간으로 기능하였다. 이 사례는 또한번 현대 리테일 공간을 브랜드의 철학과 감성을 경험하는 문화 플랫폼으로 점점 더 확장하고 있음을 보여준다. 또한 공간 디자인, 브랜드 아이덴티티, 고객 경험이 유기적으로 연결될 때 오프라인 리테일은 온라인이 대체할 수 없는 차별화된 가치를 제공할 수 있음을 시사한다고 전한다.

https://www.selfridges.com/GB/en/inspiration/corner-shop/

https://www.instagram.com/gustafwestman/

Wimbledon Week 2026: 런던이 하나의 브랜드가 되는 순간

Sat, 11 Jul 2026 08:36:44 GMT

매년 7월 런던은 하나의 거대한 브랜드 경험 공간으로 변한다. 런던이란 도시는 윔블던이라는 문화와 라이프스타일을 도시 전체로 확장한다. 경기장 안에서 시작된 브랜드 아이덴티티는 리테일, 호텔, 레스토랑, 패션 그리고 럭셔리 브랜드를 거쳐 런던의 여름을 대표하는 하나의 디자인 언어가 된다. 윔블던을 떠올리면 가장 먼저 생각나는 것은 짙은 그린 컬러와 올 화이트 드레스 코드다. 여기에 클래식한 타이포그래피와 정갈한 사인 시스템 잘 관리된 잔디 코트 그리고 전통적인 스트로베리 앤 크림 문화가 더해지며 다른 어떤 스포츠 이벤트와도 다른 분위기를 완성한다. 각각의 요소는 화려하지 않지만 수십 년 동안 일관되게 유지되어 온 디자인 시스템이라는 점에서 강력한 브랜드 자산이 된다.

covent garden Wimbledon screen @wimbledon

Islington Square @@wimbledon

@wimbledon

스트로베리 앤 크림@wimbledon

흥미로운 점은 이러한 경험이 경기장 밖에서도 계속된다는 것이다. 가장 대표적인 브랜드는 Rolex다. 오랜 기간 윔블던의 공식 타임키퍼로 함께해 온 Rolex는 경기장 곳곳의 시계와 사이니지 그리고 브랜드 컬러를 통해 존재감을 드러낸다. 특유의 딥 그린과 골드 컬러는 윔블던의 헤리티지와 자연스럽게 어우러지며 스폰서십을 넘어 하나의 공간 경험을 만든다. 최근에는 크리에이터들이 제작한 'Rolex meets Wimbledon' CGI 콘셉트가 큰 주목을 받을 정도로 두 브랜드의 연결성은 하나의 문화 코드가 되었다.

패션에서는 Ralph Lauren이 중요한 역할을 한다. 2006년부터 공식 의류 파트너로 활동하며 심판과 볼 키즈 그리고 운영 스태프의 유니폼을 디자인해 왔다. 네이비 블레이저와 스트라이프 타이 그리고 깔끔한 셔츠는 기능적인 유니폼을 넘어 윔블던만의 클래식한 세계관을 완성하는 요소로 자리 잡았다. 럭셔리 리테일도 시즌 무드를 적극적으로 활용한다. Harrods와 Selfridges는 여름 시즌이 되면 그린과 화이트 컬러를 중심으로 한 윈도 디스플레이와 테니스 테마의 상품 큐레이션을 선보인다. 스포츠웨어뿐 아니라 홈웨어 테이블웨어 피크닉 아이템까지 윔블던 무드를 반영하며 단순한 판매를 넘어 시즌 라이프스타일을 제안한다. 식음료 브랜드 역시 예외는 아니다. Fortnum & Mason은 여름 시즌 한정 햄퍼와 애프터눈 티를 통해 영국식 피크닉 문화를 재해석한다. The Ritz London과 Claridge's 그리고 The Dorchester는 윔블던 시즌에 맞춘 애프터눈 티와 디저트 메뉴를 선보이며 테니스의 전통을 미식 경험으로 확장한다. 경기장의 상징인 스트로베리 앤 크림은 다양한 브랜드를 통해 런던 전역의 여름을 대표하는 디자인 모티프로 재탄생한다. 도시 공간에서도 윔블던의 영향력은 이어진다. 호텔 로비의 플라워 디스플레이에는 잔디를 연상시키는 그린 컬러가 더해지고 카페와 레스토랑은 테니스를 모티프로 한 시즌 메뉴와 그래픽을 선보인다. 윔블던은 특정 장소에서 끝나는 이벤트가 아니라 도시 전체가 함께 참여하는 계절의 경험으로 확장되는 것이다.

Rolex meets Wimbledon @Rolex

@LalphLauren

@Fortnum & Mason

이처럼 윔블던은 브랜드들이 자신의 존재감을 과시하는 무대가 아니다. 오히려 각 브랜드는 윔블던이 가진 전통과 품격을 해치지 않는 범위 안에서 자신의 역할을 수행한다. 브랜드가 주인공이 되기보다 하나의 세계관을 함께 완성하는 방식이다. 화려한 연출보다 일관된 컬러와 공간 그리고 서비스와 오랜 시간 유지해 온 헤리티지가 더 큰 가치를 만든다는 점에서다.

