뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 2014년 10월 5일까지 <현대 여성 디자인 1890-1990 (Designing Modern Women 1890-1990)> 전시를 만나볼 수 있다.

혹자는 한국 최초의 여성 대통령이 탄생하고, 전 세계적으로 사회활동을 하는 여성인구가 늘어난 것은 물론이고, 사회 각 조직에서 여성이 요직을 맡은 경우를 어렵지 않게 볼 수 있는 21세기 현시점에 ‘여성 디자인’을 다시 이야기할 필요가 있는가 의문을 제기할지 모른다. 하지만 <어린이의 1세기(Century of the Child)>, <카운터 스페이스: 디자인과 현대 주방(Counter Space: Design and the Modern Kitchen)>에서 사회적 압력의 형태를 뛰어난 통찰력으로 분석했던 모마의 건축과 디자인 큐레이터인 줄리엣 킨친(Juliet Kinchin)은 남성중심 사회에서 가려졌던 디자인 역사에서 여성의 공헌을 살펴야 한다고 주장한다. 이번 전시는 이러한 무겁고도 중요한 주제로 기존에 좀처럼 보기 힘들었거나 알려진 바와 다른 별개의 이야기를 가진 작품들을 조명한다.


에바 지셀(Eva Zeisel)(American, born Hungary. 1906–2011). 폴딩 체어(Folding Chair). 1948-1949. 제조: Hudson Fixtures, USA. The Museum of Modern Art, New York. Gift of the designer

다른 사회적 활동들이 그러했듯이 디자인은 오랫동안 남성의 전유물로 여겨져 왔다. 여성들은 사회적 관습에 저항하고 전통적인 남성지배사회의 규율을 더듬어보면서 핵심적인 역할을 하기 위해 애썼다. 여성은 혁신적으로 도발적인 그리고 의미 있는 방식으로 미술과 공예, 수작업과 대량생산, 아마추어와 전문가 사이의 영역을 가로지르고 협력적이고 공예에 기반을 둔 창작활동을 펼쳐서 디자인 역사에 강력하게 공헌해 왔다. 하지만 많은 수의 여성들이 남성파트너와 협업하였고 그의 이름을 내세웠다. 여기에서 우리는 의문을 제기할 수 있다. 여성들의 특성상 협력하는 것을 선호하는 것인지, 아니면 남성 중심 사회에서 그들의 창조적 능력이 과소평가 되는 것이 염려되어서 파트너를 앞세우는 것인지 말이다.


© 2013 The Museum of Modern Art, New York. Photograph: Thomas Griesel

이 전시는 ‘여성성’에 대한 다양한 메시지를 떠올리게 한다. 지난 역사 동안 여성은 전문 디자이너로서뿐만 아니라 고객, 시행자, 교육자 등으로 현대 디자인의 새로운 사고방식을 개척해 왔고 여성에 의한 현대 디자인의 길고 풍부한 역사가 지속함에 따라 더 널리 인정받게 되었고 그것은 더 유명한 남자 동료의 그늘에 가려져 있었던 여성디자이너의 성과를 무시하기 어렵게 만들었다. 이곳에 전시된 여성의 창의성을 보여주는 제품, 디자인 드로잉, 포스터, 영상 등은 모두 박물관의 소장품이다. 줄리엣 킨친은 여성과 성 이슈에 초점을 맞추어 디자인 세계에서 모르고 지나쳤던 것을 볼 수 있도록 용기를 불어넣었다. 또, 그녀는 여성이 가진 독창성, 에너지 그리고 인간애의 경이로움을 전시에 와서 느꼈으면 좋겠다고 밝히고 있다.

여성이 디자인에 참여하게 되면서 오랫동안 관심을 두지 않았던 직물이나 인테리어디자인과 장식, 어린이를 위한 디자인에 관심을 끌게 되었다.


© 2013 The Museum of Modern Art, New York. Photograph: Thomas Griesel

‘디자이너(Designer)’가 아닌 ‘디자이닝(Designing)’이라는 모호한 전시의 제목은 ‘여성 디자이너’ 얘기뿐만이 아니라 ‘여성에 의한, 여성을 위한, 여성에 대한’ 디자인 이야기를 다루었다는 의지를 표현한다.