디자인 메거진 Wallpaper는 윔블던을 하나의 Visual Language로 설명하기도 했다. 그린과 화이트라는 컬러 올 화이트 드레스 코드 절제된 그래픽 클래식한 공간 그리고 정돈된 서비스가 하나의 언어처럼 연결되며 누구나 윔블던답다고 느끼는 경험을 만들어낸다는 것이다. 오늘날 많은 브랜드는 새로운 캠페인과 강렬한 비주얼을 통해 차별화를 시도한다. 그러나 윔블던은 반대의 전략을 선택한다. 수십 년 동안 유지해 온 디자인 원칙을 일관되게 이어가며 시간이 곧 브랜드의 경쟁력이 되도록 만든다. 7월 런던에서 가장 인상적인 디자인은 새로운 설치물이 아니었다. 도시 전체가 하나의 컬러와 무드 그리고 브랜드 경험을 공유하며 완성한 'Wimbledon Week' 자체였다. 윔블던은 스포츠 이벤트를 넘어 브랜드와 도시 그리고 문화가 함께 만드는 가장 완성도 높은 시즌 디자인 프로젝트라고 할 수 있다.

https://www.wimbledon.com/

https://www.rolex.com/rolex-and-sports/tennis/wimbledon

https://www.wallpaper.com/art/photography/the-visual-language-of-wimbledon

https://shop.wimbledon.com/wimbledon-x-polo-ralph-lauren?gclsrc=aw.ds&gad_source=1&gad_campaignid=23924794721&gbraid=0AAAAApzgX7NFfX4VgqRBSRPZmyuuaBqc_&gclid=CjwKCAjw08fSBhA7EiwAfbQTsBhG31tcfRMT30y82gp9A0lbWHSDPDOqR-ZKmumOPnd9wiAnMCbLmxoCkEIQAvD_BwE

조산아-저체중 신생아를 지키는 온기, Otter 전도성 워머

Sat, 04 Jul 2026 14:40:41 GMT

저소득 국가에서 매년 수백만 명의 신생아가 저체온증으로 사망한다. 특히 조산아와 저체중 신생아는 체표면적 대비 체중이 작고 지방층이 부족해 체온을 스스로 유지하기 어렵다. 문제는 이를 해결할 수 있는 의료기기가 필요한데, 인큐베이터나 방사성 워머가 시골의 작은 지역 병원에서는 사실상 접근이 불가능하다. 고가의 장비는 도입 자체가 어렵고, 전력 공급이 불안정한 환경에서는 작동도 보장되지 않는다. 중진국 이상 잘사는 나라의 안전한 인프라를 바탕으로 제작된 의료기기가 사용되지 못하는 것이다. 복잡한 작동법과 유지보수 부담까지 더해지면, 기증이나 구매로 들어온 장비조차 창고에서 나오지 못한다. 즉, 최신형 의료기기가 기부되어 필요한 나라에 도착하더라도, 현지 사정에 맞지 않는 기기들이라 사용이 불가능한 안타까운 현실을 마주하고 있다.

©Design that Matters(DtM)

미국의 비영리 디자인 조직 Design that Matters(DtM)는 바로 이 현실에서 출발했다. 이들이 개발한 신생아 전도성 워머는 인프라가 제대로 갖추어지지 않은 환경의 병원과 훈련이 충분하지 않은 의료진을 전제로 설계됐다. 핵심 철학은 단순하다. "올바르게 사용하기 쉽고, 잘못 사용하기 어려운 디자인이 간단하며, 기능적인” 장치를 만드는 것이다. 복잡한 설정 없이도, 전력이 불안정해도, 전문 교육 없이도 작동하는 워머로서 누구든지 신생아들을 살릴 수 있다.

©Design that Matters(DtM)

Design that Matters(DtM)는 2001년 MIT 미디어랩 대학원생들이 설립한 미국의 비영리 의료기기 디자인 단체로, 2003년 독립 501(c)(3) 비영리법인으로 정식 출범했다. 저전력 환경, 인력 부족, 유지보수 접근 불가 등 상업적 제조사들이 외면하는 저자원 병원 환경에 특화된 의료기기를 개발하며, 베트남의 제조 파트너 MTTS와 협력해 필요한 현장에 제품을 공급하고 있다. 2026년 1월 기준, DtM이 설계에 참여한 제품들은 전 세계 84개국에서 310만 명 이상의 환자를 치료했다.

©Design that Matters(DtM)

Otter는 신생아를 워밍 베시넷에 눕히면 36°C의 전도성 열이 올라오는 표면적이 체온을 직접 전달하는 방식으로 작동한다. 이는 어머니의 피부 온도를 고려한 수치다. 별도의 피부 온도 체크 없이도 안전하고 효과적인 보온이 가능하게 만들어졌다.

전력 공급의 변동에도 안정적으로 대응할 수 있도록, Otter의 전원 공급 장치는 100~240V, 43~67Hz의 넓은 범위에서 작동하도록 규격화됐다. 외장 기능에서는 먼지 유입을 차단하는 밀폐 구조이며, 가동 부품이 없어 내구성이 높다. 베시넷 본체는 Firefly 광선치료기에서 내구성이 입증된 고강도 폴리카보네이트 소재를 사용해 지진, 화재, 자연 재해 등에서도 최대한 보존될 수 있도록 제작되었다.

©Design that Matters(DtM)

또한, 기존 의료기기의 복잡한 형태가 아닌 직관적인 터치스크린 인터페이스와 감염 관리에 최적화된 이음새 없는 폴리카보네이트 구조, 그리고 정전 시에도 지속적인 보온을 가능하게 하는 내장 배터리를 탑재해 어려운 환경 속 힘이없는 작은 신생아들이 살아남을 수 있도록 디자인되었다.

Otter는 광선치료를 받는 신생아가 저체온증에 취약하다는 점에 착안해, DtM의 Firefly 광선치료기는 물론 GE 자장가, D-Rev의 브릴리언스 같은 기존 방사식 광선치료 장비와도 함께 사용할 수 있도록 설계됐다. 두 가지 치료를 동시에 필요로 하는 신생아에게 실질적인 임상 유연성을 제공해 복합적 건강 문제를 가지고 있는 신생아들이 건강하게 자랄 수 있도록 최선을 다할 수 있도록 제작되었다.