© 2013 The Museum of Modern Art, New York. Photograph: Thomas Griesel.


1.새로운 여성, 새로운 디자인 1890-1939 (NEW WOMEN, NEW DESIGN 1890-1939)

연대순으로 분류되어 있었던 이 전시는 여성이 처음으로 진보적인 예술학교에서 공부를 시작하고 몬테소리 시스템과 같은 새로운 교육 움직임에 참여하기 시작했던 1890년대부터 이야기가 시작된다.

20세기 초반 많은 중산층 여성에게 성 해방의 기회가 많아지고 새로워진 사회 분위기는 여성들의 시야를 넓혀주었다. 글래스고(Glasgow), 빈, 시카고, 파리, 베를린, 모스크바의 진보적 디자인 중심지에서는 여성들이 무리를 지어 예술학교로 가기 시작했다. 기계 사용이 늘어가는 것에 대해 수공예의 중요성을 강조한 ‘미술 공예운동(Arts and Crafts Movement)’의 근간이 되었던 예술학교에서는 예술과 디자인, 건축을 통합된 접근 방식으로 가르치고 실무를 통해 배우는 것을 강조하였다. 여성들이 예전부터 두각을 나타냈지만, 너무 익숙한 일상의 한 부분이었기 때문에 ‘예술’의 범주에 속하기 어려웠던 직물, 장식, 인테리어 디자인, 도예, 금속작업 등에 가시성을 높여주었다. 이러한 경향은 디자이너와 사용자 모두가 참여할 수 있고 예술적 생산활동에 일상생활용품을 넓은 범위로 포함하는 ‘예술은 통합된 활동’이라는 신념을 반영하였다.

이곳에 전시된 많은 작품이 뒷이야기를 가지고 있다. 1925년 쿠션 덮개를 만든 클레어 와그너 코스테리츠(Claire Wagner Kosterlitz)는 독일의 디자인 바우하우스에 등록한 첫 학생 중 한 명이다. 그녀의 추상적 디자인은 율동적이고 색상이 강렬하다. 이것은 과장되거나 엄청난 작품은 아니지만, 그들 자신의 작은 방법으로 현대적이고 즐거운 색상, 일상에서의 편리함을 소개하였다. 혁신적인 디자이너 마거릿 맥도날드(Margaret Macdonald), 아일린 그레이(Eileen Gray)와 릴리 라이히(Lilly Reich)는 새로운 소재를 새로운 방식으로 사용하였다. 그것은 독립적이고 활동적인 여성의 필요에 의한 현대적 주거에 적합한 환경을 만들기 위한 새로운 방식이다.


*마거릿 맥도날드(Margaret Macdonald)
1900년대에 결혼한 마거릿 맥도날드(Margaret Macdonald)와 매킨토시(Mackintosh )는 효율적으로 함께 일하며 여러 시리즈의 실내장식을 선보였다. 부인 맥도날드는 오늘날 잘 기억되지 않지만, 그녀가 생존해 있을 때는 예술가로 인정받았다. 매킨토시는 “마거릿은 영감을 주는 뮤즈 이상입니다. 나는 그냥 재능이 있는 사람이지만, 마거릿은 천재예요.”라며 그녀의 능력을 높이 평가한다.


찰스 레니 매킨토시(CHARLES RENNIE MACKINTOSH) (British, 1868–1928)
마거릿 맥도날드(MARGARET MACDONALD) (British, 1865–1933)
리셉션 공간과 음악실(Reception room and music room).
-House of an Art Lover 석판화
The Museum of Modern Art Library


찰스 레니 매킨토시(CHARLES RENNIE MACKINTOSH) (British, 1868–1928)
마거릿 맥도날드(MARGARET MACDONALD) (British, 1865–1933)
식사공간(The dining room). (Plate XIV)
-House of an Art Lover 석판화
The Museum of Modern Art Library


*아일린 그레이(Eileen Gray)
락커를 칠한 나무스크린과 세로의 가는 금속 기둥으로 연결되어 있다. 이렇게 현대적인 소재(금속, 유리)는 여성의 실험을 대변한다.