©Design that Matters(DtM)

Otter는 2026년 코어77 디자인 어워드(Core77 Design Awards)에서 오토데스크 퓨전 프라이즈(Autodesk Fusion Prize)를 수상했다. 나아가 같은 해 사회적 영향력을 위한 디자인(Design for Social Impact) 부문 전문가(Professional) 수상자로도 선정되었다. 심사위원장 몬타나 처니(Montana Cherney)는 "이 작품은 포용적 디자인이 실제로 작동하는 방식을 잘 보여준다"고 높이 평가했다.

©Design that Matters(DtM)

DtM은 북미와 유럽 정부가 수립한 이른바 '국제' 의료기기 기준이 대부분의 저자원 병원 현실과 맞지 않는다고 주장하고 있다. 인큐베이터와 방사성 워머가 개발도상국으로 계속 수출되는 흐름을 바꾸려면, 더 효과적인 기준의 예시를 직접 제시해야 한다는 것이다. 전기, 물, 각종 인프라가 어렵지 않게 공급되는 북미, 유럽 시장과 달리 정전과 단수가 일상인 개발도상국과 중진국들 내에선 높은 기준치를 통과한 의료기기들은 허울 좋은 제품일 뿐이다. 그 속에서 일상을 살아 나가야 하고, 살아남아야 하는 작은 생명체들에겐 당장 사용할 수 있고 지속 가능한 제품이 절실하다. 그렇기 때문에, Otter의 전도성 워머는 이렇게 경제적인 이익보다, 사회적으로 필요한 의료 기기를 디자인과 설계로 해결하려 한다. 디자인이 단순히 형태와 기능의 문제가 아니라, 사람이 실제로 사용할 수 있는 조건에서 출발해야 한다는 것을 보여주는 사례다.

실험실의 플라스틱을 종이로, 실험용 소모품도 지속가능 ‘변화’

Wed, 01 Jul 2026 17:13:08 GMT

과학 연구 현장은 플라스틱 없이 운영이 불가능에 가깝다. 피펫 팁, 시험관 꽂이, 냉동 보관함, 원심분리 튜브까지 실험실 곳곳에는 일회용 플라스틱 소모품이 넘쳐난다. 멸균성, 내화학성, 비용 효율성이라는 세 가지 조건을 동시에 충족하는 소재가 플라스틱 외에는 마땅치 않았기 때문이다. 하지만 그 대가는 막대하다. 생물학·의학·농업 연구 분야에서만 매년 약 550만 톤의 플라스틱 폐기물이 발생한다. 이는 전 세계 플라스틱 오염의 상당 부분을 차지하며, 미세 플라스틱 위기의 주요 원인 중 하나다.

©PulpFixin

게다가 과학 발전 및 기술 연구를 위해 줄일 수 있는 부분도 아니다. 그렇기 때문에, 펄프픽싱(PulpFixin) 바로 이 문제를 정면으로 돌파했다. 캘리포니아 산호세에 기반한 지속가능 패키징 스튜디오 젠팩(Zenpack)과 오하이오주 칼리슬(Carlisle)의 실험기기 제조사 실루션 랩웨어(Scilutions Labware)가 약 2년에 걸쳐 공동 개발한 종이 기반 실험용 소모품 라인으로, 2026 iF 디자인 어워드 메디컬/헬스케어 부문을 수상했다. 실루션 랩웨어는 지난 2022년부터 실험실 폐기물을 줄이기 위한 플라스틱 대안 소재를 탐색하고 있었다. 바이오플라스틱도 검토했지만 비용이 높고 공급망이 불안정했다. 결국 도달한 결론은 처음부터 지속가능한 소재를 선택하여, 폐기 단계 문제를 없애는 것이었고, 간단한 결론은 일상에서도 자주 사용되는 종이였다. 광범위한 가용성, 무독성, 자연 생분해성이라는 조건을 동시에 충족하며 공급망도 안정적이다.

©PulpFixin

시험관 랙은 단순해 보이지만 까다로운 조건을 요구하는 소모품이다. 혈액, 타액 등 생체 시료가 담긴 시험관을 자동화 액체 처리 시스템, 봉합, 개봉 기계, 2D 바코드 스캐너, 냉동 보관 환경 등 극도로 다양한 조건에서 부서짐이나 오염없이 튼튼해야 한다. 치수 정밀도, 내화학성, 내한성 모두 업계 표준을 충족해야 하는것도 필수다. 젠팩은 종이 소재의 조합을 실험하고, 샘플을 제작해 실루션 랩웨어 측에 전달하면 자체 실험 장비에서 테스트한 뒤 피드백을 보내는 방식의 연구를 수개월간 반복했다. 그 결과 완성된 첫 번째 제품이 24구 오토랙(AutoRack)이다. 이후 48구, 96구로 제품 라인을 늘렸으며, 개봉-봉합 어댑터, 피펫 팁 트레이, 냉동 보관함까지 종이로 만들어 출시했다.

©PulpFixin

냉동 보관에 대한 우려는 설계 초기부터 핵심 과제였다. 낮은 온도에서도 종이라는 소재가 변화 없이 사용될 수 있도록 측벽을 이중으로 보강했으며, 실제로 펄프 픽싱 제품들은 영하 80°C, 액체 질소, 드라이아이스 환경에서 반복 동결·해동 테스트를 통과했다. 멸균은 E-빔 또는 감마선 조사 방식을 견뎌낼 수 있으며, 독성 문제가 있는 에틸렌 옥사이드 방식은 사용하지 않도록 설계되었다. 기존 식품류의 보관, 냉동 용기 역시 종이로 제작 되는 방식이 흔한 만큼 어렵지않게 문제를 해결해냈다. 모든 제품은 ANSI SLAS 1-2004 규격을 충족하며, 자동화 액체 처리 시스템, 봉합-개봉, 2D 바코드 스캐너와 완전히 호환되도록 제작되어 기존 플라스틱 제품과 어렵지않게 호환 사용 가능하다. 제조 공정에는 정밀 다이커팅과 레이저 커팅이 둘 다 사용되는데, 레이저 커팅은 복잡한 기하학적 형태를 깔끔하게 처리하는 데 적합하며, 다이커팅은 표준화된 부품의 고속 양산에 최적화된다. 두 방식 모두 소재 낭비를 최소화하는 방향으로 사용되는 만큼 환경 오염을 최소화 하는데 중점을 두고 있다.