(좌)아일린 그레이(Eileen Gray) (British, born Ireland. 1879–1976). 스크린(Screen). 1922. 제조: Eileen Gray Workshop, Paris. The Museum of Modern Art, New York. Hector Guimard Fund
(우)아일린 그레이(Eileen Gray) (British, born Ireland. 1879–1976). 조절가능한 테이블(Adjustable table). 1927. 제조: Aram Designs Ltd. London. The Museum of Modern Art, New York. Philip Johnson Fund and Aram Designs Ltd. London

*샬롯트 페리앙(Charlotte Perriand)
1928년 샬롯트 페리앙(Charlotte Perriand) 르코르뷔지에(Le Corbusier) 피에르 잔느레(Pierre Jeanneret) 협력으로 만들어진 회전 팔걸이의자다. 르코르뷔지에는 처음에 우리는 쿠션에 자수를 놓지 않는다며 그녀를 고용하지 않았지만, 그 후에 살롱 도톤느(salon d"Automne)에 출품한 그녀의 작품을 보고 가구디자인에 함께 참여할 것을 제의했고 나중에 실내장식 작업도 할 수 있게 되었다. 페리앙은 신소재를 자신의 작업에 적용하기를 좋아했는데 그녀의 디자인과 재료에 대한 실용주의적 지식은 늘 르코르뷔지에의 아이디어에 영감을 불어넣어 주었다.


샬롯트 페리앙(CHARLOTTE PERRIAND) (French, 1903–1999)
르코르뷔지에(LE CORBUSIER) (CHARLES-EDOUARD JEANNERET) (French, born Switzerland. 1887–1965)
피에르 잔느레(PIERRE JEANNERET) (Swiss, 1896–1967)
회전 안락의자(Revolving Armchair) 1928. Gift of Thonet Industries, Inc.
그녀는 디자인이 중산층 사람들의 삶을 보다 편안하고 즐겁게 만드는 데 이바지해야 한다고 생각하고 생활 예술 즉, 일상생활을 풍요롭게 만드는 환경을 만들기 위해 노력하였다



2.신여성을 표현 1890-1938 (Representing the New Woman 1890-1938)

인쇄기술과 유통의 발달로 1900년대부터 도시는 화려한 색상의 눈길을 끄는 포스터들이 넘쳐났다. 현대 예술의 뮤즈, 성적 매력이 넘치는 요부든 새로운 활동성의 상징이든 간에 현대 여성의 이미지는 광고와 잡지 표지에서 흔하게 볼 수 있었다.

남성작가들에 의해 만들어진 이런 포스터들은 이전의 제한된 삶을 살았던 여성의 모습과는 정반대의 자유분방한 모습을 담고 있지만, 결국은 그들이 원하는 신여성의 모습을 표현한 것이고 그 틀에 여성들은 자신의 모습을 또 맞춰가게 되어있다. 뉴욕 타임즈(The New York Times)는 이 전시에서 여성 디자이너 이외에, 현대 디자인이 ‘디자인한’ 여성의 모습을 담은 포스터를 전시하는 것이 전시의 주제의식에서 벗어나는 것은 아닌가 의문을 제기하며 많은 생각을 불러일으킨다고 전했다. 





3.주방의 변신 1920-1950 (Kitchen Transforms 1920-1950)

폭발적인 소비의 시대의 문턱에서 효율적이고 위생적인 주방은 20세기 중반 디자이너의 주된 관심사였다. 이 시기를 대표할 수 있는 말은 “편하고, 활기차고, 사회성 있는”이 되겠다.
‘부엌’은 오랫동안 디자인 혁신작업에서 관심을 받지 못한 채 지나쳐왔지만 사실 부엌이야말로 신소재, 신기술 또 우리 삶을 새롭게 계획하고 조직하는 방법을 시험하고 적용하는 곳이다. 과학 기술의 발전은 사람이 손으로 하던 일을 기계가 대신해 줌으로써 가사노동으로부터 여성들의 시간과 에너지를 자유롭게 해 주었고 이것은 우리 일상의 혁명적인 변화라고 볼 수 있다.
1952년 프랑스 마르세유(Marseille)에 완공된 르코르뷔지에(Le Corbusier)의 위니떼 다비따시옹(the Unité d"Habitation)아파트 건물에 변화하는 현대여성의 생활 방식을 반영한 샬롯트 페리앙(Charlotte Perriand)의 혁신적인 주방이 선보였다. 이 시기에도 여전히 여성의 디자인 영역은 별도로 존재했고, 여성의 영역이라 여겨진 주방디자인이 페리앙에게 맡겨진 것은 어쩌면 당연한 일이었다.