©PulpFixin

나아가 각 제품의 양면에는 바코드가 사전 인쇄되어 있어 임상 현장에서의 시료 추적 작업을 지원한다. 실제 테스팅, 제약, 임상 분야의 선도 기관들이 펄프픽싱(PulpFixin)을 도입해 사용 중이며, 플라스틱 소모품과 동일한 업무 진행에서 불편함 없이 대체되고 있다. 사람들은 종이가 수분에 약하고, 내화학성이 부족하며, 구조적 정밀도를 유지하기 어렵다는 이유로 실험실 제품으로 사용될 수 없다고 생각해왔다. 하지만 펄프픽싱은 다양한 종이 소재의 조합과 구조 설계를 통해 이 편견을 실험 데이터로 반박했다. 플라스틱은 기술적으로 재활용이 가능하지만, 실제로 재활용되는 비율은 전체의 10% 수준에 불과하다. 실험실에서 나오는 플라스틱 소모품은 생체 시료 오염 때문에 '규제 의료 폐기물'로 분류되어 대부분 소각 처리되어 유해한 마이크로 플라스틱 및 탄소 배출을 한다.

©PulpFixin

펄프 픽싱은 사용 후 종이 소모품을 매립지나 재활용 센터에서 생분해가 가능하여 소각이나 화학 처리를 최소화 하여 자연으로 돌려보낼 수 있다. 현재 전체 펄프픽싱 제품들은 토마스 사이언티픽(Thomas Scientific)을 통해 구매할 수 있으며, 실루션 랩웨어는 추가 종이 기반 제품 라인업 확장을 계획하고 있다. 세계 유구의 연구기관들 역시 손잡고, 매일매일 많은 양이 사용되는 일회용 플라스틱 실험 도구를 대체하기 위해 노력하고 있다.

잘 작동하는 것에는 보여줄 아름다움이 있다— 일본 문구 브랜드 코쿠요 'TRANSPARENT MECHANISM'

Tue, 30 Jun 2026 13:21:38 GMT

우리는 도구를 대개 결과로 판단한다. 종이가 깔끔하게 묶였는지, 풀이 고르게 발렸는지는 따져도, 그것이 어떤 작동 원리로 이뤄지는지는 굳이 묻지 않는다. 궁금해하지도 않고. 오히려 잘 만든 제품일수록 작동하는 부분을 매끈한 외피 뒤로 감추고, 사용자에게는 깔끔하게 다듬어진 결과만 쥐어 준다. 그렇게 기구를 숨기는 것이,오랫동안 산업 디자인의 기본 문법이 그랬다.

일본 대표 문구,오피스 가구 기업 코쿠요(KYKUYO)가 최근 선보인 신시리즈 'TRANSPARENT MECHANISM(트랜스페어런트 메커니즘)'은 그 문법을 뒤집는다. 감추는 대신 드러내고, 결과 대신 과정을 보여준다. 대상이 된 것은 바늘 없이 종이를 묶는 스테이플러 '하리낙스', 가위와 개봉용 커터를 한 자루에 통합한 휴대 가위 '하코아케', 테이프 풀 '닷라이너' — 세 가지 모두 오래도록 사랑받아 온 스테디셀러다. 시리즈는 이 익숙한 도구들의 몸체를 투명 수지로 바꿔, 그동안 보이지 않던 내부 기구를 그대로 노출한다.

발상의 출발점은 분명하다. 문구의 고기능화가 빠르게 진행되는 가운데, 코쿠요는 제품에 담긴 기구와 기술 그 자체에 볼 만한 가치를 지닌다고 판단했다. 그래서 기능을 가리는 외피를 걷어내고, 작동 원리를 관찰 대상으로 끌어올렸다. 즉 기능을 디자인의 언어로 번역한 것이다.

이런 접근이 완전히 새로운 것은 아니다. 기계식 시계에는 무브먼트를 일부러 드러내는 '스켈레톤'의 오랜 전통이 있고, 1990년대 전후의 투명 가전과 게임기, 손목시계는 한 시대의 미감을 만들었다. 다만 그것들이 대개 '속이 비쳐 보이는 신선함'에 머물렀다면, TRANSPARENT MECHANISM은 한 걸음 더 들어간다. 안이 비쳐 보이는 것 자체가 목적이 아니라, 어느 부품이 어떤 순서로 맞물려 하나의 동작을 완성하는지—그 과정을 눈으로 따라 읽게 하는 데 초점이 있다. 투명함이 질감이나 스타일이 아니라, 작동을 설명하는 정보로 쓰인 셈이다.

그 차이는 마감의 디테일에서 드러난다. 몸체에는 단순한 투명 플라스틱이 아니라 옅게 색을 더한 수지를 쓰고, 유리에 가까운 질감으로 다듬어 내부 구조를 또렷이 부각하면서도 정제된 인상을 남긴다. 가동부에는 포인트 컬러를 입혀, 어느 부위가 실제로 '일하는' 곳인지 직관적으로 파악할 수 있게 했다. 색상은 화이트, 블랙, 레드, 그린의 네 가지로 전개된다. 기능을 노출하되 정보로서 정리해 보여준다.

제품별로 보이는 풍경도 제각기 다르다. '하리낙스'에서는 종이를 묶는 순간 내부 기구가 어떻게 연동되는지가 시각적으로 드러나고, '하코아케'에서는 슬라이드 조작에 따라 모드가 전환되는 움직임을 눈으로 따라갈 수 있다. '닷라이너'는 풀을 당길 때 기어가 회전하는 모습을 소리와 함께 관찰할 수 있어, 늘 숨어 있던 메커니즘이 그 자체로 볼거리가 된다. 익숙하게 쓰던 도구가 한순간 '들여다보는 대상'으로 바뀌는 경험이다.

흥미로운 지점은, 이 투명화가 기능상 꼭 필요한 일은 아니라는 사실이다. 속이 보인다고 종이가 더 잘 묶이거나 가위가 더 잘 들지는 않는다. 그럼에도 굳이 내부를 드러낸 선택에는, 잘 만든 것을 감추기보다 정직하게 펼쳐 보이겠다는 태도가 깔려 있다. 많은 제품과 서비스가 과정을 매끈한 표면 아래로 숨기는 시대에, 손의 안쪽을 그대로 보여주는 이 시도는 그래서 더 또렷하게 읽힌다.

결국 TRANSPARENT MECHANISM이 제안하는 것은 새로운 기능이 아니라 새로운 시선이다. 일상의 도구를 한 번 더 들여다보게 하고, 그 안에서 작동하는 구조에 눈길을 머물게 한다. 기능을 숨기지 않고 디자인으로 옮겨낸 이 시리즈는, 담백하지만 분명한 메시지를 남긴다. ‘잘 작동하는 것은, 굳이 감출 이유가 없다.

https://www.axismag.jp/posts/2026/06/712707.html

피스카르스 아트&디자인 비엔날레 2026_물의 감각

Tue, 30 Jun 2026 07:30:43 GMT

핀란드 남부의 작은 철공 마을 피스카르스(Fiskars)는 올해 여름 디자인와 공예, 현대미술이 만나는 마을로 방문객을 맞이한다. 1649년 설립된 제철소에서 출발한 이곳은 현재 100여 명이 넘는 예술가와 디자이너가 활동하는 창작 공동체이며, 오래된 공장과 창고는 전시장과 공방이 공존한다.

올해 열린 피스카르스 아트&디자인 비엔날레 2026의 주제는 '물(Water)'이다. 전시는 메인 전시 〈물의 감각(Sense of Water)〉과 물방울〈DEW〉, 그리고 알토대학교 학생들이 참여한 〈Material Flow〉를 중심으로 구성된다. 그중 가장 인상적 이었던 전시는 옛 곡물 창고(Viljamakasiini) 1층에서 열린 〈물의 감각〉이었다.

큐레이터 리카 라트바-솜피(Riikka Latva-Somppi)는 이 전시를 통해 "우리는 물을 어떻게 감각하는가"라는 질문을 던진다. 그는 인간과 물의 관계는 과학적 지식만으로 형성되는 것이 아니라 지식, 감정, 그리고 행동이 함께 작동할 때 비로소 만들어진다고 말한다. 이러한 관점 아래 디자인, 현대미술, 과학 연구, 개인의 경험을 하나의 공간 안에 배치하며, 관람객이 물과 자신의 관계를 다시 생각하도록 이끈다.

전시를 둘러보며 흥미로웠던 점은 '물'을 직접 표현한 작품이 거의 없다는 사실이다. 대신 흙과 유리, 해조류, 플라스틱, 목재처럼 서로 다른 재료를 통해 물과 연결된 감각과 기억을 이야기한다. 물은 하나의 소재가 아니라, 인간과 자연을 이어주는 매개로 존재한다.

마리 이소파흘라(Mari Isopahkala)의 〈SYNKRO〉였다. 서로 다른 형태와 색을 가진 유리 볼에 같은 높이까지 물을 채운 작품은 시간이 흐르면서 조금씩 변하기 시작한다. 입구가 넓은 용기는 더 빨리, 좁은 용기는 더 천천히 물이 증발하면서 처음의 수평선은 서서히 무너진다. 작가는 "우리 모두의 몸에는 같은 물이 순환하는데 왜 어떤 사람은 다른 사람보다 더 가치 있게 여겨지는가?"라는 질문을 던진다. 아주 단순한 자연 현상을 통해 평등과 다양성을 이야기하는 방식이 인상적이었다. 시간이 작품의 일부가 된다는 점 역시 이 설치 작업의 중요한 특징이다.

바다를 새로운 재료로 바라보는 시도도 눈에 띄었다. 율리아 로만(Julia Lohmann)과 안나 반 데르 레이(Anna van der Lei)는 영상 설치 〈Echoes of Undercurrents〉를 선보였다. 작품은 영상과 함께 실제 해조류, 해조류 기반 바이오 소재를 함께 설치한다. 알토대학교 교수인 로만은 오래전부터 해조류를 미래의 디자인 재료로 연구해 왔으며, 2013년에는 해조류 연구 공동체인 Department of Seaweed를 설립했다. 두 작가는 해조류를 단순한 친환경 소재가 아니라 생태계와 인간을 연결하는 존재로 바라본다. 바다는 감상의 대상이 아니라 새로운 재료와 지식이 태어나는 장소가 된다.

가장 시적인 작품은 조에 브뤼아(Zoé Bruhat), 아시아 포모르스카(Asia Pomorska), 빌마 사이니오(Vilma Sainio)가 공동 제작한 〈Ulva intestinalis〉였다. 작품은 언뜻 보면 작은 나무 벤치처럼 보이지만, 관람객에게 풍경을 바라보는 새로운 방식을 제안한다. 작가들은 "발트해는 인간이 이용하는 자원이 아니라 함께 존재하는 살아 있는 몸"이라고 말한다. 관람객은 벤치를 원하는 위치로 직접 옮겨 앉을 수 있으며, 자연스럽게 시선은 수평선에서 발아래의 모래와 이끼, 곤충, 물속을 떠다니는 해조류로 향한다. 벤치 표면에는 녹조류(Ulva intestinalis)의 미세한 구조가 CNC 가공으로 새겨져 있어 손끝으로도 자연의 질감을 느낄 수 있다. 단순한 가구가 아니라 자연을 바라보는 몸의 자세를 디자인한 작품이었다.