샬롯트 페리앙(Charlotte Perriand) (French, 1903–1999), with Le Corbusier (Charles-Édouard Jeanneret; French, born Switzerland. 1887–1965), and ATBAT. 위니떼 다비따시옹의 부엌(Kitchen from the Unité d’Habitation, Marseille, France.) c. 1952. © 2013 The Museum of Modern Art, New York. Photograph: Thomas Griesel.(이 작품은 2014년 3월 30일까지만 전시합니다)

그녀는 여성들이 식사 준비라든지 손님 접대 등을 할 때 부엌을 어떻게 사용하는지 조사를 하고 효율성을 연구하였다. 페리앙의 부엌은 사회 변화에 영향을 미치고, 매일의 생활의 질을 향상하게 시키는 현대 디자인과 과학기술의 이상적인 신념을 담고 있다. 부엌에서 거실로 향하는 공간은 정교하게 계획되었고 문과 패널은 서로 다른 색상으로 칠해져 있고 미닫이문이 열리고 닫히면서 전체 유닛이 끊임없이 변하는 조각처럼 보인다.
이번 전시에서는 제작 당시의 색상을 찾기 위해 여러 겹의 페인트칠을 벗겨 내고 정교한 복구작업을 거쳤다.


식품 저장을 위한 봉투, 통, 찬장의 표준화는 현대 부엌을 정의할 때 나타나는 세부적 특징이다. 오늘날 다양하게 변형된 모습으로 흔히 볼 수 있는 바닥이 평평한 종이봉투이지만, 1871년 여성 발명가 마거릿 E. 나이트(Margaret E. Knight)의 봉투를 만든 기계에 대한 특허는 기존의 구조적으로 약했던 봉투 모양의 백(bag)에 혁신을 가져온 것이었다.


마거릿 E. 나이트(Margaret E. Knight) (American, 1838–1914), Charles B. Stilwell (American, n. d.), Union 　　　　　　　　Paper Bag Machine Company (Philadelphia, PA, est. 1869). 밑바닥이 평평한 종이봉투(Flat-bottomed Paper Bag). 1870s–1880s. Paper, 13 3/4 x 7 x 4″ (34.9 x 17.8 x 10.2 cm). 제조: Duro Bag Manufacturing Company, Elizabeth, NJ.  The Museum of Modern Art, New York. Gift of the manufacturer




4.인도주의적 모더니즘 1940-1960 (Humanizing Modernism 1940-1960)

제2차 세계대전 중, 그리고 그 직후 여성 디자이너와 큐레이터에게 더 좋고 공정한 세상을 만드는 새로운 기회가 왔다. 그 시절, 뉴욕 현대미술관에서도 , 등 여성의 요구와 관점을 전면에 내세우는 전시를 기획하였다. 전후에는 디자인과 공예를 더 널리 가르치고, 모마의 굿디자인 프로그램(MoMA’s Good Design)은 많은 여성에게 재능을 드러낼 기회를 제공하였다.
많은 여성이 고등교육을 받게 되었지만, 여전히 결혼 후에는 작업하는 데에 어려움이 있어서 그들은 자신의 재능과 에너지를 발산하기 위한 자원봉사 조직이나 독립 공예 스튜디오에 참여하기도 하였다.