환경 문제를 다루는 작업 가운데서는 스페인 디자이너 알바로 카탈란 데 오콘(Álvaro Catalán de Ocón)의 〈Plastic Rivers〉도 눈길을 끌었다. 전시장에는 100% 재활용 PET로 제작한 대형 러그 〈Ganges Rug〉가 설치되어 있었다. 이 작품은 스페인 텍스타일 브랜드 GAN과 협업으로 제작되었으며, 버려진 플라스틱을 새로운 생활 오브제로 다시 순환시키는 프로젝트다. 폐기물을 단순히 줄이는 것을 넘어 새로운 재료로 전환하는 디자인의 가능성을 보여준다.

또 다른 도자 작업인 발라 부흐트(Vala Boucht)의 〈The Waiting Urn〉은 바다에서 시작된다. 작가는 알토대학교 졸업 연구에서 발트해 바닥에서 채취한 점토와 갈대를 이용해 자신의 어린 시절과 발트해의 관계를 탐구했다. 이번 작품 역시 바다에서 준설한 점토와 갈대를 사용해 제작되었다. 그에게 흙은 단순한 재료가 아니라 기억을 담고 있는 장소이며, 자연 속 물질이 인간의 손을 거쳐 새로운 재료가 되는 과정을 보여주는 매개다. 바다를 이용해야 할 자원이 아니라 오랫동안 함께 살아온 존재로 바라보는 태도가 작품 전반에 담겨 있다.

이번 전시를 보며 가장 인상 깊었던 점은 환경 문제를 직접 설명하지 않는다는 것이었다. 많은 지속가능성 전시가 위기와 해결책을 제시하는 데 집중한다면, 〈물의 감각〉은 관람객이 물과 새로운 관계를 맺도록 유도한다. 유리 속에서 천천히 증발하는 물을 바라보고, 해조류를 새로운 재료로 만나고, 발트해의 풍경 앞에 잠시 앉아 머무르는 경험을 통해 물은 더 이상 추상적인 환경 문제가 아니라 몸으로 느끼는 감각이 된다.

디자인은 언제나 새로운 물건을 만드는 일이라고 생각하기 쉽다. 비엔날레에서는 디자인이 우리의 감각과 시선을 바꾸는 일일 수도 있음을 보여준다. 물을 이해하는 것이 아니라 천천히 바라보고, 손으로 만지고, 관계를 다시 만들어가는 경험을 제안하고 있었다.

브랜드 철학을 경험으로 전환한 Hermès Maison Bond Street, London

Mon, 29 Jun 2026 13:10:31 GMT

좋은 럭셔리 리테일 브랜드들은 오늘날 브랜드가 어떤 세계관을 가지고 있으며 어떤 삶의 방식을 제안하는지를 공간으로 경험하게 하는 것을 점점 강조한다. 이러한 흐름 속에서 런던 뉴본드 스트리트에 새롭게 문을 연 Hermès Maison Bond Street는 리테일 공간이 어떻게 브랜드의 철학을 공간으로 번역할 수 있는지를 보여주고 있다. 이 프로젝트는 Maison이라는 이름 그대로 고객을 하나의 집으로 초대하는 경험을 구현했다. Hermès는 여섯 채의 조지안 시대 건물을 하나의 대형 매장처럼 통합하기보다 각각이 지닌 역사와 구조적 특성을 그대로 존중하는 방식을 선택했다. 층고가 다른 공간, 좁은 복도, 예상치 못한 계단, 불규칙한 방의 형태는 일반적인 리테일 디자인에서는 제거해야 할 제약으로 여겨질 수 있다. 그러나 RDAI의 Denis Montel은 이러한 건축적 흔적을 오히려 공간의 개성과 이야기로 전환하였다. 덕분에 고객은 하나의 거대한 매장을 둘러본다는 느낌보다 여러 개의 방을 천천히 탐험하며 새로운 장면을 발견하는 경험을 하게 된다고 말한다. 이러한 공간 구성은 Hermès가 생각하는 럭셔리의 개념과도 연결된다고 한다. 일반적인 럭셔리 브랜드가 강한 축을 중심으로 동선을 통제하고 대표 상품을 가장 먼저 노출하는 방식을 선택한다면 이번 Hermès는 고객이 스스로 길을 찾고 공간을 탐험하도록 유도한다. 목적지가 있는 쇼핑이 아니라 우연한 발견과 머무름 자체가 경험이 되는 것이다. 따라서 이 공간에서 가장 중요한 것은 판매 효율이 아니라 Journey와 Discovery라는 경험의 가치라고 강조했다. 고객은 방을 이동할 때마다 새로운 분위기와 재료, 새로운 카테고리를 만나며 브랜드의 세계를 자연스럽게 체험하게 된다는점이 차별점이다.

@Hermès

@Hermès

이 프로젝트의 또 다른 특징은 공간 전체를 하나의 언어로 통일하지 않았다는 점이다. Denis Montel은 인터뷰에서 영국 특유의 Eccentricity를 받아들이고 싶었다고 이야기한다. 이는 모든 공간을 동일한 디자인 언어로 정리하는 대신 각 공간마다 서로 다른 성격을 부여했다는 의미다. 어떤 공간은 따뜻한 주거 공간처럼 느껴지고 또 다른 공간은 갤러리와 같은 분위기를 갖는다. 각각의 룸은 독립적인 작은 부티크처럼 존재하면서도 전체적으로는 하나의 Maison이라는 큰 이야기 안에서 연결된다고 한다. 이러한 다양성은 브랜드의 풍부한 세계관을 더욱 입체적으로 전달하며 고객에게 반복 방문의 이유를 만들어 준다.