리나 보 바디(Lina Bo Bardi) (Brazilian, born Italy. 1914–1992). 상파울루의 농업전시 (Exhibition on agriculture in the state of São Paulo). 1951. The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist (이 작품은 2014년 3월 30일까지만 전시합니다)

1951년 브라질 상파울루 시의 400번째 기념행사의 일부인 농업전시와 상파울루 비엔날레의 시작은 민족운동의 중심지로서 국제사회의 관심을 불러모았다. 이탈리아 출신 브라질여성 작가 보 바디(Bo Bardi)가 디자인한 이 포스터의 거대한 황소와 헬리콥터의 병치는 브라질 경제의 기둥인 현대 농업을 기념하는 전시의 핵심을 포착하였다. 이 두 개의 모티브는 전통과 현대, 자연과 기술혁신 사이의 중요한 관계를 반영하고 있다.



5.팝과 플라스틱 1960년대 (Pop & Plastic 1960s)

1960년대는 강렬한 문화적 격변과 변화의 10년이었다. 서양문화에서는 여성과 유색인종들이 더 나은 사회와 경제적 평등을 위해 여성 해방운동, 인권운동을 통해 투쟁하였다. 세계적인 정치혁명과 시각문화가 만연하여 시위 포스터가 주제였다. 격식에 얽매이지 않는 삶의 방식이 증가하면서 실험적인 디자인의 가구와 중성적인 십 대 패션이 늘었다. 플라스틱과 다른 합성물질들로 인해 저가의 밝은 색상의 소비재를 대량생산이 가능해졌다. 이 10년 동안은 낙관론과 새로움이 과거로부터 그 자신을 해방할 방법을 찾으려고 애쓰는 시기였다.


© 2013 The Museum of Modern Art, New York. Photograph: Thomas Griesel.

일시적이고 재미있는 특징을 함께 가지는 작품이다. 작가는 1971년 “미래의 플라스틱 제품은 사람이 공기에 둘러싸여 사는 것처럼 아주 흔해질 것이다. 따라서 자연적 소재는 고급으로 사람들의 감탄 대상이 될 것이다.”



6.포스트 모더니즘 1970-1990 (Punk to Postmodernism 1970-1990)

1970년대 후반 영국에서 일어난 사회체제에 반항적인 음악 조류인 펑크록(Punk rock)이 유행하고 기득권층에 반대하는 에너지 넘치는 움직임이 일어났다. 여성들은 음악가, 연주자, 패션디자이너, 그래픽 예술가로서 자신의 창의성을 발휘하였다. 1970년대에는 새로운 디자이너들이 모더니즘의 유산에 의문을 제기하였다. 지배적인 남성적 기풍과 하나의 목표를 향한 집단적 과정이 과거의 문화로부터 키치와 유머, 절충주의를 사용하면서 포스트 모던 디자이너들은 획일적인 모더니즘보다 좀 더 공감을 불러일으키고 포괄적인 접근을 수용하였다.


여성밴드를 위한 포스터_루바 루코바(Luba Lukova) (American, born Bulgaria). There Is No Death for the Songs. 1987. The Museum of Modern Art, New York. Gift of the designer, 1998.


뉴욕 타임즈에 따르면 연장이나 자동차, 고층빌딩 건축에서 중요한 건축가가 있었다면 그런 종류의 작업은 이 전시에서 찾기 힘들 것이라고 했다. 왜냐하면, 여성이 남성의 분야라고 여겨졌던 분야에서 두각을 나타내기 시작한 것이 1990년대부터인데 전시가 그전까지의 작품만을 보여주기 때문이다. 과거 남성중심 사회에서 여성에 적절하다고 생각되는 분야의 디자인만 맡겨졌던 경향을 돌이켜봤을 때 이번 전시에 전시된 거의 모든 것이 집안 살림(접시, 세라믹 꽃병, 직물, 장난감 등)에 관한 것이고 그것이 모마의 컬렉션에 여성의 과소평가가 반영된 것이 아니냐는 지적이다.

그럼에도 불구하고 이번 전시는 지난날 사회적 제약 속에서 자신을 숨겨야 했던 여성들의 이야기들을 꺼내어 되짚어보고 여성들이 디자인 역사에서 어떻게 자신의 목소리를 찾아왔는지 살펴보는 기회를 제공하였다는 데에 의의가 있다.