@Hermès

재료의 선택에서도 Hermès의 철학은 명확하게 드러난다. 이 프로젝트는 화려한 대리석이나 고광택 금속을 통해 럭셔리를 표현하지 않았다. 대신 시간이 흐를수록 깊은 질감을 만들어내는 오크, 패티나가 형성되는 코퍼, 스트로 마케트리, 말총 마케트리, 전통 목재 패널과 같은 자연 소재를 적극 활용하였다. 이러한 재료들은 사용될 수록 더욱 아름다워지는 특징을 가지며 Hermès가 추구하는 시간과 함께 완성되는 가치를 공간적으로 표현한다. 즉, 럭셔리는 새것처럼 빛나는 상태가 아니라 시간이 축적될수록 더욱 깊어지는 품질이라는 메시지를 전달한다. 특히 주목할 부분은 지역성과 장인정신을 공간에 적극적으로 반영했다는 점이다. 프랑스 브랜드인 Hermès는 런던이라는 도시에서 영국 장인들과 협업하며 지역의 전통 공예와 소재를 공간 곳곳에 녹여냈다. 이는 글로벌 브랜드가 어느 도시에서나 동일한 공간을 복제하는 방식과는 분명한 차이를 보인다. 브랜드의 정체성은 유지하면서도 도시의 역사와 문화, 장인정신을 존중하는 태도는 공간에 더욱 진정성과 설득력을 부여한다. 또한 기존 건축 요소를 보존한 방식 역시 중요한 디자인 전략이다. Grade II Listed Building이라는 역사적 건축물을 활용한 만큼 기존의 벽난로, 몰딩, 천장, 계단, 모자이크 바닥 등을 최대한 유지하고 복원하였다. Hermès는 건물이 품고 있는 시간의 흔적을 브랜드 경험의 일부로 받아들였다. 이는 과거와 현재가 자연스럽게 공존하는 공간을 만들며 고객은 단순히 새로운 매장을 방문하는 것이 아니라 오랜 시간이 축적된 장소를 경험하게 된다고 강조했다. 공간 곳곳에 배치된 수백 점의 예술 작품 역시 같은 맥락에서 이해할 수 있다. 예술은 제품을 돋보이게 하는 장식이 아니라 Maison이라는 개념을 완성하는 생활의 일부로 존재시켰다. 고객은 작품과 가구, 건축, 제품이 하나의 일상적인 풍경처럼 어우러진 공간을 경험하며, 자연스럽게 Hermès가 제안하는 라이프스타일 속으로 들어가게 된다. Hermès Maison Bond Street는 결국 리테일 공간이 무엇을 판매하는지가 아니라 어떤 경험을 남기는지가 더욱 중요하다는 사실을 보여준다. 건축의 역사와 지역성을 존중하고 획일적인 통일성보다 각 공간의 개성을 살리며 시간이 만들어내는 아름다움을 재료를 통해 표현한 이 프로젝트는 Quiet Luxury의 본질을 가장 공간적으로 잘 구현한 브랜딩이었다.

https://www.hermes.com/uk/en/content/401588-maison-bond-street/

태국 남부 지역의 ‘태국 창의 디자인 센터 송클라(TCDC Songkhla)’ 오픈에 따라 지역 경제 활성화 기대

Mon, 29 Jun 2026 10:39:02 GMT

태국 총리실 산하 공공기관인 창의경제진흥원(CEA)은 태국 남부 14개 주의 창의 경제 역량을 강화하고 국가적 비전인 '창의 국가(Creative Nation)' 도약을 견인하기 위해 송클라(Songkhla) 주에 CEA 남부 지역 사무소를 공식 개소했습니다. 본 사무소는 남부 지역이 보유한 고유의 문화적 자산과 잠재력을 발굴하고 지식·네트워크·비즈니스 기회를 통합하여 국내외 시장에서 지속 가능한 경제 성장을 이끌어내기 위한 핵심 기틀로 기능할 예정입니다. 새롭게 설립된 '태국 창의 디자인 센터 송클라(TCDC Songkhla)'를 중심으로 청년 인재, 디자이너, 지역 소상공인에게 전문 지식 자원과 네트워크를 제공하여 창의 인재(Creative People)를 육성하려고 합니다. 한편, 남부 지역의 특화 분야인 관광, 미식, 웰니스 산업을 융합하여 고부가가치 창의 비즈니스(Creative Business)를 창출하고자 합니다. 아울러 지역 창의 축제와 연계한 창의 도시(Creative Cities) 조성을 통해 급변하는 글로벌 수요에 대응하는 미래형 신성장 동력을 확보하는 것을 궁극적인 목표로 삼고 있습니다.

TCDC Songkhla 대표 이미지 - 출처 : 태국 창의 경제 진흥원 홍보실 www.cea.or.th

남부 지역의 잠재력과 '디스트레스 경제(De-Stress Economy)' 비전

태국 남부 지역은 풍부한 자연환경, 독창적인 미식 문화, 전통 공예 및 음악 등 창의 경제를 발전시키기에 최적의 인프라와 문화적 다양성을 보유하고 있습니다. 현재 남부 지역의 창의 경제 가치는 연간 2,200억 바트(THB) 이상 규모에 달하며, 9,610개 이상의 창의 비즈니스 업체가 활발히 운영 중입니다. 특히 이들 기업의 80% 이상이 관광 산업과 긴밀하게 연계되어 있으며, 관련 부문에서만 2022년 기준 681억 7,000만 바트 이상의 매출을 기록하며 지역 경제의 중추적 역할을 담당하고 있습니다. CEA는 이러한 정량적 성과와 지역적 특색을 바탕으로 현대인의 웰빙, 삶의 균형, 깊이 있는 경험을 핵심 가치로 두는 '디스트레스 경제(De-Stress Economy)' 모델을 제시합니다. 남부 고유의 자연 치유력과 전통 생활 방식을 창의적 아이디어와 결합함으로써 단순히 소비하는 관광을 넘어 글로벌 트렌드를 선도하는 세계적인 '창의 웰니스 및 관광 허브(Creative Wellness & Tourism Hub)'로 자리매김하도록 전략적 투자를 집중할 계획입니다.

TCDC Songkhla 오픈에 참석한 관계자 및 남부지역 주민들의 모습 - 출처 : 태국 창의 경제 진흥원 홍보실 www.cea.or.th

4대 종합 창의 생태계 구축 전략

CEA 남부 지역 사무소는 인재 양성, 비즈니스 고도화, 도시 재생, 글로벌 네트워크 연계를 골자로 하는 4대 핵심 전략을 통해 종합적인 창의 생태계를 조성하고자 합니다.

- 창의적 잠재력 육성(Nurturing Creative Potential)

남부 창의 인프라의 거점인 'TCDC 송클라'를 통해 지역 주민, 디자이너, 소상공인에게 지속 가능한 교육 체계와 디자인 자원을 제공합니다. 이와 연계하여 지자체 협업 체계 기반의 'TCDC 푸켓' 및 'TCDC 파타니'를 2026년 내에 순차적으로 개소할 예정이다. 또한 남부 전역에 구축된 'miniTCDC' 및 'miniTCDC LINK' 네트워크를 활성화하여 교육기관과 학생들의 접근성을 높이고 지역 간 지식 격차를 해소하고자 합니다.

- 창의적 성장 지원(Supporting Creative Growth)

지역 비즈니스의 경쟁력을 강화하기 위해 고유 자산에 현대적 혁신을 더하는 고부가가치화 사업을 추진합니다. 대표적으로 전통 산업과 신진 창의 인재를 매칭해 새로운 비즈니스 모델을 창출하는 'Made in' 프로그램과 향토 자원을 현대적 상품 및 서비스로 재가공하는 'Empowering Local Asset' 프로그램을 전개합니다. 이를 통해 지역 문화 아이덴티티와 혁신 기술을 융합한 동시대적 경제 가치를 창출하고자 합니다.

- 창의 도시 추진(Driving Creative Cities)

지역 정체성을 기반으로 한 창의 지구를 개발하여 주민의 삶의 질을 높이고 경제적 활력을 불어넣습니다. 특히 지역 기반 개발을 촉진하기 위해 송클라의 '팍 타이 디자인 위크(Pakk Taii Design Week)', 파타니의 '파타니 디코디드(Pattani Decoded)', 나콘시탐마랏의 '크리에이티브 나콘(Creative Nakhon)', 트랑의 '트랑 리나운(Trang Renown)' 등 지역별 특화 창의 축제를 다각적으로 지원하고자 합니다.

- 창의 네트워크 연결(Connecting Creative Networks)

정부 부처, 민간 기업, 학계 및 국내외 창의적 연구 네트워크 간의 긴밀한 협력 체계를 구축하고자 합니다. 도시의 역사적·문화적 맥락을 보존하면서도 지속 가능한 미래 도시의 청사진을 그릴 수 있도록 '창의 지구 개발(Creative District Development)' 프로그램을 고도화하여 민·관·학 통합 거버넌스를 실현하고자 합니다.

TCDC Songkhla 오픈에 참석한 관계자 및 남부지역 주민들의 모습 - 출처 : 태국 창의 경제 진흥원 홍보실 www.cea.or.th

CEA 송클라의 공식 개소를 기념하여 "Southern Spectrum 정제: 창의성으로 남부에 힘을 싣다(Refining Southern Spectrum: Empowering the South Through Creativity)"라는 주제로 특별 행사를 개최하였습니다. 남부의 과거와 현재를 관통하는 인재, 문화, 자산을 종합적으로 선보이는 본 행사는 2026년 6월 19일부터 21일까지 진행이 되었습니다. 전시 및 쇼케이스(Exhibition & Showcase)에서 모벨라 스튜디오(Mobella Studio), 티마 크래프트(TIMA Craft), 산사드(Sarnsard) 등 지역 대표 디자이너들이 남부의 전통 지혜와 로컬 소재를 재해석하여 제작한 가구 및 예술 작품을 전시했습니다. 그리고 팝업 스토어 및 마켓(Pop-Up Store & Market)에서는 ‘Neighbor Lard’: 남부 특유의 안락함과 웰빙 문화를 담아낸 슬로우 크래프트, 컴포트 푸드, 젠틀 투어리즘, 웰니스 캄, 스피릿 바이브 등 5개 카테고리의 창의적 제품과 서비스 50여 개를 엄선해 소개하였습니다. 그 외에도 크리에이티브 토크 및 워크숍(Creative Talk & Workshop)이 진행 되었습니다.

CEA 송클라의 출범은 단순히 한 지역의 행정 기관 신설을 넘어 태국 남부 14개 주 전체의 창의적 잠재력을 하나로 묶어내는 거대한 생태계의 시작을 의미합니다. 지역 주민의 고유한 삶의 방식과 내 내재된 창의성을 비즈니스 자산으로 전환하고 이를 국내외 시장에 연결하는 지속 가능한 플랫폼으로의 역할을 할 것으로 기대됩니다. 더불어 CEA는 앞으로도 민·관·학 협동 거버넌스를 공고히 하여 남부 태국의 창의 경제 성장을 촉진하고 궁극적으로 국가 경쟁력 강화와 태국 국민의 삶의 질 향상에 기여하게 될 것입니다. 이에 ‘따라 창의 국가, 태국'의 비전을 실질적이고 지속 가능한 형태로 완성해 나갈 것으로 기대가 됩니다.

자료 및 기사 출처

태국 창의 경제 진흥원 홍보실 www.cea.or.th